4 artiști din epoca victoriană care au făcut artă de dragul artei

Detalii de la Iunie în flăcări de Sir Frederic Leighton, 1895; și Visul de zi de Dante Gabriel Rossetti, 1880

Expresia artă de dragul artei poate părea simplă, dar aceste patru cuvinte au inaugurat o nouă mișcare de artă în Londra din epoca victoriană. Art for art’s sake a apărut ca o traducere în engleză a sloganului francez artă pentru artă . În anii 1860, conceptul a fost popularizat de Walter Pater , un influent critic de artă britanic. Munca sa a contribuit la așezarea fundației Mișcării Estetice, care a unit un grup divers de artiști, meșteri și poeți de avangardă din epoca victoriană sub motto-ul arta de dragul artei.

Arta de dragul artei: un fundal

Walter Pater a fost renumit pentru că a folosit proza ​​înflorită în eseurile sale de istoria artei și recenziile critice ale artei și literaturii epocii victoriane. Munca lui s-a concentrat adesea asupra dorința de frumos, dragostea pentru artă de dragul artei, și el a predicat frecvent că cea mai bună artă vine la tine, mărturisind cu sinceritate că nu oferi nimic altceva decât cea mai înaltă calitate momentelor tale pe măsură ce trec și pur și simplu de dragul acelor momente. Aceste filozofii au contrazis direct tradițiile de secole ale prestigiosului Academia Regală de Artă și normele sociale ale epocii victoriane.

Simfonia în alb, nr.III de James Abbott McNeill Whistler , 1865-67, prin Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

În Marea Britanie a secolului al XIX-lea, cultura dominantă a dictat morale stricte. Arta a fost folosită în primul rând pentru a exprima mesaje etice, politice, sociale sau religioase. Între timp, Academia Regală încă preda o ierarhie a artei care favoriza Clasic și Înalt Renașterea italiană subiecte și stiluri. Construită pe conceptul de artă de dragul artei, Mișcarea Estetică și-a propus să răstoarne toate acestea, insistând că artiștii nu ar trebui să-și justifice munca dincolo de valoarea ei intrinsecă.

În acest context cultural, creatorii din diverse discipline au adoptat arta de dragul artei drept crez, inclusiv Frăția Prerafaelită , pictorii Mișcării Estetice conduse de James Abbott McNeill Whistler , designeri de interior ai Mișcarea Arte și Meserii condus de William Morris , iar poeţii Şcolii Carnale conduse de Algernon Charles Swinburne . Toți credeau că mediul lor ales ar trebui lăsat să existe în afara oricărei funcții didactice sau utilitare. În domeniul picturii, subiectul și narațiunea nu mai erau relevante - o abordare care era revoluționară pentru vremea respectivă - iar arta de dragul artei a dat naștere unui nou gen de artă interesant, care a inclus contribuții ale acestor patru artiști noti din epoca victoriană.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

1. James Abbott McNeill Whistler: Poezia vederii

Aranjament în gri și negru nr. 1 (Portretul mamei artistului) de James Abbott McNeill Whistler , 1871,prin Musée d'Orsay, Paris

Whistler a fost un artist de origine americană care a devenit unul dintre liderii Mișcării Estetice. Deși nu a excelat niciodată în mod deosebit într-un cadru academic, Whistler a studiat la Paris alături de impresionişti iar apoi s-a stabilit la Londra, unde s-a asociat cu artiștii avangardei epocii victoriane. Din aceste influențe, Whistler a ajutat la deschiderea drumului pentru ca arta de dragul artei să prindă cu adevărat.

Walter Pater a susținut că toată arta aspiră constant spre condiţia muzicii. Whistler, de asemenea, a fost atras de ideea că muzica este cea mai exemplară formă de artă de dragul artei. Acest lucru se datorează faptului că o piesă muzicală fără versuri - și, prin urmare, nicio narațiune sau subiect definitiv - poate fi apreciată doar pentru frumusețea ei. Whistler a aspirat într-adevăr să obțină acest efect în arta vizuală, mergând până acolo încât și-a numit picturile nu după subiectele lor, ci cu termeni muzicali precum Armonie , Aranjament , Nocturnă , și Simfonie . În ceea ce privește stilul său neconvențional de denumire, a explicat Whistler , Așa cum muzica este poezia sunetului, la fel și pictura este poezia vederii, iar subiectul nu are nimic de-a face cu armonia sunetului sau a culorii.

Chiar și portretul infam al mamei lui Whistler este în primul rând un aranjament estetic de culori și forme. Este cunoscut doar colocvial ca Portretul mamei artistului, în timp ce titlul său oficial— Aranjament în gri și negru nr. 1 — sugerează că pictura nu este altceva decât o compoziție estetică de culori dezactivate.

Nocturnă: albastru și auriu — Podul vechi Battersea de James Abbott McNeill Whistler , ca. 1872-75, via Tate, Londra

În mod similar, Whistler a pictat frecvent scene din ceața râului Tamisa noaptea într-o serie pe care a numit-o Nocturne . Fiecare Nocturnă prezintă o compoziție remarcabil de plată și simplă, o paletă de culori monotonă și pensule largi și translucide. Rezultatul final este un efect vizual de vis de lumină și culoare, mai degrabă decât o pictură convențională de peisaj a unui loc familiar. Spectatorii din epoca victoriană au fost șocați de aspectul aparent neterminat al acestor picturi și de subiectul nedefinit – atât de mult încât un proces a urmat.

2. Albert Moore: Lux pe îndelete

Visatori de Albert Moore , 1882, prin Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham

Ca tânăr artist, Moore a fost fascinat de sculptură antică . A petrecut ore întregi studiind și schițând Marmura de Elgin , o colecție de sculpturi grecești antice din Partenonul la British Museum din Londra. priceperea lui academică și Stilul neoclasic i-a acordat spațiu de expoziție la Academia Regală de Artă, dar independența sa artistică acerbă la împiedicat în cele din urmă să participe pe deplin alături de academicienii mai tradiționali.

Moore este binecunoscut pentru compozițiile sale decadente de figuri feminine în diferite stări de odihnă și relaxare, de obicei pozate într-un cadru clasic imaginat și extrem de decorativ. Spre deosebire de tipul de artă promovat de Academia Regală, picturile lui Moore nu conțin narațiuni istorice sau mesaje vizibile. Figurile feminine nu există ca subiect, ci mai degrabă ca unul dintre multele elemente ale unei compoziții estetice. Identitățile lor și chiar expresiile faciale sunt intenționat vagi, dar corpurile, țesăturile, texturile și paletele de culori armonioase demonstrează talentul lui Moore de a combina o multitudine de detalii decorative pentru a obține un efect luxos, dar pe îndelete.

rodii de Albert Moore , ca. 1875, în Galeria de Artă Guildhall, Londra, prin Art UK

De fapt, majoritatea picturilor sale, cum ar fi rodii , sunt numite după lucruri frumoase, cum ar fi flori și fructe, sau momente ale zilei și anotimpuri. Aceste titluri nu descriu narațiune sau subiect și nici măcar nu evoca cele mai notabile obiecte din picturi. În schimb, ele subliniază efectul decorativ general pe care intenționează să îl obțină pictura. În timp ce fiecare parte a picturilor lui Moore reprezintă o formă recunoscută, toate obiectele și figurile sunt atât de abstracte de orice caracteristică de identificare, încât există doar pentru a completa o compoziție estetică de care se bucură pentru frumusețea ei - un prim exemplu de artă de dragul artei.

3. Dante Gabriel Rossetti: Portret senzual

Visul de zi de Dante Gabriel Rossetti , 1880, prin Victoria and Albert Museum, Londra

Atât pictor, cât și poet, Rossetti este amintit pentru portretele sale extrem de decorative ale femeilor – dintre care multe au poezie înscrisă pe rame sau incluse în compoziție. Rossetti a fost un membru fondator al frăției prerafaelite și, ca atare, a fost atras de surse de inspirație medievale care au precedat Rafael ,favoritul Academiei Regale Bătrânul Maestru pictor renascentist. Rossetti a fost, de asemenea, interesat să experimenteze cu ceea ce Walter Pater se referea poezie picturală, sau opere de artă care ating expresia completă prin desen și culoare, în loc să spună o poveste.

Rossetti nu a expus deseori lucrări în mod public în timpul vieții sale, dar reputația sa a crescut, totuși, pe măsură ce vizitatorii studioului său au răspândit cuvântul despre inovațiile sale îndrăznețe. De asemenea, era renumit pentru că ținea compania diferitelor muze feminine. Rossetti a fost atrasă în mod special de femeile care aveau trăsături puternice, unghiulare, coafuri voluminoase și o prezență seducătoare – mult în contrast cu Idealul epocii victoriane de feminitate delicată și prudentă.

Gură Sărutată de Dante Gabriel Rossetti , 1859, prin Muzeul de Arte Frumoase, Boston

Gură Sărutată a fost primul dintre portretele cu o singură figură ale lui Rossetti. Inspirat de un proverb italian cu același nume, al cărui fragment este de fapt înscris pe spatele pânzei, Gură Sărutată o înfățișează pe muza, modelul și uneori pe amanta lui Rossetti, Fanny Cornforth . În această pictură, Cornforth și împrejurimile ei se îmbină pentru a crea un efect estetic - părul ei portocaliu uimitor, îmbrăcămintea verde catifelată și accesoriile aurii se îmbină cu aranjamentul floral din fundal și cu textilul ornamentat din prim plan, ambele fiind nefiresc aplatizate. pentru a sublinia în continuare importanța compoziției în ansamblu. Nu există un loc, o poveste, o persoană sau o perioadă de timp recunoscută Gură Sărutată — este pur și simplu un obiect al frumuseții.

4. Frederic Leighton: Clasicismul epocii victoriane

Mama și copilul (cireșe) de Frederic Leighton , 1865, prin Blackburn Museum and Art Gallery

Leighton a avut succes comercial în timpul vieții sale datorită stilului său de inspirație clasică și pregătit academic. A studiat pictura și sculptura la Florența și Paris, apoi s-a stabilit la Londra, unde s-a asociat cu diverși artiști din epoca victoriană și a proiectat un resedinta opulenta pentru el. Spre deosebire de alți artiști ai Mișcării Estetice, care s-au păstrat la marginea scenei artistice londoneze, Leighton a devenit membru cu drepturi depline al Academiei Regale de Artă și chiar a servit ca președinte al acesteia. Acolo, el a putut promova conceptul de artă de dragul artei din interiorul instituției.

Iunie în flăcări de Sir Frederic Leighton , 1895, în Muzeul de Artă Ponce, prin Google Arts & Culture

Considerat cel mai mare tablou din cariera lui Leighton, ilustrul Iunie în flăcări a fost redescoperit în anii 1960 după ce a dispărut din vizorul publicului după moartea artistului. In timp ce Iunie în flăcări prezintă pregătirea academică a lui Leighton în anatomia umană, el îndoaie subtil regulile de reprezentare pentru a utiliza figura femeii și restul scenei ca instrumente decorative, mai degrabă decât iluzii convingătoare. Monumentalitatea siluetei femeii este subliniată prin alungirea picioarelor pentru a umple mobilierul și exagerând nuanța de foc și mișcarea dinamică a draperiei ei, care este aproape imposibil de distins de părul ei înfășurat.

La fel ca femeile pe îndelete ale lui Albert Moore, Iunie în flăcări Repausul o face o parte pasivă, poate chiar neînsuflețită a unei scene decorative de vis - deși, dacă ar fi încercată în viața reală, poza ei probabil nu ar fi una odihnitoare. Deși Leighton ar fi fost capabil să picteze perfect o figură umană care se retrage în spațiul tridimensional, Iunie în flăcări demonstrează modul în care interesul său pentru artă de dragul artei ar putea inspira o înțelegere a clasicismului nu ca tehnică academică sau referință istorică, ci ca o estetică maleabilă.

Moștenirea artei de dragul artei

Potrivit lui James Whistler , arta ar trebui să fie independentă de orice claptrap - ar trebui să fie singur și să facă apel la simțul artistic al ochiului sau urechii. Practicându-și credința comună în artă de dragul artei – și îndrăznind să se aventureze dincolo de limitele artei didactice tradiționale – acești patru pictori din epoca victoriană au contribuit la pregătirea scenei pentru moderniştii secolului al XX-lea pentru a împinge limitele artei și mai departe în deceniile următoare.