Prestigiu, popularitate și progres: o istorie a Salonului de la Paris

Detalii de la Regele Carol al X-lea care distribuie premii artiștilor la sfârșitul Salonului din 1824, în Marele Salon de la Luvru de François-Joseph Heim, 1827; și Exposition au Salon du Louvre en 1787 (Expoziția de la Salonul Luvru în 1787) de Pietro Antonio Martini după Johann Heinrich Ramberg, 1787

Arta are puterea de a modela lumea, dar adesea o operă poate să nu ajungă la publicul vizat. O capodoperă trebuie văzută, citită sau auzită pentru a lăsa un impact. Astfel, atunci când se adresează vieților marilor pictori, sculptori sau arhitecți, patronii lor primesc adesea la fel de multă atenție ca artiștii înșiși.

Cu toate acestea, structura patronajului și distribuției artei rămâne adesea neclară. Expozițiile mondiale și diversele saloane sunt adesea văzute ca evenimente în care operele de artă sunt prezentate, în timp ce, de fapt, sunt mult mai mult decât simple medii de divertisment. Sunt puncte de întâlnire între public și artiști. Ei scriu istorie și dictează tendințe, își construiesc și întrerup carierele și, cel mai important, facilitează relațiile.

Una dintre cele mai faimoase dintre astfel de povești este povestea Salonului de la Paris. A adus în prim-plan câteva nume strălucitoare și a schimbat modul în care societatea contemporană vede arta și distribuția acesteia. Povestea Salonului de la Paris explică modul în care arta a devenit accesibilă tuturor.

Nașterea Salonului din Paris: O poveste despre legături

Expoziție la Salonul Louvre în 1787 Pietro Antonio Martini după Johann Heinrich Ramberg, 1787, prin The Metropolitan Museum of Art, New York

Accesibilitatea artei este strâns legată de crearea de rețele. Fără conexiunile necesare din partea artistului, o pictură sau o sculptură pur și simplu nu pot ajunge la public. Conexiunile personale pot deveni un capital social valoros care definește cariera. Când vine vorba de artă, aceste legături sunt adesea cu comisarii și patronii care determină cele mai populare tendințe artistice și aleg ce artiști să stimuleze. De exemplu, abundența motivelor religioase din pictura occidentală poate fi văzută ca rezultatul bogăției și dorinței Bisericii Catolice de a-și promova mesajul pe tot globul. În mod similar, majoritatea muzeelor ​​își datorează existența unor conducători puternici, care au adunat și au găzduit artă prețioasă pentru că aveau mijloacele pentru ao dobândi și aveau nevoie de a-și susține prestigiul.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

La început, doar câțiva privilegiați au putut aprecia operele de artă care au rămas ascunse în colecțiile și palatele puternice și influente. Cu toate acestea, o nouă lume a conexiunilor a apărut odată cu ascensiunea imperiilor europene în a doua jumătate a secolului XVII.thsecol. În acest moment, Franța își ridica deplina glorie și a devenit un far pentru această nouă eră a rețelelor.

Vedere a Salonului Luvru în anul 1753 (Vederea Salonului Luvru în anul 1753) de Gabriel de Saint-Aubin, 1753, prin The Metropolitan Museum of Art, New York

Apariția a ceea ce mai târziu s-ar numi Salonul Parisului a coincis cu creșterea alfabetizării și a clasei de mijloc. La începutul secolului al XVII-lea, un parizian non-nobil putea admira picturile și sculpturile din biserici sau putea vedea contururile elementelor arhitecturale ale orașului. Și totuși, acele mici mușcături de cultură nu le-au mai satisfăcut poftele artistice. Astfel, a luat contur o nouă întreprindere – Salonul de la Paris, susținut de prestigioși Academia Regală de Pictură și Sculptură (Academia Regală de Pictură și Sculptură).

Academia Regală de Pictură și Sculptură a fost înființată la mijlocul secolului al XVII-lea. Academia a fost o creație a pictorului regal Charles Le Brun, care Ludovic al XIV-lea a aprobat el însuși. Acest nou efort a urmărit să caute talent în afara vieții breasla sistem care împiedica anumitor meșteri să ajungă vreodată în audiență. Din 1667, monarhia franceză a susținut expoziții periodice de lucrări create de membrii Academiei. Desfășurate anual și mai târziu semestrial, aceste expoziții au ajuns să fie cunoscute sub numele de „Saloane”, poreclit după Luvru. Living pătrat , unde au fost ținute. De la începuturile sale, Salonul de la Paris a devenit cel mai important eveniment de artă din lumea occidentală. Inițial, expozițiile erau deschise exclusiv celor cu bani și putere. Mai târziu, însă, inclusivitatea Salonului a crescut.

Salonul din Paris și promovarea artei

Regele Carol al X-lea distribuie premii artiștilor la sfârșitul Salonului din 1824, în Marele Salon de la Luvru de François-Joseph Heim, 1827, Muzeul Luvru, Paris

Paradoxal, exclusivitatea inițială a expozițiilor a strâns un interes de neegalat pentru eveniment. Pe măsură ce Salonul și-a deschis porțile pentru tot mai mulți vizitatori, încetul cu încetul a devenit un eveniment renumit. În 1791, când sponsorizarea Salonului a trecut de la organisme regale la cele guvernamentale, popularitatea evenimentului a atins cote fără precedent. Aproximativ 50.000 de vizitatori ar urma să participe la Salon într-o singură duminică, iar un total de 500.000 ar vizita expoziția pe parcursul celor opt săptămâni. Patru ani mai târziu, în 1795, inscrierile la Salon au fost deschise tuturor artiștilor dornici să participe. Cu toate acestea, juriul Salonului (înființat în 1748) a favorizat încă temele de înclinație conservatoare și mai tradiționale; compozițiile religioase și mitologice au depășit aproape întotdeauna inovația.

O zi de deschidere la Palais des Champs-Élysées (Ziua deschiderii la Palatul Champs-Élysées) de Jean-André Rixens, 1890, prin Universitatea Northwestern, Evanston

Deși începuturile Salonului au cedat originalitatea și creativitatea, dezvoltarea sa ulterioară a adus ceva diferit: promovarea pe scară largă a artei. De exemplu, în 1851, au fost publicate în total 65 de piese în Salonul de la Paris. Cu toate acestea, în 1860, acest număr s-a înmulțit, ajungând la 426 de bucăți. Această creștere arată că nu doar Salonul a devenit popular, ci, poate, că Salonul a reușit să popularizeze arta. Clasa de mijloc și nobilimea deopotrivă au devenit din ce în ce mai interesate de artă, iar Salonul era un loc perfect pentru a înțelege și a simți. Salonul a început cu ideea de a expune „cele mai bune tablouri”, dar s-a transformat treptat într-un teren de afaceri unde se vindeau tablouri și se făceau cariere.

Salonul determina adesea salariile artiștilor. În anii 1860, de exemplu, un tablou ar putea valora de cinci ori mai mult dacă ar fi câștigat un premiu. Pictorul naturalist francez Jules Breton , de exemplu, și-a datorat o parte din faima influenței Salonului asupra ratelor de vânzare. Un bărbat obsedat de pictarea peisajului francez și a razelor de soare romantice pe câmpuri idilice, a câștigat o medalie de clasa a doua la Salonul din 1857 pentru Binecuvântarea grâului în Artois.

Acest triumf l-a ajutat pe Breton să-și construiască reputația și să obțină comisioane de la Administrația Franceză de Artă și a devenit o piatră de temelie către faima internațională. În 1886, opera lui Breton Comunicatorii a fost vândut pentru al doilea cel mai mare preț pentru un tablou realizat de un artist în viață la o licitație din New York. Pentru Breton, Salonul a servit cu siguranță ca o oportunitate de a face carieră. Deși aceasta a fost norma pentru mulți artiști prezentați, nu a fost cazul tuturor pictorilor.

Revolta împotriva Salonului

Pranz pe iarba (Prânz pe iarbă) de Édouard Manet, 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Gusturile tradiționale sunt de obicei dictate de oameni la putere care rareori se străduiesc să inovați și sunt interesați să păstreze status quo-ul. Astfel, vizionarii și mințile neconvenționale sunt adesea delegate pe margine în artă și politică. Cu toate acestea, în unele cazuri, în loc să înghită pastila amară a respingerii, artiștii devin revoluționari și construiesc o opoziție. În anii 1830, Salonul încolțise deja ramuri care expuneau lucrările celor care, dintr-un motiv sau altul, nu au ajuns la Salonul oficial de la Paris. Cel mai important dintre astfel de showroom-uri a fost Salon des Refusés (Salonul refuzaților) în 1863.

Unul dintre cele mai mari scandaluri de la Salonul Refuzaților, care și-a cimentat reputația infamă, este legat de Edouard Manet si a lui Pranz pe iarba . A fost respins de juriul Salonului de la Paris și a fost suspendat în schimb în Salon des Refusés . Pictura lui Manet a fost considerată improprie nu din cauza portretizării unei femei goale lângă bărbați îmbrăcați, ci din cauza privirii provocatoare a doamnei. Nu există nici rușine, nici calm în ochii ei. În schimb, ea aproape pare supărată pe public pentru că s-a uitat la ea.

Olympia de Edouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Paris

În 1863, mulți artiști s-au alăturat lui Manet pentru a-și oferi lucrările publicului prin intermediul Salon des Refusés pentru că erau nemulțumiți de selecția părtinitoare a Salonului de la Paris. Artiștii au fost susținuți de nimeni altul decât Napoleon al III-lea , care le-a permis să-și expună arta și să-i lase pe străini aleatori să-i judece în loc de Juriul Salonului. Pictorii au cucerit într-adevăr publicul larg. lui Abbott Simfonia în alb, nr.1 a atras atenția pentru prima dată la Salonul Refuzaților, înainte de a deveni un tablou apreciat la nivel internațional, la fel ca ceea ce s-a întâmplat cu Manet. Pranz pe iarba. Salonul Refuzaților a deschis, așadar, calea către recunoașterea artei de avangardă și a alimentat fascinația deja în creștere față de impresionism.

Impresioniștii aparțineau unuia dintre grupurile desfășurate mai devreme și au continuat să țină propriile expoziții în anii următori. Destul de curios, Manet, care s-a adâncit adesea în impresionism, a continuat să expună în schimb la Salonul oficial. Unul dintre cele mai faimoase picturi ale sale, controversatul nud Olimpia , a ajuns la Salonul de la Paris din 1865. În timp ce Salonul ar putea dezaproba abordarea inovatoare a impresioniștilor asupra picturii și a lor în aer liber metodă de a surprinde frumusețea plină de viață a naturii, Juriul nu a putut împiedica ascensiunea unor artiști ca Cezanne , Whistler , și Pissarro , care au fost inițial respinși cu toții. De fapt, reputația lor a crescut în parte din cauza reacțiilor vicioase ale criticilor din Salon. În 1874, impresioniștii au organizat și au susținut prima lor expoziție care a prezentat lucrările respinse de Salon.

Schimbarea lumii prin artă

Femeie în pălărie (Femeie cu pălărie) de Henri Matisse, 1905, prin SFMoMA, San Francisco

În 1881, Academia Franceză de Arte Frumoase a încetat să mai sponsorizeze Salonul de la Paris, iar Societatea Artiștilor Francezi a preluat conducerea. Salonul tradițional a câștigat în curând un concurent mai proeminent și mai bine organizat decât acele expoziții mai mici anterioare. În 1884, Târgul Independentilor ( Salonul Independentului ) a fost înființată, prezentând astfel de stele în creștere neconvenționale precum Paul Signac și Georges Seurat . Spre deosebire de alte expoziții, acest salon a fost lipsit de juriu și nu a acordat premii.

Destul de curând, natura birocratică a Salonului oficial a dus la un alt grup de artiști să-și înființeze propriile expoziții. Asa numitul Târgul de toamnă (Salonul de toamnă) a avut loc pentru prima dată în 1903. Situat pe emblematicul Champs-Elysées, acest salon subversiv a fost condus de nimeni altul decât Pierre-Auguste Renoir și Auguste Rodin . Aici, artiștii s-ar putea concentra mai mult pe munca lor decât pe recenziile criticilor mainstream. Henri Matisse, de exemplu, a ignorat toate reacțiile provocate de portretul soției sale cu o pălărie uriașă. El a refuzat să-și retragă pictura în stil fauve și să se alăture celorlalte lucrări fauviste într-o singură cameră. Cu toate acestea, în ciuda caracterului lor scandalos, aceste Saloane rebele s-au inspirat în continuare din Salonul oficial, încercând să-i imite spiritul inițial inovator.

Prânzul petrecerii cu barca de Pierre-Auguste-Renoir, 1880-81, prin colecția Phillips

Modalitățile de selecție aplicate pentru prima dată la Salonul de la Paris sunt încă prezente în expozițiile moderne: un consiliu de consilieri sau profesioniști aleg, de obicei, o lucrare care îndeplinește cerințele tematice sau inovatoare și susține standardul de calitate perceput. Ideea curației organizate a fost introdusă de elitele franceze la sfârșitul anilor 17thsecolul a fost într-adevăr inovator pentru vremea lor.

Salonul a început să promoveze arta și diverse școli de artă, deschizând o cale către câștigarea de bani și construirea carierei. Mai presus de orice, Salonul a oferit oportunități celor care erau marginalizați. O femeie ca Pauline Auzou și-ar putea construi o carieră de succes datorită acceptării ei la Salon. În 1806, ea a primit o medalie de primă clasă la Salon pentru pictura ei Pickard Elder . Salonul i-a permis Auzou să-și asigure contractele ulterioare, inclusiv unul pentru portretul lui Napoleon și a celei de-a doua soții a acestuia, Marie-Louise. Salonul de la Paris a schimbat lumea prin artă, iar odată ce a devenit învechit, alte întreprinderi și-au continuat misiunea.

Declinul Salonului de la Paris

Vedere a Marelui Salon Carré din Luvru de Giuseppe Castiglione, 1861, via Musée du Louvre, Paris

Salonul de la Paris nu numai că a adus noi artiști, dar a schimbat și abordarea artei ca mijloc de exprimare accesibil publicului. Critica de artă a înflorit în cadrul Salonului, creând un spațiu în care părerile s-au ciocnit și au avut loc discuții. Ea a reflectat schimbările societale, ajustările la noile circumstanțe, ramurile încolțite și a devenit oglinda tendințelor artistice care au fost fie binevenite, fie evitate. Accesibilitatea inițială a Salonului este cea care a făcut cariera multor pictori, inclusiv a realiștilor Gustave Courbet . Mai târziu, Courbet va sublinia că Salonul deținea un monopol asupra artei: un pictor trebuia să expună pentru a-și face un nume, dar Salonul era singurul loc unde se putea face acest lucru. Odată cu trecerea timpului, această situație s-a schimbat și astfel s-a schimbat și averea Salonului de la Paris.

La începutul secolului al XX-lea, Daniel-Henry Kahnweiler , un dealer de artă influent cu care a lucrat Picasso și Braque, le-a spus deschis artiștilor săi să nu se deranjeze să-și arate lucrările la Salon, deoarece nu le mai putea promova în vreun mod semnificativ. Salonul de la Paris a scăzut încet. Cu toate acestea, moștenirea sa continuă, deoarece este încă vizibilă în modelele de selecție a multor expoziții contemporane și încă tangibilă în multe opere de artă recunoscute care fac acum parte din această istorie complicată a conexiunilor și a promovării artei.