4 colaborări emblematice în artă și modă care au modelat secolul al XX-lea

Trei rochii de cocktail, tribut lui Piet Mondrian de Eric Koch , 1965, prin Vogue France

Legăturile dintre artă și modă definesc momente specifice ale istoriei. Ambele medii reflectă schimbările sociale, economice și politice din anii douăzeci și până la strălucirea anilor optzeci. Iată patru exemple de artiști și designeri de modă care au contribuit la modelarea societății prin munca lor.

1. Halston și Warhol: A Fashion Fellowship

Patru portrete ale lui Halston , Andy Warhol, 1975, Colecție privată

Prietenia dintre Roy Halston și Andy Warhol este unul care a definit lumea artistică. Atât Halston, cât și Warhol au fost lideri care au deschis calea pentru a face artistul/designerul o celebritate. Ei au dezbrăcat de stigma pretențioasă a lumii artei și au adus moda și stilul maselor. Warhol a folosit serigrafia pentru a produce imagini de mai multe ori. Deși cu siguranță nu a inventat procesul, el a revoluționat ideea producției de masă. Halston a folosit țesături și modele simple și elegante, dar pline de farmec prin utilizarea paietelor, ultrasuede și mătase. A fost unul dintre primii care au făcut moda americană accesibilă și dezirabilă. Ambele au pus o amprentă definitivă asupra artei și stilului de-a lungul anilor 1960, 70 și 80, care persistă și astăzi.

Colaborare și succes comercial

Flori de Andy Warhol , 1970, prin Muzeul de Artă al Universității Princeton (stânga); cu Liza de Andy Warhol , 1978, prin Christie’s (centru); și Flori de Andy Warhol , 1970, prin Tacoma Art Museum (dreapta)

Atât Halston, cât și Warhol au colaborat împreună la multe proiecte diferite. Warhol a creat campanii publicitare care prezentau hainele lui Halston și chiar Halston însuși. Într-o colaborare mai directă, Halston a folosit imprimeul floral al lui Warhol pe unele dintre articolele sale de îmbrăcăminte, de la o rochie de seară la un set de îmbrăcăminte.

Halston ar folosi modele simple în hainele sale, ceea ce le-a făcut să aibă un mare succes. Erau simpliști și ușor de purtat, dar totuși se simțeau luxoase prin utilizarea de țesături, culori sau imprimeuri. Warhol și-a simplificat, de asemenea, materialele și procesul, ceea ce a făcut mai ușoară reproducerea lucrărilor sale și le-a făcut mai vândute.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Rochie de seara de Halston , 1972, prin Muzeul de Artă din Indianapolis (stânga); cu Rochie și pelerina asortată de Halston , 1966, prin FIT Museum, New York City (centru); și Lounge Ensemble de Halston , 1974, prin Universitatea din North Texas, Denton (dreapta)

Succesul comercial a avut provocările sale pentru ambii designeri. Halston a fost primul care a colaborat cu un lanț de vânzare cu amănuntul, JCPenney, în 1982, care a fost menit să ofere clienților o opțiune la preț mai mic pentru modelele sale. Acest lucru nu a avut succes pentru marca lui, deoarece părea să-l ieftinească, dar a deschis calea viitorilor designeri să facă același lucru. Warhol a fost întâmpinat și cu critici, producția sa fiind văzută ca superficială și superficială. Cu toate acestea, ambele au modernizat utilizarea retailului și a marketingului în spațiile lor respective pentru a crea mărci pe care să le vândă pe piața de masă.

Glitz și Glamour

Pantofi de praf de diamant de Andy Warhol , 1980, prin Monsoon Art Collection, Londra (stânga); cu Rochie de damă, paiete de Halston , 1972, prin LACMA (dreapta)

Atât Warhol, cât și Halston au fost vizitatori frecventi ai Studio 54. Au petrecut, proiectat și produs lucrări pentru celebrități precum Liza Minnelli, Bianca Jagger și Elizabeth Taylor. Aceste ieșiri se reflectă în lucrările lor, deoarece au inspirat și definit era discotecă a anilor 1970.

Halston este cunoscut pentru crearea hainelor de seară în paiete întregi. El punea pe țesătură paiete orizontal. Acest lucru creează un efect strălucitor al materialului, pe care l-ar folosi pentru a crea modele ombre sau patchwork. Designurile sale erau siluete simple care creau ușurință și mișcare pentru dans. Folosirea lui de paiete a fost foarte populară printre vedete, inclusiv Liza Minnelli, care își purta modelele pentru spectacole și ieșiri. Studio 54 .

Seria Diamond Dust Shoes de la Warhol exemplifica, de asemenea, viața de noapte din Studio 54 și influența celebrităților. Praful de diamant este ceea ce a folosit pe deasupra serigrafiilor sau picturilor, creând un element suplimentar de profunzime piesei. Amprentele de pantofi ale lui Warhol au fost inițial ideea unei campanii publicitare pentru Halston. A folosit chiar și unele dintre modelele de pantofi ale lui Halston drept inspirație.

Designerul devenind o celebritate a început cu Warhol și Halston. Nu era vorba doar de tipurile de artă și de îmbrăcăminte pe care le-au creat, ci și de viața lor socială. În zilele noastre există designeri de modă și artiști care sunt personalități celebre și contribuie la succesul mărcilor lor.

2. Sonia Delaunay: Unde arta devine moda

Sonia Delaunay cu doi prieteni în studioul lui Robert Delaunay, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Paris

Sonia Delaunay nu numai că a revoluţionat o nouă formă de Cubism dar a imaginat și legăturile dintre artă și modă. Atât Delaunay, cât și soțul ei au fost pionieri orfism și a experimentat diferite forme de abstractizare în artă. Ea a fost prima de acest gen care și-a folosit propriul stil artistic și a trecut în lumea modei folosind modelele, imprimeurile sau modelele sale originale din textile. Ea este mai mult amintită pentru arta și legătura ei cu soțul ei decât pentru moda ei. Îmbrăcămintea ei s-a aflat în fruntea schimbărilor în îmbrăcămintea femeilor în anii 1920. Catalogul ei de articole de îmbrăcăminte este amintit mai degrabă în fotografii și referințe la arta ei decât în ​​hainele fizice în sine. Pentru Delaunay, nu există nicio linie trasată între artă și modă. Pentru ea, ei sunt unul și același.

Moda simultană și rebelă

Rochii simultane (trei femei, forme, culori) de Sonia Delaunay , 1925, via Muzeul Național Thyssen-Bornemisza, Madrid (stânga); cu Rochie simultană de Sonia Delaunay , 1913, prin Muzeul Național Thyssen-Bornemisza, Madrid (dreapta)

Delaunay și-a început afacerea de modă în anii 1920, creând haine pentru clienți și proiectând țesături pentru producători. Și-a numit eticheta Simultane și a avansat în continuare utilizarea culorii și modelului pe o varietate de medii diferite. Simultanism a jucat un rol important în procesul ei de proiectare. Folosirea ei a tehnicii este foarte asemănătoare cu o pilota mozaică sau cu textilele din Europa de Est. Culorile se suprapun unele pe altele, iar modelele sunt folosite pentru a crea armonie și ritm. Temele comune ale ei includ pătrate/dreptunghiuri, triunghiuri și linii diagonale sau sfere – toate acestea se suprapun între ele în diferitele sale modele.

Planșa 14 de la Sonia Delaunay: Picturile ei, obiectele ei, materialul ei simultan, moda ei de Sonia Delaunay , 1925, prin National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay a fost o tânără în timpul Epoca Edwardiană unde corsetele și conformismul erau norma. Acest lucru s-a schimbat în anii 1920, când femeile purtau fuste deasupra genunchiului și îmbrăcăminte largi, potrivite. Acest aspect este ceva ce se vede în design-urile lui Delaunay, iar ea era pasionată de a crea articole de îmbrăcăminte care să se potrivească nevoilor femeilor. Ea a conceput costume de baie care le-au permis femeilor să participe mai bine la sporturi care anterior inhibau modul în care le jucau. Și-a așezat textilele pe paltoane, pantofi, pălării și chiar pe mașini, făcând din fiecare suprafață pânza ei. Designurile ei au creat libertatea de mișcare și de exprimare prin culoare și formă.

Tranziția lui Delaunay la film și teatru

Le P'tit Parigot de René Le Somptier , 1926, prin IMDB (stânga); cu Costum pentru „Cleopatra” în producția Baleților Ruși a „Cleopatra” de Sonia Delaunay, 1918, prin LACMA (dreapta)

Delaunay a trecut la film și teatru în timpul carierei sale. Ea a proiectat costumele pentru filmul din 1926 Le P'tit Parigot (‘The Small Parisian One) de Rene Le Somptier. Atât Delaunay, cât și soțul ei au contribuit la film, soțul ei contribuind la decorurile folosite în filme. În stânga, dansatorul român Lizicai Codreanu este pozată într-unul dintre costumele concepute de Delaunay. Folosirea ei a sferelor, zigzagurilor și pătratelor este un alt exemplu de simultanism. Zigzagurile fundalului se amestecă cu jambierele costumelor. Discul care înconjura chipul dansatorului a fost o temă recurentă în modurile lui Delaunay.

Ea a creat și modele pentru 'Cleopatra' , de Baleții Ruși. Similar cu colaborările ei în film, ea a creat costumele, iar soțul ei a lucrat la decor. Ambii au colaborat unul cu celălalt pentru a crea o experiență armonioasă pentru privitor. Costumul Cleopatrei are dungi și semicercuri multicolore, îmbinând stilul ei abstract din anii 1920 cu baletul tradițional.

3. Colaborările lui Elsa Schiaparelli și Salvador Dalí

Pantof Schiaparelli în formă de pălărie de Elsa Schiaparelli și Salvador Dalí , 1937-38, prin Vogue Australia

În fruntea artă suprarealistă se potrivește cu liderul în mod suprarealist. Salvador Dali și designer de modă Elsa Schiaparelli au colaborat și s-au inspirat unul pe altul de-a lungul carierei lor respective. Au creat imagini emblematice, cum ar fi Rochie homar , Pălăria de pantofi (soția lui Dalí, Gala văzută mai sus) și Rochia de lacrimă , care a șocat și a inspirat publicul atât în ​​artă, cât și în modă. Dalí și Schiaparelli au deschis calea pentru viitoare colaborări între designeri de modă și artiști, în timp ce au făcut puntea dintre ceea ce este considerat artă purtabilă și modă.

Homarul și Dalí

Rochie de cină pentru femei de Elsa Schiaparelli și Salvador Dali , 1937, prin Philadelphia Museum of Art (stânga); Salvador Dali de George Platt Lynes , 1939, prin The Metropolitan Museum of Art, New York City (dreapta)

În timp ce un homar este aparent inofensiv, este de fapt cufundat în controverse. Dalí a folosit homarii ca o temă recurentă în opera sa și era interesat de anatomia homarului. Cochilia sa acționează ca un schelet la exterior și are un interior moale în interior, inversul oamenilor. Homarul din opera lui Dalí are, de asemenea, tonuri sexuale, care decurg din dinamica femeie-masculin.

Rochia Lobster este o colaborare între cei doi artiști, Dalí schițând homarul pentru a fi folosit pe rochie. A stârnit multe controverse când a debutat pentru prima dată Vogă . În primul rând, are un corset transparent și o fustă din organza albă. Această puritate, care arată imaginea abia vizibilă a corpului modelului, era ceva complet nou în modă văzută la scară de masă. Utilizarea țesăturii albe contrastează și cu roșul homarului. Albul poate fi considerat virginal sau semnificând puritatea în comparație cu roșul, ceea ce poate însemna sexualitate, putere sau pericol. Homarul este plasat convenabil pe fustă pentru a acoperi zona pelviană a femeii. Această poziție este similară cu fotografia lui Dalí de mai sus, care semnifică și mai mult sexualitatea femeilor față de reacția bărbaților la aceasta.

Modelul în care a purtat haina Vogă a fost Wallis Simpson, soția lui Edward al VIII-lea, care a abdicat de la tronul Angliei pentru a se căsători cu ea. Acesta este încă un exemplu de a lua o figură sau o imagine controversată în cultură și de a o transforma în ceva de venerat.

Stil de răcire a oaselor

Femeie cu cap de trandafiri de Salvador Dalí , 1935, via Kunsthaus Zurich (stânga); cu Rochia schelet de Elsa Schiaparelli , 1938, prin Victoria and Albert Museum, Londra (dreapta)

Scheletele sunt o altă temă văzută în arta suprarealistă și au fost folosite în mai multe colaborări între Dali și Schiaparelli. Rochia schelet a fost primul de acest gen datorită subiectului său, dar și datorită tehnicii sale. Schiaparelli a folosit o tehnică numită matlasat unde două straturi de material sunt cusute împreună creând un contur. Vata este introdusă în contur, creând un efect în relief. Această tehnică creează o suprafață texturată pe materialul plat, dând iluzia că oasele umane ies prin rochie. A stârnit scandal pentru că rochia era dintr-un material lipicios care s-a lipit de piele. Imaginația picturilor și desenelor lui Dali a fost realizată în lumea fizică tridimensională prin hainele lui Schiaparelli. Dali, așa cum am menționat mai devreme, era interesat de anatomie, iar acest lucru se traduce și în munca sa.

4. Yves Saint Laurent: Unde arta și inspirația se ciocnesc

Rochie inspirată de Picasso de Yves Saint Laurent de Pierre Guillaud , 1988, prin Times LIVE (stânga); cu Păsările de Georges Braque, 1953, în Muzeul Luvru, Paris (dreapta)

Unde este limita dintre imitație și apreciere? Criticii, telespectatorii, artiștii și designerii deopotrivă s-au străduit să stabilească unde este trasată acea linie. Totuși, când discutăm Yves Saint Laurent , intențiile sale au fost nimic mai puțin decât lingușirea și admirația artiștilor și picturilor pe care le-a folosit ca inspirație. Privind portofoliul său extins, Saint Laurent a fost inspirat de culturi și artă din întreaga lume și a încorporat acest lucru în hainele sale.

Deși Yves Saint Laurent nu i-a întâlnit niciodată pe artiștii care l-au inspirat, acest lucru nu l-a împiedicat să creeze lucrări ca un tribut adus acestora. Laurent s-a inspirat de la artiști precum Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,și Picasso . Era un colecționar de artă și avea picturi cu Picasso și Matisse în propria sa casă. Luarea ca inspirație a imaginilor unui alt artist poate fi uneori văzută drept una controversată. Saint Laurent, totuși, ar folosi teme similare cu acești artiști și le-ar încorpora în articole de îmbrăcăminte purtătoare. A luat un motiv bidimensional și l-a transformat într-o haină tridimensională care aduce un omagiu unora dintre artiștii săi preferați.

Pop Art și revoluția anilor 60

Rochie de cocktail purtata de Muriel, omagiu lui Piet Mondrian, colectia haute couture toamna-iarna 1965 de Yves Saint Laurent, fotografiat de Louis Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Paris (stânga); cu Rochie de seară purtată de Elsa, Omagiu lui Tom Wesselmann, colecția haute couture toamnă-iarnă 1966 de Yves Saint Laurent, fotografiat de Gerard Pataa, 1966 , prin Muzeul Yves Saint Laurent, Paris (dreapta)

Anii 1960 au fost o perioadă de revoluție și comercialism și au fost o nouă eră pentru modă și artă. Design-urile lui Saint Laurent au câștigat succes comercial când a început să se inspire din Arta pop și abstracție. A creat 26 de rochii în 1965, inspirat de picturile abstracte ale lui Piet Mondrian. Rochiile au întruchipat utilizarea de către Mondrian a formelor simpliste și a culorilor primare îndrăznețe. Saint Laurent a folosit o tehnică în care nu sunt vizibile cusături între straturile de țesătură, făcând să pară ca și cum haina ar fi o bucată întreagă. Saint Laurent a preluat arta lui Mondrian din anii 1920 și a făcut-o purtabilă și asimilabilă anilor 1960.

Rochiile în stil mod sunt exemple clasice ale stilului anilor 1960, în care caracterul practic a devenit o problemă mai mare pentru femei. Erau asemănătoare cu hainele din anii 1920, care erau mai puțin constrânse și aveau mâneci și tiv care arătau mai multă piele. Siluetele boxy ale lui Saint Laurent au permis femeilor ușurință și mișcare. Acest lucru a dus, de asemenea, la inspirația lui de la artiști de artă pop precum Tom Wesselmann și Andy Warhol. El a creat o linie de modele inspirate de arta pop care prezentau siluete și decupaje pe hainele sale. Era vorba despre ruperea constrângerilor în ceea ce privește abstracția în artă și comercializarea designului. Laurent a combinat aceste două idei pentru a crea articole de îmbrăcăminte pentru femei care erau libere și atrăgătoare pentru femeia modernă.

Arta în moda Haute Couture

Ansambluri de seară, omagiu lui Vincent van Gogh, purtate de Naomi Campbell și Bess Stonehouse, colecția haute couture primăvară-vară 1988 de Yves Saint Laurent, fotografiat de Guy Marineau , 1988, via Yves Saint Laurent Museum, Taken

The Vincent van Gogh Jachetele de la Saint Laurent sunt un exemplu al modului în care Saint Laurent a combinat inspirația de la alți artiști și propriile sale talente de design. Ca și celelalte articole vestimentare ale sale, temele legate de artiști nu au fost copiate și lipite pe hainele lui Saint Laurent. Ceea ce a ales să facă în schimb a fost să le ia drept inspirație și să creeze piese care să reflecte propriul său stil. Jacheta este reprezentativă pentru stilul anilor 80, cu umerii săi puternici și un aspect boxy foarte structurat. Este un colaj de floarea soarelui brodat în stilul pictural al lui Van Gogh.

Jacheta floarea soarelui-detaliu de Yves Saint Laurent , 1988, prin Christie’s (stânga); cu Floarea-soarelui-detaliu de Vincent Van Gogh , 1889, prin Muzeul Van Gogh, Amsterdam

Yves Saint Laurent a colaborat cu casa de Casa Lesage , lider în broderia haute couture. Jacheta de floarea soarelui este brodata cu margele tubulare care captusesc marginile jachetei si petale si tulpini de floarea soarelui. Florile sunt umplute cu diferite nuanțe de paiete portocalii și galbene. Acest lucru creează o piesă de textură multidimensională similară cu tehnica lui Van Gogh de a stratifica vopsea groasă pe pânză. Se estimează că este una dintre cele mai scumpe piese de haute couture care vor fi realizate, vândută cu 382.000 de euro de la Christie’s. Saint Laurent a creat o punte despre cum se poate purta moda ca o piesă de artă în sine.