Arta suprarealismului și artiștii lor

Asasinul amenințat de René Magritte, 1927, MoMA

Suprarealism a fost o mișcare artistică și literară de avangardă care a apărut la începutul secolului al XX-lea. S-a concentrat pe exprimarea emoțională profundă prin creație artistică și asociere liberă. S-a bazat în mare măsură pe psihanaliza, care a pătruns în mintea inconștientă pentru a identifica îndemnurile sau traumele reprimate. Suprarealismul a reprezentat un punct de cotitură în modernism și în funcția artei în societate, deoarece s-a îndepărtat de estetica tradițională în favoarea auto-analizei. Mai jos sunt 10 picturi celebre ale mișcării și ale artiștilor lor.

Dada și arta suprarealismului timpuriu

Suprarealismul a fost puternic influențat de mișcarea de avangardă numită Dadaismul . La fel ca suprarealismul, dadaismul a încurajat stilurile artistice netradiționale, ironia și imaginile eronate. André Breton , fondatorul suprarealismului, a fost, de asemenea, un membru cheie al dadaist mișcarea și a creat metoda automata de asociere liberă, care ar avea o influență importantă asupra artei și literaturii suprarealiste.

Celebes (1921) de Max Ernst

Celebes de Max Ernst , 1921, Tate

Max Ernest a fost un artist, sculptor și poet german care a fost un membru cheie atât în ​​mișcarea Dada, cât și în cea a suprarealismului. Lucrarea sa este cunoscută pentru experimentarea iluziei și a iraționalului și a devenit un membru de frunte în utilizarea lui Automatism . De asemenea, a fost pionierul unei metode numită „ frecare ,’ care a constat în plasarea hârtiei pe suprafețe neuniforme apoi frecarea cu un creion peste ea pentru a crea silueta suprafeței.

Celebes înfățișează un coș de porumb sudanez care a fost transformat într-un monstru mecanic asemănător elefantului. La fel ca multe picturi suprarealiste, piesa este plasată într-un peisaj vast și dezolan. În fruntea piesei se află o figură feminină fără cap. Există numeroase elemente de iconografie dezarticulată, inclusiv pește zburător, cutii de ulei și un stâlp ca imagini din interiorul unui vis. Aceste elemente aparent aleatorii sunt produse ale automatismului suprarealist și ale asocierii libere a minții inconștiente.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Carnavalul Arlechinului (1924-25) de Joan Miró

Carnavalul Arlechinului de Joan Miró , 1924-25, Galeria de artă Albright-Knox

Joan Miro a fost un artist spaniol și un membru proeminent al avangardei secolului al XX-lea. Lucrarea sa a fost caracterizată prin utilizarea culorilor strălucitoare, forme geometrice și schimbări de perspectivă. El a folosit aceste elemente pentru a crea piese abstracte simpliste, dar evocatoare. Există două muzee dedicate operei sale, unul în Barcelona intitulat Fundația Joan Miró iar celălalt din Mallorca a sunat Fundația Pilar I Joan Miró.

Carnavalul Arlechinului se concentrează asupra unui arlechin fragmentat la o scenă de carnaval. Paleta de culori prezintă culori primare pe un fundal gri. Ea exemplifică simbolismul și asocierea liberă a suprarealismului cu elemente deconectate care se unesc pentru a forma o piesă coerentă. Fereastra de fundal are un soare și un munte geometric, abstracti. Multe dintre figurile din tablou sunt antropomorfizate și par să danseze, evidențiind natura absurdă a scenei.

Arta suprarealismului și explorarea inconștientului

Influențați de teoria psihanalitică, suprarealiştii au folosit arta pentru a pătrunde în mintea inconștientă. Aceasta a fost o metodă de autoanaliză, deblocând atitudinile subiacente, dorințele sau traumele și transpunându-le în artă cu simbolism. Folosirea psihanalizei a dus la imagini extrem de emoționale, viscerale și adesea șocante.

Marele Masturbator (1929) de Salvador Dali

Marele Masturbator de Salvador Dali , 1929, Muzeul Centrului Naţional de Artă Reina Sofia

Salvador Dali a fost un artist spaniol și un membru important al mișcării suprarealismului. Opera sa a fost cunoscută pentru peisajele sale de vis și imaginile bizare. A fost foarte influențat de psihanaliza freudiană și a folosit arta pentru a pătrunde în mintea inconștientă prin simbolism. În timp ce și-a extins cariera în alte mișcări artistice, inclusiv Cubism și a folosit medii precum sculptura, imprimarea și scrierea, era cunoscut în primul rând pentru arta sa vizuală suprarealistă.

Marele Masturbator înfățișează o figură mare, amorfă, bazată pe o formațiune de stâncă catalană. Un profil asemănător soției lui Dalí, Gala, iese din vârful figurii și este înconjurat de alte forme corporale grotești. Siluete mici stau sub formația mare de pe peisajul catalonian caracteristic al lui Dalí. La fel ca multe picturi suprarealiste, combinația sa de elemente individuale sugerează o asociere liberă, care toate împreună reprezintă fascinația și dezgustul comun al lui Dalí față de actul sexual.

Coloana spartă (1944) de Frida Kahlo

Coloana spartă de Frida Kahlo , 1944, Muzeul Dolores Olmedo

Frida Kahlo a fost un pictor mexican și un contribuitor proeminent la mișcarea suprarealismului. Ea a fost cunoscută în primul rând pentru autoportretele sale extrem de autobiografice. Aceste portrete au evidențiat adesea lupta ei de-a lungul vieții cu boala și dizabilitățile, prezentând imagini profund personale și uneori tulburătoare. Munca ei s-a inspirat, de asemenea, în mod semnificativ din cultura mexicană și a inclus adesea iconografie sau îmbrăcăminte tradițională mexicană, culori strălucitoare și flori.

Coloana spartă reprezintă constrângerile dizabilității în viața lui Kahlo. La vârsta de 6 ani, a contractat poliomielita, ceea ce a lăsat-o cu o șchiopătare permanentă. Mai târziu a fost implicată într-un accident de autobuz, în timpul căruia un stâlp de metal i-a tras în țeapă pelvisul și a lăsat-o cu handicap pentru tot restul vieții. În tablou iese o bretele pentru spate, pe care trebuia să o poarte după accidentul ei. Coloana ei este simbolizată de o coloană greacă antică care este fragmentată în corpul ei pentru a reprezenta fragilitatea ei fizică după accidentul ei. De asemenea, este pătrunsă de multe unghii, reprezentând durerea și vulnerabilitatea ei constantă.

Obiect în blană (1936) de Meret Oppenheim

Obiect în blană de Meret Oppenheim , 1936, MoMA

Meret Oppenheim a fost o artistă elvețiană-germană și o contribuție proeminentă la mișcarea suprarealismului. Munca ei s-a centrat în jurul feminismului și a subjugării femeilor în societate prin fragmentarea corpului feminin. Ea a fost strâns legată de alți artiști de avangardă, care pozau pentru Man Ray și colaborarea cu Pablo Picasso . Ea a fost cunoscută și pentru experimentarea cu materiale netradiționale în artă.

Obiect în blană este o sculptură cu o cană de ceai și o lingură acoperită cu blană de animal. A fost inspirat de o conversație între Oppenheim, Picasso și Dora Maar la o cafenea din Paris, timp în care artiștii au convenit că blana poate acoperi orice obiect, indiferent de banalitatea lui. Ea exemplifică dada și suprarealistul „ obiect găsit ’ tip sculptură, care a folosit și combinat obiecte netradiționale sau obișnuite ca sculpturi artistice. Obiect în blană a fost renumit pentru combinația sa de domesticitate și erotism, rămânând una dintre cele mai influente opere de artă din anii 20.thsecol.

Spitalul Henry Ford (1932) de Frida Kahlo

Spitalul Henry Ford de Frida Kahlo , Muzeul Dolores Olmedo

Spitalul Henry Ford îl înfățișează pe Kahlo întins pe un pat de spital după ce a suferit un avort spontan. Ea este esențială pentru pictură, hemoragii și înconjurată de imagini de fertilitate, sănătate și naștere. În spatele ei sunt imagini ale industrialismului urban. Un accident de autobuz în timpul tinereții i-a zdrobit pelvisul și coloana vertebrală, dezactivând-o pe viață și lăsând-o infertilă. Piesa, prin urmare, reprezintă sentimentele ei de durată de vulnerabilitate, neputință și durere care au fost cauzate de accidentul ei și de lupta ei cu feminitatea și infertilitatea.

Motive celebre ale suprarealismului Arta

Explorarea minții suprarealiste a produs imagini abstracte, peisaj de vis, cu subiect și simbolism paradoxal. Pentru a conecta aceste scene fără sens, suprarealiştii au folosit motive repetate ca şi cum ar fi parte dintr-un vis recurent. Aceste motive au devenit simboluri recunoscute și chiar iconice ale artei suprarealiste.

Lampa filosofului (1936) de René Magritte

Lampa Filosofului de René Magritte , colecție privată

Rene Magritte a fost un artist belgian și un membru prolific al mișcării suprarealismului. El a creat numeroase capodopere suprarealiste și a rămas un contribuitor de durată la perioada de-a lungul carierei sale. Arta sa era cunoscută pentru elementele sale de iluzionism, ironie și inteligență. De asemenea, a introdus în mișcare câteva motive iconice, cea mai cunoscută fiind pipa de tutun. A fost influențat de colegii artiști Max Ernst și Giorgio de Chirico .

Lampa Filosofului prezintă utilizarea de către Magritte a motivului țevii. Este un autoportret, înfățișând profilul lui Magritte cu o masă în fundal. Nasul lui Magritte se întinde, aproape ca o trunchiă de elefant, în țeavă, parcă ar parodia inteligența filosofului. Masa din spatele lui ține o lumânare care se extinde în sus ca un șarpe, un vierme sau un cordon al unei lămpi electrice. Piesa este plină de ironie plină de umor și elemente nerealiste, exemplificând natura satirică a suprarealismului.

Persistența memoriei (1931) de Salvador Dalí

Persistența memoriei de Salvador Dali , 1931, MoMA

Persistența memoriei este una dintre cele mai cunoscute capodopere suprarealiste, introducând motivul ceasului de topire al lui Dalí în modernismul secolului al XX-lea. Piesa este plasată de-a lungul unei linii de coastă Cataloniei, cu marea în fundal. În centrul picturii este o formă moale care seamănă cu un profil facial, înconjurată de ceasuri care se topesc și un cronometru. Atrage atenția între noțiunile de timp și realitate, făcând aluzie la metamorfoza infinită a lumii în care trăim.

Gradiva (1939) de André Masson

Materiale de André Masson , 1939, colecție privată

André Masson a fost un artist francez care a fost legat de suprarealism, deși nu s-a identificat niciodată oficial ca parte a mișcării. Opera sa a fost cunoscută pentru iconografia sa antică greco-romană și pentru reprezentarea imaginilor grotesc de violente și erotice. De asemenea, a fost un pionier al automatismului și rămâne una dintre cele mai importante influențe ale acestuia.

Materiale reprezintă un personaj din romanul lui Wilhelm Jensen din 1902 „Materiale”, care s-a centrat în jurul unui tânăr arheolog care experimentează iluziile unei statui antice. Gradiva, obiectul obsesiei arheologului, a fost ulterior adoptat de Freud și de suprarealiști ca simbol al dorinței. Pictura înfățișează o scenă din romanul din Pompei, în care Gradiva se transformă în piatră. Prezintă imagini metamorfice, violente și erotice și reprezintă un moment de completare sexuală. Cu toate că Materiale este cel mai faimos exemplu al picturii greco-romane al lui Masson, el a repetat tema pe parcursul operei sale.

Fiul omului (1964) de René Magritte

Fiul Omului de René Magritte , 1964, colecție privată

Fiul Omului este un autoportret care o înfățișează pe Magritte în fața mării purtând un costum și o pălărie melon. Fața lui este ascunsă de un măr verde, dar privitorul își poate vedea ochii ieșind peste marginea acestuia. Tema feței întunecate apare în două dintre celelalte picturi ale lui Magritte realizate în aceeași perioadă, Marele Război (1964) și Gustul invizibilului (1964). Este una dintre cele mai bine recunoscute picturi ale lui Magritte și a fost reiterat continuu în cultura pop modernă.