Dadaism: 10 opere de artă emblematice din mișcarea de artă Dada

Mizerie verticală tipică ca reprezentare a lui Dada Baargeld de Johannes Theodor Baargeld, 1920, MoMA ( discuție audio )

Dadaismul a fost o mișcare artistică și culturală de avangardă determinată de climatul societal european după Primul Război Mondial. A fost o respingere a capitalismului modern, a culturii burgheze și a politicii din timpul războiului care s-au aliniat cu alte grupuri radicale de extremă stânga. Acest lucru a fost exprimat prin utilizarea de materiale artistice netradiționale, satiră și conținut fără sens. Chiar și numele mișcării, „dada”, a fost menit să fie un cuvânt fără sens. Mai jos sunt 10 opere de artă iconice care caracterizează această mișcare artistică postbelică.

Marcel Duchamp, Fântână (1917)

Fântână de Marcel Duchamp , 1917, Tate

Marcel Duchamp a fost unul dintre cei mai prolifici artiști ai dadaismului, producând numeroase picturi, colaje și sculpturi infame. El este, de asemenea, asociat cu Cubism , Futurism și arta conceptuală timpurie. El a avut o influență monumentală asupra artei moderniste și în special asupra sculpturii secolului XX. Opera sa a ajuns la maturitate după Primul Război Mondial când a început să folosească arta ca instrument de protest cultural.

Fântână este una dintre cele mai emblematice piese de artă ale secolului al XX-lea, reprezentând o schimbare majoră în funcția artei în societate. Deși piesa originală din 1917 nu supraviețuiește astăzi, Tate a creat o replică din faianță în 1964. Este unul dintre cele mai vechi exemple de „lowbrow” sau „gata făcut” sculpturi, care sunt realizate din obiecte găsite. Duchamp a depus sculptura la Salonul de la Paris, dar a fost respinsă pentru că nu era considerată artă.

Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (1919)

L.H.O.O.Q. de Marcel Duchamp , 1919, Muzeul de Stat Schwerin

L.H.O.O.Q. este un alt exemplu faimos de sculptură „readymade” de Marcel Duchamp. A fost creat dintr-o carte poștală ieftină de a lui Leonardo da Vinci Mona Lisa (1503-06) pe care Duchamp a desenat apoi o mustață ceară și o barbă. Piesa prezintă elemente de satiră, respingând estetica „înaltei arte”. Titlul piesei este și el satiric, așa cum L.H.O.O.Q. când este spus în franceză sună ca „ E fierbinte în fund, care se traduce prin „ea este fierbinte în fund” și conotă o sexualitate subiacentă piesei.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Kurt Schwitters, Construcție pentru doamne nobile (1919)

Construcție pentru Doamne Nobile de Kurt Schwitters , 1919, LACMA

Kurt Schwitters a fost un artist german care a experimentat cu mai multe medii diferite, inclusiv pictura, sculptura, designul grafic, arta instalațiilor și poezia. Munca lui a fost asociată cu Suprarealism , Cubismul și Constructivismul precum şi dadaismul. Era cunoscut și pentru aplicarea termenului Merz la munca sa, termen pe care l-a inventat care era sinonim cu dadaist ca formă de protest cultural.

Construcție pentru Doamne Nobile este un exemplu de utilizare a abstracției de către Schwitters în colaj și sculptură. Această piesă de asamblare exemplifica, de asemenea, stilul de sculptură „obiect găsit”, deoarece este construită dintr-o varietate de materiale sparte și dezarticulate: o pâlnie, un tren de jucărie din metal, roți sparte și alte obiecte vechi. Include și un portret orizontal al unei doamne nobile, de la care piesa își ia titlul. Asamblarea lucrării este aspră, iar pictura are un finisaj robust, adăugând și mai mult la abaterea de la așteptările artistice precedente. Cu toate acestea, întreaga piesă are o asimetrie elegantă, arătând că chiar și obiectele vechi pot crea o capodoperă.

Raoul Hausmann, Criticul de artă (1919-20)

Criticul de artă de Raoul Hausmann , 1919-20, Tate

Raoul Hausmann a fost un artist austriac proeminent și un lider al mișcării Dada din Berlin. Hausmann a fost, de asemenea, un expresionist artist. După ce s-a familiarizat cu mișcarea dadaismului, a întâlnit alți artiști printre care John Heartfield și George Grosz. În acest timp, s-a concentrat mai ales pe poezie și colaj fotografic, care ar avea un efect profund asupra avangardei europene postbelice. Poezia sa a fost cunoscută pentru că este deosebit de provocatoare, iar opera sa de artă foarte satirică. A fost, de asemenea, un iubitor de colega dadaistă Hannah Höch.

Criticul de artă este critica arzătoare a lui Hausmann asupra superficialității lumii artei. Piesa este un colaj foto format dintr-o serie de fotografii din reviste și ziare și include câteva elemente desenate. Lucrarea este considerată „lowbrow”, deoarece folosește materiale și iconografie văzute în cultura populară. Aceasta înseamnă că, la fel ca și construcția unui colaj, criticii de artă posedă o cunoaștere a faptelor vacue și nu înțeleg cu adevărat sensul artei.

Hannah Höch, Tăiați cu cuțitul de bucătărie Dada prin ultima epocă culturală Weimar Beer-Belly a Germaniei (1919-20)

Tăiați cu cuțitul de bucătărie Dada prin ultima epocă culturală Weimar Beer-Belly a Germaniei de Hannah Höch , 1919-20, Galeria Națională, Muzeele de Stat din Berlin

Hannah Höch a fost o artistă germană și membră a mișcării dadaismului. Ea a fost pionier în tehnica Montaj foto sau colaj foto folosind imagini din mass-media populare. Era interesată de feminism, gen și androginie în artă, și mai ales de dizolvarea dihotomiei „Femeie nouă”. Ea a explorat, de asemenea, climatul politic din timpul Republicii Weimar în lucrarea sa.

Tăiați cu cuțitul de bucătărie reprezintă juxtapunerea dintre dadaism și cultura mainstream în timpul timpului. Într-o parte a colajului foto sunt grupați membri ai unor grupuri politice dominante, cum ar fi guvernul de la Weimar și armata. În contrast puternic, cealaltă parte a piesei prezintă comuniști, artiști și alți radicali. Höch a inclus și o mică hartă care afișează țările din Europa care au permis femeilor să voteze. Piesa demonstrează rebeliunea dadaiștilor și a altor grupuri radicale într-o perioadă de strictă conformitate politică și culturală.

Raoul Hausmann, Capul mecanic (1920)

Capul mecanic (Spiritul timpului nostru) de Raoul Hausmann , 1920, Centrul Georges Pompidou

Capul mecanic este cea mai faimoasă lucrare a lui Raoul Hausmann. A fost realizat din manechinul unei peruci de coafor, o riglă, un ceas de buzunar, un portofel, piese dintr-o cameră și alte obiecte găsite. Piesa este considerată a fi un comentariu asupra modului în care umanitatea interacționează cu obiectele și lumea înconjurătoare. Chipul este complet lipsit de expresie, spre deosebire de chipurile expresive ale capodoperelor culturale europene. În schimb, caracterul său este explicat prin obiectele externe atașate acestuia. Sculptura pune astfel în discuție toate reprezentările precedente ale intelectualismului și profunzimii, arătând subiectul doar în legătură cu lumea superficială, materială din jurul său.

Jean Arp, Cămașă față și furculiță (1922)

Cămașă față și furculiță de Jean Arp , 1922, Galeria Națională de Artă

Jean Arp , cunoscut și sub numele de Hans Arp, a fost un pictor, sculptor și poet germano-francez. A fost membru fondator al mișcării dadaiste. După ce s-a mutat la Zürich, s-a întâlnit cu alți artiști Hugo Ball și Sophie Taeuber , care avea să devină soția lui Arp. Trio-ul a colaborat apoi pentru a crea un manifest dadaist. Lucrarea lui Arp a fost cunoscută pentru explorarea inconștientului, elementele sale de satiră și abstracția formelor organice.

Cămașă față și furculiță face parte dintr-o serie de sculpturi pictate în relief din lemn pe care Arp le-a realizat în anii 1920. Lucrarea are un element grafic monocrom, cu forme moi, organice și o compoziție simplistă. Furculița din dreapta este ușor de identificat, în timp ce forma din stânga reprezintă fața unei cămăși, dar seamănă și cu un dinte mare sau cu o față umană. Piesa reprezintă schimbarea stilistică a lui Arp între perioade; formele abstracte din lucrarea sa anterioară se ciocnesc cu utilizarea ulterioară a asocierii obiectelor pentru a pătrunde în mintea inconștientă.

Francis Picabia, Optofonul I (1922)

Optofonul I de Francis Picabia, 1922, Wikiart

Francis Picabia a fost un pictor și poet francez care a fost asociat cu impresionismul, cubismul și Pointilism și dadaismul. De asemenea, a experimentat cu publicarea și realizarea de filme, iar cariera sa de aproape 50 de ani poate fi caracterizată printr-o serie eclectică de schimbări stilistice și media. Cele mai faimoase lucrări ale sale au fost picturile care prezentau blocuri de culoare, forme geometrice și abstracțiuni, deși era cunoscut și pentru colajele materiale neortodoxe.

Optofonul I este un exemplu de lucrări „mașiniste” ale lui Picabia, care au fost inspirate de echipamentele industriale de la începutul secolului al XX-lea și comentează accelerarea tehnologiei de-a lungul timpului. Piesa simulează efectele unui optofon, un dispozitiv care folosește sonificarea pentru a scana texte și imagini pentru a-i ajuta pe nevăzători să identifice literele de pe o pagină. În centrul picturii se află o femeie nudă așezată în stil clasic, ca și cum ar fi fost văzută prin utilizarea unui optofon. Piesa pune astfel în discuție modul în care umanitatea întâlnește și interpretează arta.

Man Ray, radiografie (1922)

radiografie de Man Ray , 1922

Man Ray a fost un fotograf și artist vizual american care a lucrat în principal la Paris. A fost un membru semnificativ atât al dadaismului, cât și al suprarealismului, producând numeroase lucrări care rămân ușor de recunoscut astăzi. Era cunoscut pentru portretele sale abstracte ale femeilor și pentru utilizarea umbrelor și a luminii negative pentru a crea piese cu un element de vis. De asemenea, a fotografiat o multitudine de artiști celebri în timpul vieții sale, oferind o perspectivă picturală asupra vieții lor.

radiografie este una dintr-o serie de fotograme ale lui Ray, pe care Tristan Tzara le-a numit radiografii după artist. Aceste piese au fost realizate folosind hârtie fotografică, pe care Ray a plasat o serie de obiecte și apoi le-a expus la lumină. Hârtia s-ar întuneca apoi acolo unde nu a fost plasat un obiect, creând efectul unei umbre de lumină negativă. Aceste piese au exemplificat noțiunea de Dada, deoarece reprezentau adesea obiecte banale sau aleatorii care nu păreau conectate. Produsele acestei metode au fost, de asemenea, adesea inconsecvente, deoarece necesitau mai multe sesiuni de expunere la lumină și, prin urmare, erau la curent cu condițiile externe.

Max Ernest, Acum Imperatorul (1923)

Acum Imperatorul de Max Ernst , 1923, Centrul Georges Pompidou

Max Ernest a fost un pictor, poet, sculptor și grafician german și un membru timpuriu al mișcărilor dadaism și suprarealism. A fost extrem de experimental cu munca sa, combinând diferite medii cu o tehnică abstractă, iluzionistă. El a folosit și o metodă numită frecare, sau „frecare”, în care artistul plasează hârtie pe o suprafață neuniformă și apoi freacă creionul pe ea pentru a crea un contur modelat al suprafeței.

Acum Imperatorul reprezintă schimbarea stilistică a lui Ernst între Dadaismul și suprarealismul, înfățișând un top antropomorf care se învârte cu trăsături incongruente. Subiectul îl înfățișează pe tatăl Ubu, un simbol al autorității și lăcomiei văzut într-o serie de piese de teatru de Alfred Jerry care elucidează nedreptățile complezenței sub societatea empirică burgheză. Peisajul este un deșert suprarealist caracteristic, cu un orizont vast, în timp ce vârful prezintă noțiunile parodiante și anti-establishment ale dadaismului.