Cea mai șocantă și controversată artă realizată vreodată

Stuart Brisley, And For Today… Nothing, 1972, spectacol, Gallery House, Goethe Institute, Londra

De-a lungul istoriei, artiștii au căutat modalități de a zgudui tradiția și de a pune la îndoială rolul artei. Curajul lor s-a deschis captivant noi căi în artă și ne-au schimbat felurile de a vedea lumea în moduri surprinzătoare și neașteptate. Dar asumarea riscurilor are un cost și nu întotdeauna dă roade, cel puțin nu în timpul vieții artistului. Unii dintre cei mai revoluționari artiști ai tuturor timpurilor au fost rușiniți public, trimiși la închisoare sau aproape au murit în numele artei mari. Să aruncăm o privire de-a lungul istoriei artei la unele dintre cele mai șocante și controversate artă realizată vreodată.

1. Michelangelo, Judecata de Apoi, Capela Sixtină, 1541

Michelangelo, Judecata de Apoi (detaliu), 1541, via NY Post

Din momentul dezvelirii sale în 1541, încurcătura haotică a corpurilor umane goale din a lui Michelangelo Judecata de Apoi publicul uimit și îngrozit în egală măsură. Corpurile nude au mai apărut în artă Michelangelo, dar ceea ce i-a șocat cel mai mult pe vizitatori a fost afișarea extinsă a nudității pe toate planurile, de la oameni obișnuiți la sfinți și martiri. În plus, a inclus chiar și organele genitale complet expuse, determinând-o pe cardinalul Oliviero Carafa să-l acuze de obscenitate imorală. Frunzele de smochin și pânzele au fost pictate peste părțile corpului expuse, schimbând natura operei de artă originale. Ei au rămas pe această piesă de artă controversată până la restaurarea Capela Sixtină sute de ani mai târziu, în anii 1980. Dar până atunci, expunerea revoluționară a cărnii umane a lui Michelangelo a avut deja un impact profund asupra istoriei artei, de la manierist și Stil baroc decadenţă la nuditatea nefiltrată a vremurilor contemporane.

2. Edouard Manet, Olimpia, 1863

Olympia de Edouard Manet, 1863, prin Musée d'Orsay

pictor realist francez Iconicul lui Edouard Manet Olimpia , 1865 a zguduit societatea până la capăt. Mai întâi afișat la Salonul Parisului în 1865, pictura lui Manet înfățișează un model nud întins pe o canapea, în timp ce un servitor îi dăruiește flori. Manet a imitat în mod deliberat compoziția lui al lui Tizian celebru Venus din Urbino, 1534, dar a dat versiunii sale o serie de actualizări controversate. Privirea directă, de confruntare a modelului său a șocat publicul care era obișnuit să vadă femei pasive și modeste. Faptul că Manet a folosit un model adevărat, Victorine Meurent, mai degrabă decât o muză mitologică, a fost, de asemenea, destul de șocant, dar el a făcut o serie de sugestii că era o prostituată – numele Olympia era unul asociat în mod obișnuit cu lucrătorii sexuali în Parisul anilor 1860, în timp ce ea împrejurimile au ecou stilul unui budoir parizian. Pisica neagră arcuită de la baza patului Olympiei era, de asemenea, un simbol binecunoscut al promiscuității sexuale. Edouard Manet a fost ocolit de Salonul parizian, dar descoperirile sale au determinat o generație de impresioniști și moderniști să urmeze.

3. Pablo Picasso, Doamnele din Avignon, 1907

Pablo Picasso, Doamnele din Avignon, 1907, prin MoMA

Picasso ținut Doamnele din Avignon , 1907, ascuns multă vreme în garsoniera sa. Chiar și prietenii lui au fost îngroziți când au văzut-o în sfârșit. Cioburile agresive de culoare unghiulară, artificială și perspectiva spartă și distorsionată au fost suficient de șocante, dar odată ce adevărata amploare a subiectului său a fost dezvăluită, publicul a fost îngrozit. Un grup de cinci femei goale sunt pozate ca nuduri clasice, dar acestea nu sunt frumuseți idealizate. În schimb, le pictează cu fețe exagerate inspirate de măștile africane pe care le-a văzut la Paris. Muzeul Etnografic. Reducerea trupurilor lor într-o serie de forme ascuțite și amenințătoare le conferă o calitate amenințătoare, la fel ca privirile lor reci și neclintite. Avignon era o stradă binecunoscută din cartierul roșu parizian, fără a lăsa nicio îndoială că aceste femei erau prostituate. Ciocnirea împreună unghiulară cubist forme și subiecte de confruntare, Picasso a spulberat de unul singur convenția și a inaugurat un nou val de artă contemporană . Criticul de artă Jonathan Jones scrie: Les Demoiselles d’Avignon este ruptura, ruptura care desparte trecutul și viitorul.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

4. Marcel Duchamp, Fântână, 1917

Marcel Duchamp, Fântână, 1917 (replica 1964), via Tate, Londra

experimentalist dat a lui Marcel Duchamp Fântână , 1917 a făcut istorie, fiind vârful de lance a artei conceptuale. Pentru a crea lucrarea Duchamp pur și simplu a cumpărat un pisoar de la o fabrică, l-a semnat cu pseudonimul R. Mutt și l-a depus Societății Artiștilor Independenți. Societatea a fost profund jignită de lucrare, numind-o indecentă și imorală, afirmând: Fântâna poate fi un obiect foarte util în locul ei, dar locul ei nu este într-o expoziție de artă și este, fără definiție, o operă de artă. . Sfidând Duchamp avea Fântână fotografiat profesional de renumitul fotograf Alfred Stieglitz într-un cadru de galerie, în timp ce un editorial anonim scris cel mai probabil de Duchamp a fost publicat în periodicul de stânga Orbul argumentând, dacă domnul Mutt... a făcut fântâna nu are nicio importanță. EL A ALES. A luat un articol obișnuit de viață... și... a creat un nou gând pentru acel obiect. Acest argument că orice obiect ar putea deveni operă de artă a revoluționat practicile artistice și continuă să aibă repercusiuni și astăzi.

5. Carolee Schneemann, Bucurie de carne, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, documentație de performanță

Artist de performanță american a lui Carolee Schneemann Bucurie de carne , 1964, a contestat stereotipurile misogine cu nuditate frontală completă și afișări zvârcolite de carne erotică. Combinând ceea ce ea a numit o listă de ingrediente de cumpărături, inclusiv pește crud, pui și cârnați, împreună cu vopsea, plastic strălucitor și frânghie, ea a reunit un grup de femei goale care s-au rostogolit în aceste substanțe parcă s-ar fi pierdut într-un extaz orgasmic. Reacțiile au fost extreme; un membru al publicului a fost atât de înfuriat încât a încercat chiar să-l sugrume pe Schneemann, în timp ce altul a declarat, nu știu ce este, dar nu este artă. Dar arta eliberată sexual a lui Schneemann a dezvăluit publicului un nou tip de feminitate neconstrânsă, deschizând calea unui val de artiști feministe de-a lungul anilor 1970.

6. Stuart Brisley, Și pentru azi... Nimic, 1972

Stuart Brisley, Și pentru azi... Nimic, 1972, spectacol, Gallery House, Goethe Institute, Londra

Artist de performanță britanic a lui Stuart Brisley Și pentru azi... Nimic , 1972, a fost pusă în scenă în adâncurile unei clădiri degradate și ponosite din Londra. O baie murdară a fost umplută până la refuz cu apă neagră și carne putrezită, unde muștele și larvele s-au îndepărtat. Brisley a rămas întins gol în această mizerie murdară în fiecare zi, timp de două săptămâni, cu capul poziționat suficient de departe deasupra apei, astfel încât să mai poată respira. Mici grupuri de vizitatori au fost apoi invitate să intre în clădire și să-l observe în această stare vulnerabilă, pe jumătate moartă. Supunându-și corpul într-o situație aproape intolerabilă, Stuart Brisely a atras atenția telespectatorilor asupra delimitării fragile dintre viață și moarte, atitudine care ar avea un impact profund asupra artă contemporană care a urmat. Această performanță a făcut parte dintr-o expoziție de grup la Gallery House, Goethe Institution, Londra, dar mirosul de apă rece umplută cu organe în descompunere a devenit atât de dezgustător încât toți ceilalți artiști l-au forțat să plece.

7. Judy Chicago, Cina, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79, Muzeul Brooklyn, Cadou al Fundației Elizabeth A. Sackler. Foto: Donald Woodman

Instalația monumentală a lui Judy Chicago Cina , 1974-9, este un simbol emblematic al feminismului anilor 1970. Un banchet uriaș, triunghiular, este organizat cu 39 de locuri, fiecare în omagiu adus femeilor influente de-a lungul istoriei. Gândit ca o alternativă feminină la ultima cină, are 48 de picioare lungime pe fiecare parte și a durat peste cinci ani pentru a fi finalizat. De departe cel mai șocant aspect al lucrării a fost reprezentarea fățișă a organelor genitale feminine; fiecare farfurie este decorată cu sau modelată într-o variație a unei forme vulvare. Lucrarea a fost dezvăluită la Muzeul de Artă Modernă din San Francisco și a atras în număr mare, dar reacțiile au fost vitriolice, etichetând lucrarea pornografică și ofensatoare. Destinate unui turneu în Statele Unite, alte muzee s-au grăbit să anuleze. A fost nevoie de decenii pentru ca lumea artei să se încălzească cu această operă și să-i recunoască radicalitatea, dar astăzi are o casă permanentă în Centrul Sackler al Muzeului Brooklyn .

8. Marc Quinn, De sine, 1991

Marc Quinn, Self, 1991, imagine prin Marc Quinn

artist britanic a lui Marc Quinn De sine , 1991 este o replică întreagă, în mărime naturală, a capului său în propriul său sânge înghețat. Au fost necesare zece litri de sânge din sângele lui pentru a finaliza sculptura, care poate exista doar în stare permanent înghețată. Quinn a făcut prima sa versiune a acestei lucrări într-un moment de luptă personală când suferea de alcoolism; asemănând dependența lui de alcool cu ​​nevoia capului de a fi înghețat, sculptura a devenit o reflectare puternică asupra dependenței umane. El a continuat să facă mai multe în serie, reflectând asupra feței sale în schimbare, pe măsură ce procesul de îmbătrânire i-a schimbat atât aspectul exterior, cât și organele interne. Plutind într-o stare lipsită de viață, suspendată, sângele înghețat se adună la suprafața acestui cap neîntrupat, ceea ce face pentru vizionarea sumbră. Criticii l-au acuzat de puțin mai mult decât senzaționalism vampiric, în timp ce alții au văzut locul lucrării într-o lungă tradiție de autoportret, de la Rembrandt lui Cindy Sherman. Oricum, explorarea unui astfel de material inconfortabil de intim a deschis o multitudine de noi posibilități în arta contemporană.

9. Pussy Riot, Rugăciunea punk: Maica Domnului, alungă Putin, 2012

Pussy Riot, Punk Prayer: Maica Domnului, alungă Putin, 2012

Grup de protest punk rus Pussy Riot’s Rugăciunea punk: Maica Domnului, alungă-l pe Putin , 2012 a fost un spectacol de gherilă în Catedrala lui Hristos Mântuitorul din Moscova. Au urcat pe amvonul bisericii purtând haine strălucitoare și cagoule, au sărit, au dansat, au îngenuncheat și și-au făcut cruce până când agenții de securitate i-au capturat și i-au scos din clădire. Mai târziu, în aceeași zi, la această filmare a fost adăugată o coloană sonoră groaznică, cu versuri care atacă regimul opresiv al lui Putin și legăturile sale cu biserica ortodoxă rusă, înainte de a-i cere pe Maria, mama lui Dumnezeu (să-l alunge pe Putin! Postat pe rețelele de socializare, videoclipul s-a răspândit ca un incendiu, ajungând la un public internațional în câteva zile. Oficialii ruși au fost atât de înfuriați încât le-au condamnat pe doi membri marcanți ai grupului Nadezhda Tolokonnikova și Maria Alyokhina la doi ani de închisoare, acuzându-le de huliganism motivat de ură religioasă. Au apărut discuții în întreaga lume cu privire la pedeapsa aspră a lui Pussy Riot, în timp ce voci celebre au cerut fără succes eliberarea lor. În ciuda tratamentului oribil al lor în închisoare, experiența a transformat perechea în celebrități din întreaga lume care continuă să facă artă de succes și astăzi.

10. Maurizio Cattelan, Comedian, 2019

Maurizio Cattelan, Comedian, 2019, banană lipită pe un perete , vândut cu 120.000 USD. Foto: RHONA WISE, EPA-EFE

Etichetat drept băiatul rău al artei italiene, Maurizio Cattelan lui Comedian , 2019 a luat joc de pretențiile care înconjoară lumea artei de astăzi și acum este recunoscută drept opera de artă emblematică a anului. La Art Basel Miami Beach, Cattelan Gaffer a lipit o banană pe perete, prețul ei la 120.000 de dolari. După ce s-a vândut, artistul David Datuna a decojit banda gri, a scos banana și a mâncat-o, distrugând originalul. Refacetă cu ușurință, lucrarea a fost ulterior scoasă din galerie pentru a împiedica mai multe farse. Dar un artist a văzut o altă oportunitate, făcând graffiti pe spațiul gol unde fuseseră cuvintele că Epstein nu sa sinucis. Cattelan ar fi primul care susține că fiecare nouă întorsătură din povestea lui adaugă valoare conceptului său, demonstrând că în zilele noastre, aproape orice poate fi o operă de artă.