Artă și modă: 9 rochii celebre în picturi care au avansat stilul femeilor

simfonia madame x la musicienna în alb

Portretul doamnei X de John Singer Sargent, 1883-84 (stânga); cu Muzicianul de Tamara de Lempicka, 1929 (centru); și Simfonia în alb nr.1: Fata albă de James McNeill Whistler, 1862 (dreapta)



Pentru aceste femei, totul, de la bogăția, caracterul și pozițiile lor politice/societale, a devenit un indicator al cine se bazează pe aceste picturi. Indiferent dacă au știut sau nu, au influențat tendințele modei, au revoltat criticii și au folosit moda pentru a se prezenta lumii din jurul lor. Mai jos sunt nouă picturi cu rochii celebre care variază de la Renaștere până în timpurile moderne .

Tablouri renascentiste cu rochii celebre

The Renaştere a fost o perioadă de revigorare culturală și artistică, așa cum clasicismul a revenit revoluționar în societățile europene . Cu toate acestea, această perioadă a cunoscut și schimbări semnificative în modă; uitați-vă la modul în care rochiile celebre din picturi au influențat moda în timpul Renașterii.





Portretul Arnolfini (1434) de Jan Van Eyck

portretul arnolfini

Portretul Arnolfini de Jan Van Eyck , 1434, prin The National Gallery, Londra

Jan van Eyck lui Portret de nunta Arnolfini este un element de bază în studiul țesăturii în portrete. Tehnica lui Van Eyck nu lasă nimic imaginației, deoarece abordarea sa de a picta materialul creează o experiență realistă și tridimensională. Verdele smarald în tonuri de bijuterie al hainei ei de lână și mânecile căptușite cu hermină arată statutul familiilor, deoarece doar clienții înstăriți își puteau permite țesăturile ilustrate mai sus.



Lâna, mătasea, catifeaua și blana erau rare și mai scumpe de produs, în comparație cu bumbacul sau inul, și reprezentau un simbol al statutului cât de mult își putea permite să cumpere. De asemenea, arată bogăția soțului ei, deoarece arată că acesta și-ar putea permite să cumpere mulți metri de țesătură pentru a-i crea rochia. Una dintre cele mai dezbătute întrebări în jurul picturii este dacă femeia din imagine (probabil soția lui Arnolfini) este sau nu însărcinată. Fustele renascentiste erau atât de pline și grele încât femeile își ridicau fustele, astfel încât să fie mai ușor de mișcat.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc! trei bogății ore

Orele foarte bogate ale ducelui de Berry April de Frații Limbourg , 1412-16, în Musée Condé, Chantilly, prin The Web Gallery of Art, Washington D.C. (stânga); cu Orele foarte bogate ale ducelui de Berry Grădina Edenului langa Frații Limbourg , 1411-16, în Musée Condé, Chantilly, prin The Web Gallery of Art, Washington D.C. (dreapta)

Pliurile voluptoase adăugate ale rochiei ei dezvăluie, de asemenea, o tendință în a descrie femei cu secțiunea mediană mai curbă, deoarece arăta speranța de a concepe copii în timpul căsătoriei. Un alt exemplu în acest sens îl reprezintă frații Limbourg. Orele foarte bogate ale ducelui de Berry. În ambele imagini, femelele sunt reprezentate cu burtă mai rotundă. Imaginea din stânga înfățișează o nuntă și este comparabilă cu portretul Arnolfini, deoarece ambele femei proiectează imaginea maternității în așteptarea sarcinii. Fără a privi pictura cu un obiectiv modern, se poate vedea aceasta ca o înregistrare a ceea ce purtau femeile și a ceea ce era important ca oamenii să dezvăluie altora.



Picturi Baroc și Rococo

The baroc și rococo perioadele pot fi caracterizate prin decor elaborat, decadență și joacă. Aceste tendințe au fost văzute nu numai în artă, ci și în modă prin ornamente complicate și rochii generoase. Aruncă o privire la câteva dintre celebrele rochii inspirate de lucrări de artă.

Elizabeth Clarke Freake (doamna John Freake) și Pruncul Maria (1674)

elizabeth clarke freake

Elizabeth Clarke Freake (doamna John Freake) și Pruncul Maria de un artist necunoscut , 1674, Muzeul de Artă Worcester



Atenția acestui artist necunoscut pentru detalii și concentrarea pe îmbrăcăminte este ceea ce face din această pictură o înregistrare importantă a vieții pentru Puritanii din Noua Anglie . În această imagine, Elizabeth este îmbrăcată cu țesături și accesorii fine ale Americii anilor 1600. Gulerul ei alb de dantelă indică dantelă populară europeană găsită printre femeile aristocrate. De pe rochia ei se află o fustă interioară din catifea brodată aurie, iar mânecile ei sunt decorate cu panglici. Este împodobită cu bijuterii de la colierul de perle, inelul de aur și brățara de granat. Acest tablou oferă o privire unică asupra vieții puritane a Elisabetei și a familiei ei.

Artistul este capabil să îmbine imaginile bogăției lor într-un cadru modest. Pictura demonstrează în mod clar bogăția lui Elizabeth, deoarece alege să poarte cele mai bune haine și bijuterii. De asemenea, reflectă bogăția soțului ei, John Freake, de a-și putea permite aceste luxuri și de a comanda acest portret, precum și unul de-al său. Pictura ar semnifica, de asemenea, atitudinea lor puritană de recunoştinţă faţă de Dumnezeu, deoarece fără binecuvântarea Lui ei nu ar putea avea aceste luxuri.

Leagănul (1767) de Jean-Honore Fragonard

jean honore fragonard

Leagănul de Jean-Honore Fragonard , 1767, prin The Wallace Collection, Londra

Jean-Honore Fragonard lui Leagănul este un exemplu de stil rococo în cercurile aristocratice franceze. Pictura a fost o comandă privată în care un curtean francez ia cerut lui Fragonard să creeze acest tablou cu el însuși și cu amanta lui. În timp ce pictura a fost plasată în spatele ușilor închise, dezvăluie luxul, frivolitatea și natura clandestină a curții regale franceze.

Rochia roz pastel iese în evidență printre grădina luxuriantă și este punctul central al piesei. Fragonard pictează rochia cu pensule libere care emulează fustele mari și corsetul cu volane ale rochiei ei. Pensiunea lui liberă coincide cu subiectul acestei scene idilice de grădină, plină de imagini cochete și capricioase. Cu toate constrângerile corsetelor, a agitației și a îmbrăcămintei feminine, singurul loc care nu avea niciuna era tivul de jos al unei fuste de femei. Fragonard a folosit acest lucru în avantajul său, în timp ce a portretizat femeia legănându-se în locul perfect, astfel încât iubitul ei să-și poată privi fusta. Comisia privată ia permis lui Fragonard să experimenteze cu subiectul său și a permis spectatorilor să descopere cum ar fi fost viața pentru cei mai bogați oameni de la curte.

robe a la francaise gown

Rochie franțuzească, o rochie din Franța din secolul al XVIII-lea , 1770, prin Muzeul Metropolitan de Artă, New York

Pictura sa prezintă, de asemenea, tendințele stabilite în curtea franceză pentru modă. Rococo a depășit moda, arta și arhitectura pentru a crea ceva care este unic francez. Moda rococo a inclus cele mai luxoase țesături, inclusiv mătase de culoare pastel, catifea, dantelă și modele florale. De asemenea, a inclus o cantitate excesivă de funde, bijuterii, volane și podoabe decorative pentru a crea look-uri care să întoarcă capetele la curte. Stilul definea diferența dintre săraci și bogați, deoarece aristocrația își putea permite luxul țesăturilor fine și podoabei. Pentru femeile care poartă o astfel de podoabă rococo, pictura este simbolul curții regale franceze înainte de revoluție.

Rochii celebre în picturile secolului al XIX-lea

Secolul al XIX-lea a cunoscut o schimbare artistică de la Neoclasismul în modernismul timpuriu, dând loc stilurilor și școlilor de gândire. Acest secol a văzut și schimbări în modă; Citiți mai departe pentru a vedea cum picturile au influențat introducerea de rochii și stiluri celebre care au fost considerabil mai moderne decât înainte.

Simfonia în alb nr.1: Fata albă (1862) de James McNeill Whistler

simfonie în alb fata albă

Simfonia în alb nr.1: Fata albă de James McNeill Whistler , 1862, prin The National Gallery of Art, Washington D.C.

Arta de dragul artei a devenit conectată Simfonia în alb nr.1: Fata albă la fel de James McNeill Whistler a intenționat ca tabloul să aibă un sens spiritual. Criticii, însă, nu au văzut-o așa, deoarece femeia portretizată este Joanna Hiffernan (amanta lui la acea vreme). Mai important, vestimentația pe care Whistler a ales să-l picteze pe Hiffernan a încheiat afacerea și a făcut ca această rochie să iasă în evidență printre celelalte picturi ale sale.

Acest portret era scandalos la acea vreme din cauza portretizării de către Whistler a rochiei alb pur a femeilor. În anii 1800, ținuta unei femei includea adesea un cușcă de crinolină fusta de jos din oțel pentru a-și menține fustele pe linia de plutire. Femeile purtau și corsete printre numeroase alte lenjerie de corp pentru a putea crea fuste mai largi.

Femeia în alb este exact opusul acelui standard de îmbrăcăminte respectabilă la acea vreme. Rochia ei de ceai este o haină pe care doar soțul ei (sau iubitul) i-ar fi permis să vadă, deoarece ar putea fi îndepărtată cu ușurință. Era o rochie de zi purtată în privat și nu avea să devină mai populară până la începutul anilor 1900 pentru purtarea de zi cu zi.

Pentru Whistler, muza lui a fost menită să facă parte dintr-o scenă generală care a fost plăcută ochiului. El l-a înfățișat pe Hiffernan așa cum a văzut-o și pentru spectatorii din acel moment pictura era atât confuză, cât și puțin indecentă.

Portretul domnișoarei Lloyd (1876) și Iulie: Exemplar de portret (1878) de James Tissot

portret domnișoara lloyd specimen de portret

Portretul domnișoarei Lloyd de James Tissot , 1876, via The Tate, Londra (stânga); cu Iulie: Exemplar de portret de James Tissot , 1878, prin Muzeul de Artă din Cleveland (dreapta)

James Tissot a creat numeroase picturi care înfățișează moda feminină la sfârșitul anilor 1800. A fost înaintea modei europene și este bine cunoscut pentru că își pictează subiectele cu cele mai recente tendințe de modă. Moda feminină a început să ia o întorsătură printre domnișoarele din Paris și Londra la sfârșitul anilor 1800. Fustele largi și grele ale predecesorilor lor victoriani au fost înlocuite cu fuste mai înguste și forfote pline la spate. Ceea ce face ca această rochie să iasă în evidență este utilizarea continuă de către Tissot în picturile sale. Tissot îl folosește într-un alt tablou al său Galeria HMS Calcutta (Portsmouth) iar în toate trei îl folosește în contexte complet diferite.

Domnișoara Lloyd din stânga poartă rochia așa cum ar fi uzată în societate. Această rochie ar fi fost la modă la acea vreme, deoarece talia strânsă și silueta de clepsidră sunt accentuate de rochia ei. Liniile drepte ale rochiei ei arată, de asemenea, rigiditatea ipostazei, spre deosebire de portretul din dreapta.

În dreapta este un portret al lui Kathleen Newton (însoțitoarea lui la acea vreme) văzută într-un cadru intim în timpul lunilor de vară. În comparație cu primul portret, totul despre felul în care a portretizat rochia emană langourism și seductiv. Newton este văzută stând pe o canapea și rochia ei pare dezordonată și desfăcută. Fustele ei curg liber pe canapea, iar diferite funde și cleme sunt desfăcute.

Ambele femei au propriul lor farmec și mister distinct în jurul lor. Rochia în sine semnifică diferențele din cultura populară din timpul său. Unul este tradițional și convențional, în timp ce celălalt este vădit intim, dar scandalos pentru telespectatori în anii 1800.

Portretul doamnei X (1883) de John Singer Sargent

portret madame x john singer sargent

Portretul doamnei X de John Singer Sargent , 1883-84, prin The Metropolitan Museum of Art, New York

Oricine stă în fața Doamna X este surprinsă de statura și strălucirea portretului ei. John Singer Sargent a creat o imagine a unei femei care, deși era inacceptabilă pentru vremea lui, a devenit una dintre cele mai recunoscute și venerate picturi ale sale. Este un portret al doamnei Pierre Gautreau, o frumusețe americană amestecată în înalta societate franceză. A creat un asemenea scandal, încât însuși John Singer Sargent a fost nevoit să părăsească Parisul pentru Londra.

În timp ce rochiile asemănătoare cu ale ei ar fi fost purtate ca costume sau pentru petreceri, ele nu au fost uzate în societatea de zi cu zi. Există anumite detalii care fac această rochie atât de scandaloasă. Corsetul ei este extrem de îndreptat spre jumătatea inferioară a abdomenului. Decolteul în V ascuțit și bretelele cu mărgele abia îi acoperă umerii și expun ceea ce erau considerate părți intime ale unei femei, deci nepotrivite pentru a fi prezentate în public.

rochie de seara hoschede rebours

Rochie de seara proiectat de Hoschedé Rebours , 1885, prin Muzeul Metropolitan de Artă, New York

După ce Sargent a prezentat tabloul la Salonul de la Paris din 1884, aceasta a stârnit indignare în rândul criticilor și al spectatorilor. A stârnit controverse pentru ca o femeie căsătorită din clasa ei să fie văzută public într-un mod atât de provocator. Pentru telespectatorii de la Salon, părea că poartă mai degrabă lenjerie de corp decât o rochie adevărată. Pictura a fost dăunătoare pentru doamna. Reputația lui Gautreau ca oameni a văzut portretul ei ca pe o reflectare a unei personalități salace.

Inițial nu trebuia să fie o traducere literală a lui Mme. personajul lui Gautreau. Sargent însuși a ales rochia și postura ei, iar recuzita seamănă cu cele vechi statui romane făcând aluzie la Diana, zeița vânătorii și a lunii . Această creație le-ar dăuna ambelor reputații. În cele din urmă, Sargent și-a eliminat numele din portret, redenumindu-l Doamna X .

Rochii celebre în picturile secolului XX

Arta în secolul XX concentrat pe abstractizare și expresie, suferind schimbări semnificative cu noi stiluri și teme. Acest lucru a adus și explorarea de noi forme și sinteze de moda si arta . Iată rochii celebre văzute în picturile din timpul secolului inovator.

Portretul Adelei Bloch-Bauer I (1907) De Gustave Klimt

Adele Bloch Bauer Gustav Klimt

Adele Bloch-Bauer I de Gustav Klimt , 1907, prin New Gallery, New York

Se vede rochia aurie a Adelei Bloch-Bauer Gustav Klimt portretizarea unei femei neîngrădite de lumea din jurul ei. În comparație cu alte portrete ale doamnelor din înalta societate din timpul ei, acest portret iese în evidență printre celelalte. În loc să picteze o femeie de clasă superioară care stă în grădină sau citește pe canapele, Klimt o transformă pe Adele într-o figură de altă lume. Rochia ei este o figură învolburată, plină de triunghiuri, ochi, dreptunghiuri și iconografie. Nu există semne de corsete cu șireturi drepte sau straturi peste straturi de îmbrăcăminte. În schimb, ea este exemplificată ca dezinhibată pe măsură ce plutește în lumea ei de aur. Art Nouveau conține teme ale naturii și imagini mitice. De asemenea, se referă la moda boemă pe care Klimt a purtat-o ​​și a folosit-o în diverse alte picturi.

Emilie Floge Gustav Klimt

Emilie Flöge și Gustav Klimt în grădina vilei Oleander din Kammer, pe lacul Attersee , 1908, prin Muzeul Leopold, Viena

Klimt a pictat adesea modele create de designerul de modă Emilie Flöge . Nu este la fel de cunoscută ca contemporanii sau predecesorii ei în lumea modei, dar a făcut pași răsunători în crearea modei pentru femeile timpului ei. Uneori a fost un efort de colaborare, deoarece Klimt și-a folosit rochiile celebre în multe dintre celelalte picturi ale sale. Rochiile lui Flöge au siluete largi și mâneci largi, care nu includeau corsete sau alte lenjerie intima restrictive. Lucrările atât ale lui Klimt, cât și ale lui Flöge au avansat un mod de viață boem, cu granițe neclare între tradițional și neconvențional, așa cum se vede în portretul Adelei Bloch-Bauer.

Muzicianul (1929) De Tamara Lempicka

muzicianul tamara de lempicka

Muzicianul de Tamara de Lempicka , 1929, prin Christie’s

Tamara Lempicka a creat portrete care au explorat feminitatea și independența în anii 1920. Pictorita art deco a devenit cunoscută pentru portretele ei ale celebrităților care au explorat o formă stilizată și lustruită de Cubism care a devenit marca ei. Ira Perrot (un prieten apropiat și iubitor al lui Lempicka) este văzută ca o manifestare literală a muzicii în Muzicianul . Ceea ce face pictura să iasă în evidență este redarea ei a rochiei albastre. Tehnica lui Lempicka de a arunca umbre ascuțite cu paleta ei de culori saturate dă mișcare rochiei, astfel încât să pară că plutește în aer. Tivul scurt al rochiei și pliurile în cascadă amintesc încă de moda anilor 1920 , care a fost un punct de cotitură în moda feminină. Femeile purtau rochii celebre care își scoteau picioarele și brațele în timp ce purtau fuste plisate care făceau mai ușor să dansezi.

Lempicka s-a inspirat și a studiat lucrările Maeștrilor Artiștilor Renașterii și a folosit teme similare cu o abordare modernă. În mod tradițional, culoarea albastră poate fi văzută pe rochiile Fecioarei Maria în picturile medievale sau renascentiste. Albastrul ultramarin era rar și era folosit cu moderație pentru picturi semnificative. Aici, lui Lempicka nu se teme să folosească culoarea ca punct focal dominant în portret. Acest albastru, împreună cu utilizarea excepțional de puternică a vopselei netede, amplifică luminozitatea și grația rochiei ei fluide.

Cele două Frida (1939) De Frida Kahlo

cele două frida frida kahlo

Cele două Frida de Frida Kahlo , 1939, în Muzeul de Artă Modernă, Mexico City, prin Google Arts and Culture

Textilele colorate și țesute manual din Mexic sunt împletite cu moștenirea Frida Kahlo . Ea a îmbrățișat aceste haine ca parte a moștenirii sale și este văzută purtând-le în mai multe autoportrete și fotografii. Celebrele rochii prezentate în Frida Kahlo’s Cele două Frida simbolizează legăturile ei cu ambele părți ale moștenirii ei europene și mexicane.

Frida din stânga reflectă creșterea ei într-o familie din clasa de mijloc. Tatăl ei era originar din Germania, iar viața ei de acasă din copilărie conținea obiceiuri occidentale. Dantela albă a rochiei ei este un simbol al stilului popular în moda europeană. Această versiune occidentalizată este în contrast cu dorința dreptei Frida de a-și îmbrățișa moștenirea mexicană purtând o rochie tradițională Tehuana. Această îmbrăcăminte este ceva care a fost încurajat de soțul ei Diego Rivera , mai ales în lupta lor pentru schimbare în țara lor. A arătat mândria ei de a purta haine indigene și tradiționale din Mexic.

Îmbrăcămintea lui Kahlo este un aspect important al vieții și muncii ei. După ce a contractat poliomielita în copilărie, unul dintre picioarele ei era mai scurt decât celălalt. Fustele ei colorate au devenit o modalitate prin care ea își ascunde piciorul într-un mod care o protejează de control. Garderoba ei includea rochii Tehuana, bluze huipil, rebozos, cascuri cu flori și bijuterii antice. Aceste articole de îmbrăcăminte sunt importante de reținut atunci când priviți lucrările lui Kahlo, deoarece sunt o ilustrare a dragostei, durerii și suferinței ei pe care le încorporează în munca sa.