7 artiste suprarealiste incredibile care nu sunt Frida Kahlo

And Then We Saw the Daughter of the Minotaur de Leonora Carrington, 1953 (stânga); cu X Ray of My Skull de Meret Oppenheim, 1964 (centru); și Scilla de Ithell Colquhoun, 1938 (dreapta)

Mai mult decât o mișcare de artă, Suprarealism a fost o atitudine, o căutare a libertății care a cuprins toate aspectele vieții; la fel ca colegii lor de sex masculin, artiștile suprarealiste au fost și activiste politice, susținători ai drepturilor femeilor și luptători revoluționari. Ei au trăit vieți extraordinare ca indivizi liberi, inventându-și propria frumusețe și demnitate, exprimându-și energia nemediată, sexualitatea și umorul. După cum spunea Meret Oppenheim, artiștile suprarealiste au trăit și au creat ghidate de dorința conștientă de a fi libere.

Artiste suprarealiste feminine și emanciparea femeilor

Portretul Leonor Fini și Leonora Carrington deghizate de Denise Colomb , 1952, via AWARE, Paris

Când pe 21 august 1933, optsprezece ani unuViolette Nozière a mărturisit otrăvirea tatălui ei, presa franceză a explodat indignatăinvinge-o.

Potrivit opiniei publice, Violette nu era o fată serioasă, arătând tendințe tipice femeilor proaspăt emancipate: muncitor de locuri de muncă, câștigă bani și trăiește o viață disolută incompatibilă cu semenii lor din clasa muncitoare. Nu a contat dacă acuzațiile de abuz sexual împotriva tatălui ei erau adevăratee odată ce presa hotărâse să facă din ea un exemplu.

O voce singura a disidentei, suprarealistii si-au aratat sprijinul printr-o opera colectiva care a ales-o pe Violette drept Ingerul lor Negru, muza care le-ar inspira lupta continua impotriva mentalitatii burgheze si a miturilor sale despre lege si ordine, logica si ratiune. Sistemul care a dus la inechitatea socială a erei postindustriale și la oroarea Primului Război Mondial a fost, potrivit suprarealiștilor, iremediabil defectuos. Nu doar o revoluție politică, ci și una culturală a fost nevoie pentru a o învinge.

Patru femei adormite de Roland Penrose , 1937, prin Google Books

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Astfel, emanciparea femeilor a fost fundamentală pentru dezmembrarea capitalismului și patriarhatului, începând cu contestarea percepției burgheze despre femeile ca fiind în mod inerent bune, altruiste, supuse, ignorante, pioase și ascultătoare.

Poezie. Libertate. Dragoste. Revoluţie. Suprarealismul nu a fost o evadare bizară, ci o conștientizare extinsă. Lipsa granițelor și a cenzurii au oferit un loc sigur pentru a discuta și a procesa trauma colectivă a Primului Război Mondial, oferind în același timp o ieșire pentru nevoile creative ale femeilor.

Deși au fost bineveniți și au participat activ la mișcare, înțelegerea suprarealistilor despre femei era încă foarte înrădăcinată în stereotipuri în idealizări. Femeile fie erau văzute ca muze, ca obiecte de inspirație, fie admirate ca figuri infantilizate, înzestrate cu o imaginație vie datorită naivității și predispoziției lor de isterie.

Fotomontaj pentru frontispiciu pentru confesiuni Confuze de Claude Cahun și Marcel Moore , 1929-30, prin National Gallery of Australia, Parkes

Prin munca artistelor suprarealiste, identitatea femeilor a avut cu adevărat șansa de a înflori și de a deveni tridimensională, deoarece și-au însușit mitul muzei pentru a-și exprima întregul potențial de creatori activi.

Pentru cea mai lungă perioadă de timp, artistele de sex feminin au fost amintite în cea mai mare parte din punct de vedere al relațiilor lor, adesea sentimentale, cu artiștii bărbați. Abia în ultima vreme munca lor a fost analizată independent și i s-a acordat atenția pe care o merită. Iată șapte dintre cele mai cunoscute și studiate femei suprarealiste, în speranța că multe altele vor fi în cele din urmă redescoperit și în cele din urmă scris în evidențele oficiale ale artei.

Artiste suprarealiste de prima generație

Valentine Hugo

Portretul lui Valentine Hugo , prin AWARE, Paris (stânga); cu Cadavru rafinat de Valentine Hugo, André Breton, Tristan Tzara și Greta Knutson , 1933, prin MoMA, New York (dreapta)

Născut în 1887, Valentine Hugo a fost un pictor cu pregătire academică care a urmat École des Beaux-Arts din Paris. Crescând într-o gospodărie iluminată și progresistă, ea a călcat pe urmele tatălui ei devenind ilustratoare și schițătoare. Cunoscută pentru munca ei cu baletul rusesc, ea a construit o legătură profesională de durată cu Jean Cocteau . Prin Cocteau, Hugo l-a cunoscut pe viitorul ei soț, Jean Hugo, strănepotul lui Victor Hugo, și André Breton , fondatorul Mișcare suprarealistă , în 1917.

Suprarealistii de Valentine Hugo, fotografiat de Man Ray , 1935, via Centre Pompidou, Paris (stânga); cu Cadavru rafinat de Valentine Hugo, André Breton, Nusch Eluard și Paul Eluard , 1930, via Tate, Londra (dreapta)

Prin această prietenie, ea a devenit din ce în ce mai legată de noul grup de artiști, care acum includea Max Ernest , Paul Éluard, Pablo Picasso , și Salvador Dali . În acest timp, s-a alăturat Biroului de Cercetări Suprarealiste și și-a expus lucrările la Saloanele Suprarealiste în 1933 și la expoziția Fantastic art, Dada, Surrealism la MoMA în 1936.

Afectată de sinuciderea colegului suprarealist René Crevel și de plecarea lui Tristan Tzara și Eluard, ea a abandonat definitiv grupul suprarealist. În 1943, cuvântul ei a fost inclus în cel al lui Peggy Guggenheim Expoziţia a 31 de femei . Prima ei expoziție retrospectivă a avut loc la Troyes, Franța, în 1977, la zece ani după moartea ei.

Meret Oppenheim

Portretul lui Meret Oppenheim (stânga); cu Obiect de Meret Oppenheim , 1926, via MoMA, New York (dreapta)

Fiica unui tată evreu german și a unei mame elvețiene, Meret Oppenheim S-a născut la Berlin în 1913, dar s-a mutat în Elveția la izbucnirea Primului Război Mondial.

Crescute într-o gospodărie înfloritoare cultural, atât mama, cât și bunica ei fuseseră sufragete. Bunica ei a fost una dintre primele femei care a studiat pictura și Academia din Düsseldorf. La casa ei din Carona, Meret avea să cunoască mulți intelectuali și artiști, precum dadaist artiștilor Hugo Ball și Emmy Hennings, precum și scriitorul Herman Hesse care s-a căsătorit pentru scurt timp cu mătușa ei.

Tatăl ei, un medic, era un prieten apropiat al lui Carl Jung și a asistat adesea la prelegerile sale: el a introdus-o pe Meret în psihologia analitică și a încurajat-o să țină un jurnal de vis de la o vârstă fragedă.

Mănuși de Meret Oppenheim , 1985, prin Muzeul Național al Femeilor în Arte, Washington D.C.

Din cauza acestor cunoștințe, Meret Oppenheim a fost, fără îndoială, singurul suprarealist cu autoritate psihanaliză . În mod curios, ea a fost, de asemenea, unul dintre puținii suprarealiști care l-au favorizat pe Jung față de Freud.

În 1932, s-a mutat la Paris pentru a-și continua cariera artistică, intrând în contact cu suprarealismul prin sculptorul elvețian. Alberto Giacometti . Ea s-a împrietenit curând cu restul grupului, care la acea vreme includea Man Ray , Jean Arp , Marcel Duchamp , Dalí, Ernst și Rene Magritte .

Asezat la o cafenea pariziana cu Picasso si Dora Maar în 1936, Picasso a remarcat brățara specială căptușită cu blană, concepută pentru a Elsei Schiaparelli casa, la încheietura mâinii lui Oppenheim. Într-o versiune explicită a evenimentelor, Picasso a comentat câte dintre lucrurile pe care le-a plăcut ar putea fi îmbunătățite cu puțină blană, la care Oppenheim a răspuns Chiar și această ceașcă și farfurie?

Cuplul de Meret Oppenheim , 1956, prin AnOther Magazine, Londra (stânga); cu Doamna de serviciu de Meret Oppenheim , 1936, via Moderna Museet, Stockholm (dreapta)

Rezultatul acestei glume jucăușe a fost cel mai faimos obiect suprarealist al lui Oppenheim, Pranz in blana de asemenea cunoscut ca si Cupă căptușită cu blană sau pur și simplu Obiect . Inclusă în Prima expoziție de obiecte suprarealiste a lui Breton, piesa a fost cumpărată de Alfred Barr pentru noul înființat MoMA: considerat obiectul suprarealist prin excelență, Cupă căptușită cu blană a devenit prima lucrare a unei artiste din colecția permanentă a muzeului.

În timp ce munca ei a fost primită cu entuziasm de colegii ei de sex masculin, ea încă s-a străduit să se impună ca artistă prin propriul merit și să scape de rolul de muză și obiect de inspirație.

Natura ei independentă, dezinhibarea și atitudinea ei rebelă au făcut din ea, pentru ochii colegilor de sex masculin, întruchiparea fetișizată a f. mama-copil .

Raza X a craniului meu de Meret Oppenheim , 1964, prin SF MoMA

Această atitudine disprețuitoare este evidentă în comentariul lui Ernst despre expoziția de Obiect : cine acoperă o lingură de ciorbă cu blană de lux? Micul Méret. Cine ne-a depășit? Micul Méret. Aceste lupte de identitate, consecințele antisemitismului asupra practicii tatălui ei și diaspora suprarealistă din timpul celui de-al Doilea Război Mondial, au determinat-o să se mute înapoi în Elveția. Aici a căzut într-o depresie profundă și a dispărut din ochii publicului timp de aproape douăzeci de ani.

Activa de-a lungul anilor 1960 și 1970, ea s-a distanțat în cele din urmă de mișcare, respingând referirile făcute la suprarealism încă din epoca lui Breton. Simpatizantă cu feminismul, ea nu și-a trădat niciodată credința jungiană că nu există nicio diferență între bărbați și femei, refuzând ferm să participe la expozițiile doar pentru femei.

Misiunea ei de-a lungul vieții pare să fi fost închiderea convențiilor și stereotipurilor de gen, depășind cu totul diviziunile sexuale și revendicând libertatea totală de exprimare. Femeile nu sunt zeițe, nici zâne, nici sfinxuri, a spus ea, acestea sunt proiecțiile bărbaților. A dovedi prin stilul de viață că nu mai considerăm valide tabuurile care au fost folosite pentru a menține femeile într-o stare de subjugare timp de mii de ani este sarcina artistelor. Pentru că libertatea nu este dată, ne amintește ea, trebuie să o luăm.

Valentine Penrose

Portretul lui Valentine Penrose de Man Ray, 1925 (stânga); cu Ariane de Valentine Penrose , 1934, prin The San Francisco Chronicle (dreapta)

Una dintre cele mai critice și ireverente artiste suprarealiste feminine, Valentine Penrose și-a dedicat cea mai mare parte a vieții demontării percepției burgheze despre femei ca fiind în mod inerent bune, altruiste, adoratoare de soț, supuse, ignorante, pioase, muncitoare, soții și fiice ascultătoare.

Una dintre primele femei care s-a alăturat mișcării, Penrose a fost fascinată de exemplele de femei neortodoxe și a trăit ea însăși o viață neconvențională.

Născută în 1978 ca Valentine Boué, s-a căsătorit cu un istoric și poet Roland Penrose în 1925 adoptându-i numele. Împreună cu soțul ei, s-a mutat în Spania în 1936 pentru a se alătura miliției muncitorești în apărarea revoluției.

Cadouri pentru femei de Valentine Penrose , 1951, via AWARE, Paris

Interesul ei pentru misticism și filozofiile orientale a adus-o de mai multe ori în India, unde a studiat sanscrita și filozofiile orientale. Era deosebit de interesată de tantrism , în care a identificat o alternativă valoroasă la obsesia suprarealistă pentru sexualitatea genitală influențată de psihanaliza lui Freud.

Ea credea că viziunea suprarealistă a femeilor ca o cealaltă jumătate necesară, în cele din urmă nu a reușit să emancipeze femeile de rolurile lor burgheze și le-a împiedicat să găsească o cale independentă. Interesul ei tot mai mare pentru ocultism și ezoterism a creat în cele din urmă o zonă între ea și soțul ei, ducând la divorț în 1935.

În anul următor, a călătorit în India cu prietenul și iubitul ei Alice Paalen . În timp ce două femei nu s-au mai văzut niciodată după călătorie, lesbianismul a devenit un subiect recurent în opera lui Penrose, adesea centrat în jurul personajelor Emilie și Rubia.

Cadouri pentru femei (4) de Valentine Penrose , 1951, via AWARE, Paris

Romanul ei colaj din 1951 Daruri ale femininului este considerată cartea suprarealistă arhetipică. Povestind aventurile celor doi îndrăgostiți care călătoresc prin lumi fantastice, cartea este o colecție fragmentată de poezie bilingvă și colaje juxtapuse, organizate fără continuitate și cu un nivel crescut de complexitate.

Contestând mereu stereotipul femeii ideale, în 1962, ea și-a publicat cea mai faimoasă lucrare, biografia romanticizată a criminalului în serie Elizabeth Bathory, Contesa însângerată. Romanul care povestește povestea unui monstru gotic lesbian a necesitat un an de cercetare în Franța, Marea Britanie, Ungaria și Austria.

Fiind mereu aproape de fostul ei soț, ea și-a petrecut ultimii ani trăind la Farley Farm House, împreună cu cea de-a doua soție, fotograful american. Lee Miller , cunoscută și sub numele de Lady Penrose.

Claude Cahun

Fotografii de Claude Cahun și Marcel Moore, așa cum sunt fotografiate într-o imagine de la Barbara Hammer, Lover Other: The Story of Claude Cahun and Marcel Moore , 2006 prin MoMA, New York

Claude Cahun Lucy Renee Mathilde Schwob s-a născut în Nantes în 1894. Tot fiica unui tată evreu, membru al clasei muncitoare și lesbiană, Claude Cahun a creat multe personaje diferite pentru a scăpa de discriminare și prejudecăți, pornind de la alegerea unui pseudonim, a unui gen. nume neutru pe care l-a adoptat pentru cea mai mare parte a vieții.

Cahun este un exemplu emblematic de artistă care, deși a rămas aproape necunoscută în timpul ei, a câștigat popularitate și recunoaștere în ultimii ani , rămânând una dintre cele mai cunoscute dintre artiștile suprarealiste feminine. Adesea considerată un precursor al artei feministe post-moderne, arta ei de înclinare a genului și definiția extinsă a feminității pe care ea a propus-o au devenit un precedent fundamental în discursul post-modernist și feminismul al doilea val.

Auto portret de la Sunt la antrenament, serialul nu mă săruta de Claude Cahun , 1927, prin intermediul The Guardian

Cahun a intrat în contact cu suprarealiştii prin intermediul AEAR, Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires, unde l-a cunoscut pe Breton în 1931. În anii următori, a expus în mod regulat cu grupul: celebra ei fotografie cu Sheila Legge stând în picioare în Trafalgar Square a apărut în numeroase reviste și publicații.

Membru atât al suprarealismului, cât și al grupurilor comuniste franceze, ca lesbiană, Cahun nu a primit prea multă solidaritate de la niciunul dintre ei. În ciuda atitudinii revoluționare, comuniștii considerau homosexualitatea un lux pe care doar elita disolută și-l putea permite. Breton, pe de altă parte, nu l-a acceptat niciodată pe deplin, cu excepția celor câteva imagini lesbiene tentante destinate divertismentului masculin.

Ea a locuit cu sora ei vitregă și partenerul de viață Suzanne Malherbe, care a adoptat și pseudonimul masculin al lui Marcel Moore. Diferența salarială a făcut imposibil ca femeile să fie autosuficiente, așa că au trebuit să se bazeze pe sprijinul economic al tatălui lui Cahun pentru supraviețuire.

Ce vrei de la mine? de Claude Cahun , 1929, prin The Metropolitan Museum of Art, New York

Lipsită de un public extern, arta lui Cahun a fost creată în mare parte în sfera ei și a lui Marcel, oferind o privire nefiltrată asupra experimentelor lor artistice. Prin utilizarea măștilor și a oglinzilor, Cahun a reflectat asupra naturii identității și a pluralității sale, creând un precedent pentru artiștii post-moderni precum Cindy Sherman .

Cu fotografiile sale, Cahun a respins și depășit miturile moderniste (și suprarealiste) ale feminității esențiale și ale femeii ideale, propunând ideea post-modernă că genul și sexualitatea sunt, de fapt, construite și realizate și că realitatea nu este doar cunoscut prin experienţă dar mediat şi definit prin discurs.

În timpul invaziei germane, Claude și Marcel au fost arestați pentru eforturile lor antifasciste și condamnați la moarte. Deși au supraviețuit până în ziua eliberării, sănătatea lui Claude nu și-a revenit niciodată pe deplin, murind în cele din urmă la vârsta de 60 de ani, în 1954. Marcel i-a supraviețuit până în 1972, când s-a sinucis.

Toyen

Teatrul de cartofi de Toyen , 1941, prin The Ekphrastic Review (stânga); cu Portretul lui Toyen , 1919, via Hamburger Kunsthalle (dreapta)

Născută Marie Čermínová în 1902, Toyen a făcut parte din suprarealismul ceh, lucrând aproape de poetul suprarealist Henric al Stiriei . La fel ca Cahun, Toyen a adoptat și un pseudonim neutru din punct de vedere al genului, inspirat probabil de cetățenii francezi. Un personaj ambiguu din punct de vedere sexual, Toyen a ignorat în totalitate convențiile de gen, purtând haine masculine și feminine și adoptând pronumele ambelor genuri.

Deși sceptic față de suprarealismul francez, arta lui Toyen a împărtășit multe teme cu mișcarea lui Breton, iar până în anii 1930, artistul devenise un membru esențial al suprarealistului. Întotdeauna transgresiv, interesul lui Toyen pentru umorul negru și erotism l-a consolidat pe artist în tradiția suprarealistă a artei hipersexualizate, ireverente, influențată de Scrierile marchizului de Sade .

În 1909, Apolinaire găsise unul dintre rarele manuscrise ale lui De Sade la Biblioteque National din Paris. Profund impresionat, el l-a descris drept cel mai liber spirit care a trăit vreodată în eseul său Opera marchizului de Sade , contribuind la renașterea popularității lui De Sade în rândul artiștilor suprarealişti.

Paraventul de Toyen , 1966, prin Schirn Magazine, Frankfurt

De Sade, de la al cărui nume sadism și sadic și-a petrecut cea mai mare parte a vieții fie încarcerat, fie internat în aziluri mintale din cauza scrierii sale, care combina discursul filozofic cu pornografia, blasfemia și fanteziile sexuale ale violenței. Foarte cenzurate, cărțile sale au, totuși a influențat cercurile intelectuale europene în ultimele trei secole .

La fel ca boemii de dinaintea lor, suprarealiştii au fost intrigaţi de poveştile sale, identificându-se cu personajul revoluţionar şi provocator al lui De Sade şi admirând atacurile sale controversate la adresa gustului burghez şi a pruriei.

Amestecând violența și impulsul sexual, atitudinea sadică a devenit un mijloc de a elibera îndemnurile înnăscute care pândesc în mintea inconștientă: Sade este suprarealist în sadism a anunțat Primul Manifestul suprarealismului . Toyen a adus un omagiu scriitorului libertin producând o serie de ilustrații erotice pentru traducerea cehă a lui Štyrský. Justine.

Galeria de împușcături de Toyen , 1939-40, prin Sotheby’s

Niciodată absent, aspectul politic al artei lui Toyen a devenit totuși mai explicit pe măsură ce situația politică din Europa s-a deteriorat: Galeria de împușcături serial arată natura distructivă a războiului prin iconografia jocurilor pentru copii. Stabilindu-se la Paris în 1948, în urma loviturii de stat comuniste din Cehoslovacia, Toyen a rămas activ până la moartea în 1980, continuând să lucreze alături de poetul și anarhistul Benjamin Péret și de pictorul ceh. Jindrich Heisler .

Artiste suprarealiste feminine de a doua generație

Ithell Colquhoun

Portretul lui Ithell Colquhoun, 1949 (stânga); cu Gorgonă de Ithell Colquhoun , 1946, via Arusha Gallery, Edinburgh (dreapta

Despărțiți în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, suprarealistii din a doua generație au avut tendința să se îndepărteze de mișcarea de bază, dezvoltându-și propriile domenii de cercetare.

Artistele și-au reapropriat ideea suprarealistă a femeii mitice și au transformat-o în imaginea puternică a vrăjitoarei, o ființă puternică care controlează puterile ei transformatoare și generatoare. The femeie-copil care a inspirat prima generație de artiste suprarealiste feminine crescuse acum în femeie vrăjitoare, stăpânul propriei puteri creatoare.

În timp ce artiștii bărbați păreau să aibă nevoie de un intermediar extern, adesea corpul feminin, ca proxy pentru subconștientul lor, artiștii de sex feminin nu aveau astfel de bariere, folosindu-și propriile trupuri ca bază pentru căutarea lor. The alteritate de sine , alter ego-ul prin care artistele de sex feminin și-au explorat sinele interior nu a fost sexul opus, ci mai degrabă Natura însăși, reprezentată adesea prin fiare și creaturi fantastice.

După cum spunea Hille, suprarealiştii priveau cu un ochi în afară şi cu unul înăuntru. Cu toate acestea, Carrington [și Varo] avea ambii ochi deschiși, privind atât realul, cât și magicul în realitate.

Catedrala scufundată de Ithell Colquhoun , 1952, prin Christie’s (stânga); cu prăpastii amare de Ithell Colquhoun , 1939, în Galeria de Artă Hunterian, Universitatea din Glasgow, prin Art UK (dreapta)

Pentru generația lor, care a trăit două războaie mondiale, depresia economică și o revoluție eșuată, magia și primitivismul au fost eliberatoare. Pentru artiști, magia a fost un mijloc de schimbare, unirea și suspendarea ramurilor de artă și știință, o alternativă atât de necesară la religie și pozitivism care au dus la atrocitățile războiului. Pentru femei, în sfârșit, ocultismul a devenit un mijloc de a submina ideologiile patriarhale și de a împuternici sinele feminin.

Născut în Shillong, India britanică, în 1906, Ithel Colquhoun a devenit interesat de Ocultism la vârsta de șaptesprezece ani, după ce a citit-o pe Crowley Abația din Thelema . Educată la Slade School of Art, s-a mutat la Paris în 1931. Cu toate acestea, în Marea Britanie a început cariera ei: ținând o serie de expoziții personale, până la sfârșitul anilor 1930, ea devenise una dintre figurile proeminente. a suprarealismului britanic. Afilierea ei la mișcare a fost totuși de scurtă durată, plecând după doar un an când a fost forțată să aleagă între suprarealism și ocultism.

Dansul celor Nouă Opale de Ithell Colquhoun , 1941, prin intermediul site-ului web al lui Ithell Colquhoun (stânga); cu Scylla de Ithell Colquhoun , 1938, via Tate, Londra (dreapta

În timp ce ea a continuat să se definească ca artist suprarealist, ruperea legăturilor formale cu mișcarea i-a permis să dezvolte o estetică și o poetică mai personală. În moda suprarealistă, ea a folosit multe tehnici suprarealiste, cum ar fi frottage, decalcomania, colaj, dezvoltând în același timp propriile jocuri de inspirație, cum ar fi presara și grafomanie entoptică .

Canalizarea puterii întunecate a artiștilor precum Artemisia Gentileschi , Colquhoun a recunoscut în femei un potențial de creație, mântuire și înviere care le-a legat de natura și cosmos.

Munca ei, făcând paralele între conservarea naturii și emanciparea femeilor, a stabilit un precedent puternic pentru dezvoltarea ulterioară a ecofeminismului.

Căutarea zeiței pierdute a reprezentat reconectarea femeilor cu Natura și redescoperirea propriilor forțe, călătoria care duce la revendicarea cunoștințelor și a puterii.

Leonora Carrington

Portretul Leonorei Carrington , prin Galeria Wendi Norris, San Francisco (stânga); cu Auto portret de Leonora Carrington , 1937-38, prin The Metropolitan Museum of Art, New York (dreapta)

Una dintre cele mai longevive și prolifice artiste suprarealiste, Leonora Carrington a fost o artistă britanică care a fugit în Mexic în timpul diasporei suprarealiste.

Născut în 1917, Leonora Carrington era fiica unui producător de textile bogat britanic și a unei mame irlandeze. Atitudinea ei rebelă a făcut-o expulzată din cel puțin două școli. Cu peste douăzeci de ani mai tânăr decât majoritatea suprarealiștilor, Carrington a intrat în contact cu mișcarea aproape exclusiv prin expoziții și publicații.

În 1937 l-a întâlnit pe Max Ernst la o petrecere din Londra. Cei doi s-au legat imediat și s-au mutat împreună în sudul Franței, unde s-a separat prompt de soția sa. Una dintre cele mai faimoase lucrări ale ei, Autoportret (Hanul calului zorilor) a fost pictat în acest timp.

Ceai verde de Leonora Carrington , 1942, via MoMA, New York

Odată cu izbucnirea celui de-al Doilea Război Mondial, Ernst a fost internat ca străin nedorit, dar a fost eliberat datorită mijlocirii lui Eluard. Arestat din nou de Gestapo, a scăpat abia de lagărul de internare, ceea ce l-a determinat să caute azil în State, unde a emigrat cu ajutorul lui Peggy Guggenheim și Varian Fry.

Neștiind nimic despre soarta lui Ernst, Carrington și-a vândut casa și a fugit în Spania neutră. Devastată, ea a suferit o cădere psihică la Ambasada Marii Britanii din Madrid. Internată în spital, Carrington a fost tratată cu terapie convulsivă și medicamente grele care au făcut-o halucinații în și în afara conștienței. Odată eliberat, Carrington a fugit la Lisabona și și-a asigurat trecerea în Mexic prin căsătoria cu mexicanul Ambasadorul Renato Deluc. Acolo a trăit tot restul vieții până la moartea ei în 2011.

Și apoi am văzut-o pe Fiica Minotaurului de Leonora Carrington , 1953, via MoMA, New York

La fel ca Colquhoun, căutarea lui Carrington pentru descoperirea spiritualității centrate pe femei a fost informată de eseul lui Groves Zeița Albă publicată în 1948, care a trezit un interes reînnoit pentru mitologiile păgâne.

Un mit popular pentru artiștile suprarealiste feminine a fost acela al unei origini matriarhale a umanității: în ciuda acurateței sale istorice, mitul a oferit femeilor o imagine responsabilă, revendicând mitul creației feminine ca model viabil pentru creativitatea feminină. Inspirat de această nouă mitologie, Femeile suprarealiste din al doilea val au imaginat societăți egalitare fantastice în care oamenii și natura trăiau în armonie: o viziune asupra viitorului creată prin agenția femeilor.