Arta africană: prima formă de cubism

Mască Kagle , 1775-1825, via Muzeul Rietberg, Zürich (stânga); cu Doamnele din Avignon de Pablo Picasso, 1907, via MoMA, New York (centru); și Și masca , prin Galeria Hamill de Artă Tribală, Quincy (dreapta)

Cu sculpturile și măștile lor vitale, artiștii africani au inventat estetica care va inspira mai târziu atât de populară Stiluri cubiste . Efectele lor abstracte și dramatice asupra figurii umane simplificate datează mult mai devreme decât cel mai celebrat Picasso și se extind dincolo de mișcarea cubismului în sine. Influența artei africane ajunge de la fauvism la suprarealism, de la modernism la expresionismul abstract și chiar artă contemporană .

Sculptori de artă africană: primii cubiști

Bust de femeie de Pablo Picasso , 1932, via MoMA, New York (stânga); cu Pablo Picasso cu o țigară, Cannes de Lucien Clergue , 1956, prin Muzeul de Artă din Indianapolis (centru); și Lwalwa Mask, Republica Democratică Congo , prin Sotheby’s (dreapta)

Arta africană a fost adesea descrisă ca abstractă, exagerată, dramatică și stilizată. Cu toate acestea, toate aceste caracteristici formale au fost, de asemenea, atribuite operelor de artă ale Cubism circulaţie.

Pionierii acestei noi abordări au fost Pablo Picasso și Georges Braque , care au fost foarte influențați de primele lor întâlniri cu măști africane și Paul Cézanne picturile sistematice ale lui. Impactul expresiei intense a artei africane, al clarității structurale și al formelor simplificate i-a inspirat pe acești artiști să creeze compoziții geometrice fragmentate pline de planuri suprapuse.

Artiștii africani au implementat adesea lemnul, fildeșul și metalul pentru a crea măști, sculpturi și plăci tradiționale. Maleabilitatea acestor materiale a permis tăieturi ascuțite și incizii expresive care au dus la sculpturi liniare bruște și sculpturi fațetate în rotund. În loc să arate o figură dintr-o singură perspectivă, sculptorii africani au combinat mai multe caracteristici ale subiectului, astfel încât să poată fi văzute simultan. In efect, arta africana preferă formele abstracte în detrimentul formelor realiste, în măsura în care chiar și majoritatea sculpturilor sale tridimensionale, ar portretiza un aspect bidimensional.

Soldați britanici cu artefacte jefuite din Benin , 1897, prin Muzeul Britanic, Londra

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

După expedițiile coloniale, unele dintre cele mai prețioase și sacre obiecte ale Africii au fost aduse în Europa. Nenumărate măști și sculpturi originale au fost introduse și vândute pe scară largă în rândul societăților occidentale. Replicile africane ale acestor obiecte au devenit atât de populare în această perioadă încât chiar le-ar înlocui pe unele greco-romană antichități care împodobeau atelierele unor artiști academicieni. Această proliferare rapidă a permis artiștilor europeni să intre în contact cu arta africană și cu estetica ei fără precedent.

Dar de ce au fost artiștii cubiști atât de atrași de arta africană? Abstracția sofisticată africană a figurii umane a inspirat și încurajat mulți artiști la împlinirea anilor 20thsecol pentru a se rupe rebel de tradiție. Am putea spune chiar că entuziasmul pentru măștile și sculpturile africane a fost numitorul comun în rândul tinerilor artiști în timpul revoluției artistice care a atins apogeul înainte de Primul Război Mondial.

Dar acesta nu a fost singurul motiv. Artiști moderni au fost, de asemenea, atrași de arta africană, deoarece aceasta însemna o oportunitate de a scăpa de tradițiile rigide și învechite care guvernau practica artistică a 19th-pictura academică occidentală de secol . Spre deosebire de tradiția occidentală, arta africană nu a fost preocupată de idealurile canonice de frumuseţe nici cu ideea de a reda natura cu fidelitate faţă de realitate. În schimb, le păsa să reprezinte ceea ce „știau” mai degrabă decât ceea ce „văd”.

Din limitări apar noi forme

-Georges Braque

Artă care funcționează: măști africane

Masca tribului Dan activată prin spectacolul de dans sacru la Fête des Masques din Coasta de Fildeș

Arta de dragul artei nu este mare în Africa. Sau cel puțin, nu a fost atunci când artiștii occidentali din secolul al XX-lea au început să rătăcească după inspirație în bogăția continentului african. Arta lor cuprinde o mare varietate de media și spectacole, în timp ce se adresează în principal lumii spirituale. Dar relația dintre fizic și spiritual devine foarte palpabilă în practicile lor. Arta Africii este în mare parte utilitară și poate fi văzută pe obiectele de zi cu zi, dar joacă și un rol activ în ritualuri atunci când este comandată de un șaman sau de un adorator.

Prin urmare, rolul artei tradiționale africane nu este niciodată doar decorativ, ci funcțional. Fiecare articol este creat pentru a îndeplini o funcție spirituală sau civilă. Ele sunt într-adevăr, impregnate de puteri supranaturale și de o semnificație simbolică care depășește reprezentarea lor fizică.

În timp ce funcțiile variază de la o regiune la alta, majoritatea măștilor devin „activate” printr-un spectacol de dans, cântece și ululaţii . Unele dintre funcțiile lor pleacă de la o sugestie a spiritualului de a păzi și proteja ( Buletă și mască ); a aduce un omagiu unei persoane dragi ( Masca Mblo Baule ) sau venerați o zeitate; să reflecteze asupra morții și viața de apoi sau să abordeze rolurile de gen în societate ( Mască Pwo Chokwe & Masca Bundu Mende ). Unii alții documentează evenimente istorice sau simbolizează puterea regală ( Aka masca Bamileke ). Faptul este că majoritatea sunt create pentru a continua tradițiile consacrate și pentru a fi folosite alături de ritualurile zilnice și religioase.

Puterea din interior: sculptura africană

Trei figuri de putere ( Tratament ) , 1913, prin The Metropolitan Museum of Art, New York (fond); cu Power Figure (The Power Figure: Mangaaka) , 19thsecol, prin The Metropolitan Museum of Art, New York (primul plan)

Există o mare dezbatere în istoria artei cu privire la modul de a numi aceste lucrări din Africa: „artă”, „artefacte” sau „obiecte culturale”. Unii s-au referit chiar la acestea drept „fetișuri”. În epoca postcolonială contemporană, conștientizarea sporită a punctele de vedere diasporice versus terminologia colonială occidentală a creat o tulburare bine justificată de disconfort în mijlocul satului global al istoriei artei.

Cert este că aceste obiecte nu funcționează ca art în sine . În cele mai multe cazuri, ei sunt considerați puternici și sacri în originile lor. Sculptura africană este creată cu un scop foarte diferit de observația pasivă la un muzeu: interacțiunea fizică. Fie pentru protecție sau pedeapsă ( Medicamente și condiții ); pentru înregistrarea istoriei ancestrale ( tabla Lukas ), pentru a ilustra dinastia și cultura ( Bronzurile din Benin de la Palatul lui Oba ) sau spirite de casă ( Ndop ), sculptura africană a fost menită să fie în comuniune constantă cu oamenii săi.

Cuplu așezat , 18th- începutul anului 19thsecolul (stânga); cu Femeia care umblă I de Alberto Giacometti , 1932 (distributie 1966) (centru stânga); Figura altarului Ikenga de artistul igbo , începutul secolului XX (centru dreapta); și Pasăre în spațiu by Constantin Brancusi , 1923 (dreapta)

Inspirate de forma cilindrică a copacilor, majoritatea sculpturilor africane sunt sculptate dintr-o singură bucată de lemn. Aspectul lor general descrie anatomii alungite cu forme verticale și forme tubulare. Exemple vizuale ale influenței sale pot fi ușor identificate în calitățile formale ale sculpturilor artiștilor cubiști și moderniști precum Picasso, Alberto Giacometti , și Constantin Brancusi .

Arta africană și cubismul: o întâlnire instrumentală

Pablo Picasso în studioul său din Montmartre , 1908, prin The Guardian (stânga); cu Tânărul Georges Braque în studioul său , prin Art Premier (dreapta)

Drumul vestic către cubism a început în 1904 când Paul Cézanne punctele de vedere ale lui Mont Sainte-Victoire a perturbat perspectiva tradițională prin utilizarea culorii pentru a sugera forma. În 1905, artistul Maurice de Vlaminck ar fi vândut o mască africană albă din Coasta de Fildeș lui André Derain, care a plasat-o pentru a fi expusă în studioul său din Paris. Henri Matisse iar Picasso l-a vizitat pe Derain în acel an și a devenit „absolut uluit” de „măreția și primitivismul” măștii. În 1906, Matisse îi adusese Gertrude Stein A Tratament statuie din tribul Vili din Republica Democratică Congo (prezentată mai jos) pe care o cumpărase în aceeași toamnă. Picasso s-a întâmplat să fie acolo și convins de puterea și „expresia magică” a piesei, a început să caute mai mult.

Figurină Nkisi, (n.d), Republica Democrată Congo, via BBC/ Alfred Hamilton Barr Jr, Coperta catalogului expoziției „Cubism and Abstract Art”, MoMA, 1936, via Christies

„Descoperirea” artei africane a avut un efect catalizator la Picasso. În 1907 a vizitat camera de măști și sculpturi africane de la Muzeul de Etnografie Trocadero la Paris, ceea ce l-a transformat într-un colecționar pasionat și l-a inspirat pentru tot restul carierei. În același an, o expoziție postumă cu lucrările lui Cézanne s-a dovedit inspirațională pentru viitorii cubiști. În acest moment, Picasso a finalizat și pictura care mai târziu a ajuns să fie considerată „geneza artei moderne” și începutul cubismului: Doamnele din Avignon , o compoziție brută și aglomerată care înfățișează cinci prostituate din Carrer d’Avinyó din Barcelona, ​​Spania.

În noiembrie 1908, Georges Braque și-a expus lucrările la Daniel-Henry Kahnweiler galeria lui din Paris, devenind prima expoziție oficială cubistă și dând naștere termenului de cubism. Mișcarea și-a căpătat numele după ce Matisse a respins peisajul lui Braque, descriindu-l drept „cuburi mici”. În ceea ce privește sculptura, trebuie să-l amintim pe Constantin Brâncuși, care în 1907 a sculptat prima sculptură abstractă influențată dearta africana.

Masca Mendès-France Baule, Coasta de Fildeș, via Christie’s (stânga): cu Portretul doamnei Zborowska de Amadeo Modigliani , 1918, prin Muzeul Național de Artă, Arhitectură și Design, Oslo (dreapta)

De atunci, alți câțiva artiști și colecționari au fost influențate de stilul african. De la Pisici mari , Matisse a colectat măști africane și Salvador Dali reprezintă unul dintre suprarealistilor care era foarte interesat de colecția de sculpturi africane. Modernişti precum Amedeo Modigliani caracteristică forme alungite și ochi migdalați inspirați din acest stil. Influența este vizibilă și în pensulele unghiulare îndrăznețe ale expresioniștilor abstracti, cum ar fi Willem de Kooning . Și desigur, mulți artiști contemporani la fel de diverși ca Jasper Johns , Roy Lichtenstein , Jean-Michel Basquiat , și David Salle au încorporat, de asemenea, imagini africane în lucrările lor.

Coperta catalogului expoziției „Cubism and Abstract Art”, la MoMA deAlfred Hamilton Barr Jr , 1936, prin Christie’s

În 1936, primul director al MoMA, Alfred Barr a propus o diagramă a artei moderne pentru expoziție Cubismul și arta abstractă unde a subliniat că Arta Modernă era în mod necesar abstractă. Barr a susținut că locul artei figurative era acum la periferie și că centrul atenției trebuia să fie acum pe entitatea picturală abstractă. Poziția lui a devenit normativă. Cu toate acestea, diagrama de artă modernă a lui Barr s-a bazat pe luarea în considerare a Scăldatorii de Cézanne și Doamnele din Avignon de Picasso ca piese de bază până la sfârșitul anilor 19thși arta de la începutul până la mijlocul secolului al XX-lea. Prin urmare, ceea ce a propus Barr a fost că Arta Modernă era în mod necesar abstractă atunci când în realitate, fundația ei se baza pe lucrări figurative. Aceste lucrări din diagrama sa, apar legate direct de arta africană și modelele acesteia de reprezentare.

Fiecare act de creație este mai întâi un act de distrugere

-Pablo Picasso

Doi titani ai cubismului: Georges Braque și Pablo Picasso

Draguta mea de Pablo Picasso , 1911–12, via MoMA, New York (stânga); cu Portughezii de Georges Braque , 1911–12, via Kunstmuseum, Basel, Elveția (dreapta)

Istoria artei este adesea o istorie a rivalităților, dar în cazul cubismului, prietenia lui Picasso și Braque este dovada fructelor dulci ale colaborării. Picasso și Braque au lucrat îndeaproape în primii ani de dezvoltare ai cubismului, provocând ideile tradiționale prin deconstruirea imaginii în planuri fragmentate până când aceasta a fost aproape de nerecunoscut.

După ce Picasso a terminat Doamnele din Avignon mulți dintre prietenii lui au găsit-o de neînțeles. Matisse și-a disprețuit perspectiva brută, Braque a descris-o ca „bea kerosen pentru a scuipa foc”, iar criticii l-au comparat cu un „câmp de sticlă spartă.” Doar patronul și prietena lui Gertrude Stein a venit în apărarea acesteia spunând: „Fiecare capodopera are vin pe lume cu o doză de urâțenie. Un semn al luptei creatorului de a spune ceva nou.”

Braque a crezut în analiza sistematică a cubismului și a insistat să dezvolte o teorie pentru aceasta urmând învățăturile lui Cézanne. Picasso a fost împotriva acestei idei, apărând cubismul ca artă a libertății de exprimare și a libertății.

Mont Sainte-Victoire de Paul Cézanne , 1902-04, prin Philadelphia Museum of Art

Dar asta a fost doar o parte din dinamica lor. Din 1907 până în 1914, Braque și Picasso au fost nu numai prieteni de nedespărțit, ci și critici înfocați ai muncii celuilalt. După cum și-a amintit Picasso, „Aproape în fiecare seară, fie m-am dus la studioul lui Braque, fie Braque a venit la al meu. Fiecare dintre noi trebuia să vadă ce făcuse celălalt în timpul zilei. Ne-am criticat reciproc munca. O pânză nu a fost terminată decât dacă am simțit amândoi că este.” Atât de aproape erau, încât picturile lor din această perioadă sunt uneori greu de diferențiat, ca în cazul Draguta mea și Portughezii .

Ambii au rămas prieteni până când Braque s-a înrolat în armata franceză în Primul Război Mondial, forțându-i să ia căi separate pentru tot restul vieții. Cu privire la prietenia lor întreruptă, Braque a spus odată: „Picasso și cu mine ne-am spus lucruri care nu se vor mai spune niciodată… pe care nimeni nu le va putea înțelege.”

Cubismul: o realitate fragmentată

Cubismul a fost totul despre încălcarea regulilor. A apărut ca o mișcare radicală și revoluționară care a contestat ideile de verosimilitate și naturalismul care dominase arta occidentală încă din Renaștere .

cap de femeie de Georges Braque , 1909 (stânga); cu Dan Mask, Coasta de Fildeș de un artist necunoscut (centru stânga); Bust de femeie cu pălărie (Dora) de Pablo Picasso , 1939 (centru); Fang Mask, Guineea Ecuatorială de un artist necunoscut (centru dreapta); și Cititorul de Juan Gris , 1926 (dreapta)

În schimb, cubismul a fracturat legile perspectivei, a optat pentru trăsături distorsionate și expresive și utilizarea planurilor fragmentate fără o recesiune ordonată pentru a atrage atenția asupra bidimensionalității pânzei. Cubiștii au deconstruit în mod intenționat planuri de perspectivă pentru a-i permite privitorului să le reconstruiască în mintea lor și, în cele din urmă, să înțeleagă conținutul și perspectiva artistului.

La petrecere a fost și un al treilea: John Gray . El s-a împrietenit cu cel dintâi în timp ce se afla la Paris și este cunoscut în mod obișnuit ca „al treilea musquetaire” al cubismului. Picturile sale, deși mai puțin cunoscute decât cele ale celebrilor săi prieteni, dezvăluie un stil personal cubist care îmbină adesea figura umană cu peisajele și viețile moarte.

Influența esteticii africane poate fi ușor de identificat în simplificarea geometrică și formele care apar în larg muncă a mai multor artisti progresisti. Un exemplu este cap de femeie , portretul ca o mască al lui Braque, chipul femeii este fragmentat în planuri plate care evocă trăsăturile abstracte ale măștilor africane. Un alt exemplu este Bust de femeie cu pălărie de Picasso, care prin linii energetice și forme expresive denotă multiple puncte de vedere îmbinate într-o perspectivă frontală singulară.

Nivelul de abstractizare din Juan Gris este interacționat nu numai de forme, ci și de culoare. În Cititorul , chipul deja geometric al femeii este fracturat în două tonuri, creând o abstracție intensificată a chipului uman. Aici, utilizarea de către Gris a întunericului și luminii poate avea chiar un sens dualist asupra originilor africane ale mișcării și reprezentării acesteia în arta occidentală.

Prefer emoția care corectează regula

- John Gray

Viața de apoi a artei africane în cubism

Vedere expoziție a Picasso și sculptura africană , 2010, prin Tenerife Arts Space

Istoria artei se dezvăluie în fața ochilor noștri ca o maree infinită care își schimbă constant direcția, dar care privește mereu spre trecut pentru a modela viitorul.

Cubismul a reprezentat o ruptură cu tradiția picturală europeană, iar astăzi este considerat încă un adevărat manifest al artei noi pentru că, fără îndoială, este. Totuși, procesul creativ al operelor de artă cubiste trebuie să fie contemplat și dintr-o perspectivă care ia în considerare serios influența sa africană.

Pentru că până la urmă, afluxul altor culturi a fost ceea ce ne-a inspirat în mare măsură pe cei 20thgenii secolului de a dezordona și de a deconstrui canoanele estetice occidentale de echilibru și imitație pentru a propune o viziune mai complexă bazată pe juxtapunerea punctelor de vedere, un nou simț al echilibrului și perspectivă și o frumusețe brută surprinzătoare care a apărut plină de rigoare geometrică și forță materială.

Influența artei africane în operele de artă occidentale este evidentă. Totuși, această însuşire culturală a modelelor estetice africane nu trece cu vederea cea mai semnificativă contribuție și ingeniozitate, cu care artiștii cubiști precum Picasso și Braque au condus forțele inovației artistice la începutul anilor 20.thsecol.

Data viitoare când vizitați un muzeu, amintiți-vă de moștenirea bogată și influența enormă pe care arta africană le-a avut pe scena artistică globală. Și, dacă se întâmplă să rămâi cu uimire în fața unei opere de artă cubistă, amintiți-vă că, așa cum invenția cubismului a șocat lumea occidentală, arta africană și-a șocat creatorii.