Definirea modernismului prin 5 fapte și 12 opere de artă

Dans de Henri Matisse , 1909-10, via Muzeul Ermitaj, Sankt Petersburg; cu Compoziție cu roșu, albastru și gri de Piet Mondrian, 1927; și Femeile II. de Willem de Kooning, 1952

Ca orice altă descriere a unei epoci în artă, „modernismul” și „arta modernă” sunt greu de definit cu precizie. Motivul este că astfel de categorii sunt într-un fel subiective și, prin urmare, vor rămâne întotdeauna controversate. Folosind termenul „modernism”, vorbim de obicei de o mișcare globală care a avut loc atât social, cât și cultural la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea în țările lumii occidentale. Mai ales în artă plastică, termenul a însemnat o ruptură cu aproape tot ce s-a întâmplat înainte în artă. Și descrie căutarea unor noi mijloace de exprimare.

Numărul 14 de Jackson Pollock , 1951, via Tate, Londra

Înconjurat de mari revolte sociale, culturale și politice, „modernismul” este considerat o perioadă de inovare și experimentare. În linii mari, termenul „modernism” în artă variază de la realismul unor artiști precum Gustave Courbet până la abstracția anilor 1960. În cele ce urmează, vă vom explica „modernismul” mai detaliat folosind 5 fapte și 12 opere de artă.

1. Modernismul nu descrie un singur stil

Podul japonez de Claude Monet , 1899, prin Galeria Națională de Artă, Washington D.C.

De cele mai multe ori, descrierea unei epoci se face în funcție de asemănările sale în operele de artă produse într-o perioadă specială. artă contemporană , cu toate acestea, nu este atât de ușor de restrâns - dimpotrivă. În loc de un singur stil, în perioada modernistă au apărut multe stiluri și forme de artă diferite. Multe dintre noile forme și stiluri de artă au un lucru în comun: multe poartă sufixul -ism în numele lor. Acestea includ, de exemplu, Impresionism , care a fost urmat de Expresionism . Dar deasemenea Cubism și fauvism intra în categoria „modernismului”.

Vioară și ulcior de George Braque , 1910, prin Arhiva de Artă

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

În această secțiune, puteți vedea câte o lucrare pentru fiecare dintre artiști Claude Monet și George Braque . La suprafață, aceste opere de artă nu ar putea fi mai diferite. Tehnica, precum și culorile și motivele sunt fundamental diferite. Cu toate acestea, cele două lucrări au mai multe în comun decât ați putea bănui la început. Ambele picturi au fost create în perioada modernistă în artă. Ceea ce îi mai unește va fi arătat în explicațiile următoare.

2. Artiștii moderniști au pus la îndoială sau chiar au respins valorile conservatoare

Era modernismului în artă a fost vestită când tot mai mulți artiști au respins principiile clasice ale artei și au repudiat tot mai mult ideile tradiționale despre artă. Artiști precum Claude Monet s-au abținut să înfățișeze lumea cât mai realist posibil în picturile lor, așa cum a fost predat în Renaştere inainte de. În schimb, ca mulți alți artiști, el era preocupat de o expresie subiectivă a percepției. Acest lucru a însemnat, de asemenea, că artiști precum Monet au pus la îndoială vederea ca atare. O idee obiectivă de a vedea a fost pusă la încercare și a fost din ce în ce mai mult înlocuită cu o idee subiectivă de a vedea.

Țipătul de Edvard Munch , 1893, prin Muzeul Munch, Oslo

Să aruncăm o privire la Edvard Munch faimosul tablou al lui Țipătul (1893). Cu această lucrare de artă, Edvard Munch arată cât de emoție bruscă ne schimbă toate impresiile senzoriale. Toate liniile din pictură duc la capul care țipă din centrul picturii. Amestecul sălbatic de culori strălucitoare și linii organice intensifică impresia de izbucnire de emoție. În acest tablou al artistului norvegian, ceva devine foarte clar: Pictura în „modernism” nu este nici despre adevăruri ale naturii, nici despre prezentarea frumuseților ideale. Ceea ce contează este expresia pură a emoției, chiar dacă asta înseamnă distorsionarea unei figuri până la urâțenie.

3. Modernismul înseamnă inovație și experimentare

Arta modernă a fost puternic influențată de evenimentele sociale și politice de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Începutul secolului reprezintă una dintre cele mai mari răsturnări istorice pentru societățile occidentale. Industrializarea a decolat cu adevărat în această perioadă, capitalismul a luat loc din ce în ce mai mult, au existat invenții precum calea ferată și primul război mondial. Toate acestea i-au confruntat pe oameni cu neprevăzutul. Această trezire și răsturnare ar putea fi simțită și în artă. Au existat multe inovații și oamenii au experimentat cu forme, culori, linii și motive așa cum nu făcuseră niciodată înainte.

Les Demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso, 1907, via MoMA, New York

Un bun exemplu al acestei dezvoltări este opera de artă a lui Pablo Picasso Doamnele din Avignon (1907). Dacă te uiți la acest tablou astăzi, aproape că s-ar putea crede că Picasso a pictat această lucrare pentru a schimba pictura occidentală de la baza ei. Aici, artista nu se joacă doar cu forma corpului feminin combinând-o cu forme geometrice, ci chipurile femeilor au fost inspirat de arta africană . Ambele pot fi privite ca elemente ale unei revoluții picturale.

Varsta adultă de Hilma af Klint , 1907, via Heart & Art

Abstracția și-a găsit drumul în artă și în vremea modernismului. Artistul suedez Hilma din Klint este astăzi considerat un pionier al artă abstractă , împreună cu artiști precum Vasili Kandinsky . În arta ei, ea a trecut printr-o dezvoltare picturală de la arta naturalistă la arta abstractă. Hilma af Klint și-a pictat primele tablouri abstracte deja în jurul anului 1906.

4. Accentul a fost adesea pe material, culoare, tehnică și proces

Compoziție cu roșu, albastru și gri de Piet Mondrian , 1927, prin Sotheby’s

Fie că sunt loviturile de pensulă ale unui Claude Monet, zonele de culoare de pe o lucrare de Piet Mondrian sau stropi de vopsea pe un pictură de acțiune de Jackson Pollock – în epoca modernismului, materialul, culoarea, tehnica și procedeul pictural s-au împins în prim-plan în lucrările multor artiști.

Cu toate acestea, picturile nu trebuie să fie supraîncărcate în niciun fel. Adesea chiar și reducerea totală creează o atenție specială. Câteva exemple bune în acest sens sunt lucrările monocrome ale artistului francez, Yves Klein .

Monocrom albastru fără titlu (IKB 239) de Yves Klein , 1959, prin Sotheby’s

Yves Klein este considerat un artist al avangardă . Compozițiile sale de imagini monocrome, pe care le-a creat într-un albastru ultramarin dezvoltat de el însuși, au devenit deosebit de faimoase. Culoarea poartă denumirea oficială International Klein Blue. Într-o astfel de imagine albastră culoarea devine singurul motiv și astfel atrage imediat atenția privitorului.

5. Clement Greenberg: un teoretician important al modernismului (abstract).

Un nume care merită cunoscut în legătură cu arta modernă este Clement Greenberg. Criticul de artă Clement Greenberg este ceva ca capul picturii moderne târzii. Greenberg era convins că arta trebuia redusă la elementele sale cele mai de bază: la suprafață și culoarea ei. Astfel, teoreticianul american s-a propagat în primul rând Expresionismul abstract și vopsirea suprafeței color.

Un om eroic nobil de Barnett Newman , 1950/51, via MoMA, New York

Artiști precum Jackson Pollock, Willem de Kooning și Barnett Newman își datorează faima și recunoașterea internațională influenței și sprijinului Clement Greenberg . Una dintre cele mai faimoase scrieri ale lui Clement Greenberg este Spre un Laocoon mai nou (1940). Titlul o dezvăluie deja: Cu scrisul său, Greenberg se referă la un text celebru al lui Gotthold Ephraim Lessing. La fel ca Lessing, Greenberg a vrut să separe artele în disciplinele lor. El declară artele vizuale a fi cea mai înaltă artă. Puterea picturii, explică el în eseul său, devine vizibilă doar atunci când renunță la orice narațiune. Tocmai asta și-a stabilit avangarda în pictura sa, așa cum putem vedea în picturile anterioare.

Femeile II. de Willem de Kooning , 1952, via MoMA, New York

Așadar, să remarcăm: „modernism” este termenul pentru o perioadă de timp la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. La acel moment, schimbări sociale și culturale majore au contribuit la faptul că arta era pe cale să se schimbe. Arta modernă nu poate fi în niciun caz redusă la câteva caracteristici similare. Cu toate acestea, există unele caracteristici prin care arta modernă poate fi definită. A existat un spirit de noi începuturi în artă și curajul de a experimenta. În epoca modernistă, artiștii au pus la îndoială valorile conservatoare și noțiunile tradiționale de artă. S-au exprimat prin culoare, forme, linii și tehnici, deschizând astfel calea către abstractizare. O figură teoretician importantă în dezvoltarea artei moderne este criticul de artă american Clement Greenberg. Scrierile sale oferă răspunsuri decisive la întrebarea cum ar trebui să arate arta modernă.