6 artiste feminine emblematice pe care ar trebui să le cunoști

mama , o sculptură a artistei Louise Bourgeois

Maman, o sculptură a artistei Louise Bourgeois. Walk of Fame din istoria artei este pavată cu nume de artiști bărbați, dar începe să colecteze mai multe artiști de sex feminin. Percepția generală a unui maestru și capodopera masculin este puternic influențată de faptul că omologii lor feminini lipsesc aproape cu desăvârșire din cărțile noastre școlare și din cele mai importante galerii ale muzeelor.

Artiste feminine astăzi

În industria cinematografică, subreprezentarea femeilor în roluri principale ca regizori și producători a provocat multe valuri de indignare în ultimii doi ani. Hashtag-uri care apar pe rețelele de socializare, cum ar fi #OscarsSoMale arată că există o cerere mare pentru mai multă vizibilitate feminină.

Același lucru este valabil și pentru industria de artă, deși strigătul nu este la fel de puternic ca la Hollywood. Un motiv ar putea fi faptul că, cel puțin în arta modernă și contemporană, a existat o schimbare mai lentă și mai constantă către reprezentarea mai multor femei. Încă din 1943, Peggy Guggenheim a organizat o expoziție exclusiv feminină la infama ei galerie din New York Arta acestui secol , inclusiv contribuțiile de la Dorothea Tanning și Frida Kahlo . Această întreprindere de pionierat, numită 31 Femei , a fost primul de acest fel în afara Europei. De atunci, multe s-au schimbat. Astăzi, există multe galerii care reprezintă tot mai multe artiste de sex feminin. De asemenea, sunt mai multe femei care contribuie la festivaluri de artă prestigioase și câștigă premii importante.

Big Fatigue, Camille Henrot, 2013, via camillehenrot.fr

Cu toate acestea, artistele de sex feminin sunt încă subreprezentate în peisajul muzeelor. Compania de informare a pieței de artă Artnet a dezvăluit într-o analiză că, între 2008 și 2018, doar 11% din toată munca achiziționată de muzeele americane de top a fost de femei. Astfel, când vine vorba de o înțelegere istorică a artei, mai sunt încă multe de făcut pentru a crește vizibilitatea pentru femeile artiste și munca lor.

Iată o privire de ansamblu asupra artistelor mele preferate din istoria artei, până astăzi, pe care le apreciez pentru stăpânirea mai multor medii, pentru gândirea lor conceptuală, pentru tratarea subiectelor centrate pe femei și, prin urmare, pentru crearea unei opere remarcabile și unice. .

Camille Henrot

Artista feminină contemporană, născută în Franța, Camille Henrot, este renumită pentru că a lucrat cu diferite medii, de la film la asamblare și sculptură. Ea s-a aventurat chiar și în Ikebana, o tehnică tradițională japoneză de aranjare a florilor. Deși ceea ce face ca munca ei să fie cu adevărat remarcabilă este capacitatea ei de a combina idei aparent contradictorii. În operele sale complexe de artă, ea pune filosofia împotriva culturii pop și mitologia împotriva științei. Ideea de bază, atotcuprinzătoare, a operelor ei de artă nu este niciodată prea evidentă. Camille Henrot este un maestru în a împacheta lucrurile în mod elegant, creând atmosfere subtile și mistice. Abia după ce te-ai scufundat în ele vei putea conecta punctele.

Pentru a o ilustra cel mai bine, să luăm un exemplu: între 2017 și 2018, Camille Henrot a expus o Carte Blanche la Palais de Tokyo din Paris, intitulată Zilele sunt câini . Ea a pus sub semnul întrebării relațiile de autoritate și ficțiune care ne determină existența și a luat una dintre cele mai fundamentale structuri din viața noastră – săptămâna – pentru a-și organiza propria expoziție. În timp ce anii, lunile și zilele sunt structurate după un dat natural, săptămâna, dimpotrivă, este o ficțiune, o invenție umană. Cu toate acestea, narațiunea din spatele ei nu își diminuează efectele emoționale și psihologice asupra noastră.

The Pale Fox, Camille Henrot, 2014, fotografie de Andy Keate prin camillehenrot.fr

Într-una dintre camere, Camille Henrot și-a expus instalația Vulpea Palidă , care fusese anterior comandat și produs de Chisenhale Gallery. Ea l-a folosit pentru a reprezenta ultima zi a săptămânii – duminica. Este un mediu captivant construit pe proiectul anterior al lui Camille Henrot Grosse Fatigue (2013) – un film premiat cu premiul Leul de argint la cea de-a 55-a Bienală de la Veneția. În timp ce Grosse Fatigue spune povestea universului în treisprezece minute, The Pale Fox este o meditație asupra dorinței noastre comune de a înțelege lumea prin obiectele care ne înconjoară. Ea a acumulat material personal și l-a suprapus după un exces de principii (direcțiile cardinale, etapele vieții, principiile filozofice ale lui Leibniz), creând experiența fizică a unei nopți nedormite, o psihoză de catalogare. Pe site-ul ei, ea afirmă că, cu The Pale Fox, intenționam să bat joc de actul de a construi un mediu coerent. În ciuda tuturor eforturilor și bunăvoinței noastre, ajungem întotdeauna cu o pietricică înfiptă într-un pantof.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Haris Epaminondas

Accentul lucrării artistului cipriot se concentrează pe colaje expansive și instalații cu mai multe straturi. Pentru expoziția internațională de la A 58-a Bienala de la Veneția , ea a combinat materiale găsite precum sculpturi, ceramică, cărți sau fotografii, pe care le-a folosit pentru a construi cu atenție una dintre instalațiile sale caracteristice.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografie de Tony Prikryl

La fel ca Camille Henrot, compozițiile ei nu își dezvăluie imediat semnificațiile subiacente. Cu toate acestea, ceea ce diferențiază munca ei de cea a lui Camille Henrot este că nu își încorporează obiectele în narațiuni complexe și teorii conceptuale. În schimb, instalațiile ei sunt organizate într-un mod mult mai simplu, evocând un sentiment de ordine minimalistă. Abia după o privire mai atentă la obiectele individuale vei observa contradicțiile din spatele unei estetici aparent perfecte. Pentru compozițiile sale, Haris Epaminonda folosește obiecte găsite care, într-o înțelegere tradițională, ar fi complet ciudate unele pentru altele. De exemplu, puteți găsi un copac Bonsai în picioare lângă o coloană grecească într-un mod aproape natural. Artista își încurcă obiectele într-o rețea de semnificații istorice și personale necunoscute publicului și, probabil, și ea însăși. Deși Haris Epaminonda nu ignoră poveștile implicite ale obiectelor sale, ea preferă să le lase să-și exercite puterea în mod intrinsec.

VOL. 27, Haris Epaminonda, 2019, prin moussemagazine.it

Pentru videoclipul ei de treizeci de minute Chimera, Haris Epaminonda a câștigat cea de-a 58-a Bienala de la Veneția Leul de argint premiat ca tânăr participant promițător și, de atunci, este una dintre vedetele căzătoare internaționale ale artei contemporane.

strânsoarea lui Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby s-a născut în Nigeria și în prezent locuiește și lucrează în Los Angeles. În adolescență, mama ei a câștigat la loteria cărților verzi, permițând întregii familii să se mute în Statele Unite. În picturile sale, Akunyili Crosby reflectă experiențele ei ca membru al diasporei nigeriene contemporane. Pe suprafețe de hârtie gigantice, ea aplică mai multe straturi pentru a înfățișa portrete și interioare domestice, juxtapunând adâncimea și planeitatea.

Această artistă lucrează cu o tehnică mixtă care conține transferuri fotografice, vopsea, colaj, desen în creion, praf de marmură și țesătură, printre altele. În acest fel, artista creează picturi extraordinare care ilustrează teme destul de obișnuite, domestice, în care se înfățișează pe ea însăși sau pe familia ei. Munca ei se referă într-adevăr la contraste, atât din punct de vedere formal, cât și din punct de vedere al conținutului. Privind mai atent detaliile picturilor ei, veți găsi obiecte precum un calorifer din fontă care indică iernile reci din New York sau o lampă cu parafină așezată pe o masă, de exemplu, care este extrasă din amintirile lui Akunyili Crosby despre Nigeria.

Mama, Mummy and Mama (Predecesorii nr. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, prin njikedaakunyilicrosby

Cu toate acestea, contrastele nu sunt limitate doar la cele menționate mai sus: până în 2016, o cerere ridicată bruscă pentru munca lui Akunyili Crosby, pe care o produce încet, a depășit oferta. Acest lucru a făcut ca prețurile operelor ei să explodeze pe piață. A culminat cu una dintre picturile ei fiind vândută la licitația de artă contemporană Sotheby’s noiembrie 2016 pentru aproape 1 milion de dolari, stabilind un nou record de artiști. Doar șase luni mai târziu, o lucrare a fost vândută de un colecționar privat pentru aproximativ 3 milioane de dolari la Christie’s Londra iar în 2018, a vândut un alt tablou pentru aproximativ 3,5 milioane de dolari la Sotheby’s New York .

Louise Bourgeois

Artista franco-americană este cunoscută în special pentru sculpturile sale la scară largă, cea mai faimoasă fiind un păianjen gigantic de bronz „Louise Bourgeois Spider” intitulat Maman, care călătorește constant în jurul lumii. Cu o înălțime de nouă metri, ea a creat o reprezentare supradimensionată, metaforică, a propriei sale mame, deși opera de artă nu este deloc să dezvăluie o relație tragică mamă-fiică. Dimpotrivă: Sculptura este un omagiu adus propriei ei mame care a lucrat ca restauratoare de tapiserii la Paris. La fel ca păianjenii, mama lui Bourgeois reînnoia țesut – iar și iar. Artistul a perceput astfel păianjenii ca fiind creaturi protectoare și de ajutor. Viața este alcătuită din experiențe și emoții. Obiectele pe care le-am creat le fac tangibile, a spus odată Bourgeois pentru a-și explica propria opera de artă.

Mamă, Louise Bourgeois, 1999, prin guggenheim-bilbao.eus

Pe lângă crearea de sculpturi, ea a fost și o pictoră și tipografie prolifică. În 2017 și 2018, Muzeul de Artă Modernă la New York (MoMA) a dedicat o retrospectivă a operei mai puțin cunoscute a artistei, numită An Unfolding Portrait, concentrându-se mai ales pe picturile, schițele și printurile ei.

Viața mea interioară, Louise Bourgeois, 2008, prin moma.org

Indiferent de media pe care a folosit-o artistul multitalentat, Bourgeois s-a concentrat mai ales pe explorarea temelor care gravitează în jurul domesticității și familiei, sexualității și corpului, precum și a morții și a inconștientului.

Gabriele Munter

Daca stii Vasili Kandinsky , Gabriele Münter nu ar trebui să fie un nume mai mic pentru tine. Artista expresionistă a fost în fruntea grupului Călărețul albastru (Călărețul albastru) și a lucrat împreună cu Kandinsky, pe care îl cunoscuse în timpul orelor de la Phalanx School din München, o instituție de avangardă fondată de artistul rus.

Portretul lui Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, prin Wikimedia Commons

Kandinsky a fost primul care a observat abilitățile de pictură ale lui Gabriele Münter la începutul secolului al XX-lea. Relația lor profesională – care în cele din urmă s-a transformat și într-una personală – a durat aproape un deceniu. În acest timp, Gabriele Münter a învățat să lucreze cu un cuțit de paletă și cu mișcări groase de perie, aplicând tehnici pe care le-a derivat din limba franceză. Pisici mari .

Cu noile ei abilități dobândite, a început să picteze peisaje, autoportrete și interioare domestice în culori bogate, forme simplificate și linii îndrăznețe. După ceva timp, Gabriele Münter a dezvoltat un interes mai profund pentru pictarea spiritului civilizației moderne, o temă comună pentru artiștii expresioniști. Așa cum viața însăși este un cumul de momente trecătoare, ea a început să surprindă experiențe vizuale instantanee, în general într-un mod rapid și spontan.

The Yellow House (The Yellow House), Gabriele Münter, 1908, via Wikiart

Pentru a evoca sentimente, ea a folosit culori vii și a creat peisaje poetice, bogate în fantezie și imaginație. Relația dintre Gabriele Münter și Kandinsky a afectat puternic opera artistului rus. El a început să adopte utilizarea de către Gabriele Münter a culorilor saturate și stilul ei expresionist în propriile sale picturi.

Relația lor s-a încheiat când Kandinsky a trebuit să părăsească Germania în timpul Primului Război Mondial și, astfel, a trebuit să se întoarcă în Rusia. Din acel moment, atât Gabriele Münter, cât și Kandinsky au continuat cu o viață separată unul de celălalt, dar influența lor reciprocă asupra lucrărilor celuilalt a rămas.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp este probabil una dintre cele mai multi-talentate artiste de sex feminin din istoria artei. Ea a lucrat ca pictor, sculptor, textil și scenograf și ca dansatoare, printre altele.

Scenografia pentru König Hirsch (Regele cerbului), Sophie Taeuber-Arp, 1918, fotografie de E. LinckArtistul elvețian a început ca instructor pentru broderie, țesut și design textil la Universitatea de Arte din Zurich. În 1915, și-a cunoscut viitorul soț Jean Hans Arp , care fugise din armata germană în timpul Primului Război Mondial și care se alăturase Mișcarea Dada . El a prezentat-o ​​în mișcare și, ulterior, a participat la spectacole organizate de Dadaistii în Cabaretul Voltaire. Ea a contribuit ca dansatoare, coregrafă și păpușar. În plus, ea a proiectat păpuși, costume și decoruri pentru spectacolele ei și ale altor artiști la Cabaret Voltaire .

Pe lângă spectacole la evenimentele Dada, Sophie Taeuber-Arp a creat lucrări textile și grafice care sunt printre cele mai vechi lucrări constructiviste din istoria artei, alături de cele ale lui Piet Mondrian și Kasimir Malevich.

Gleichgewicht (Balance), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, prin Wikimedia Commons Sophie Taeuber-Arp avea o înțelegere deosebită pentru formele geometrice sofisticate, pentru abstractizare și pentru utilizarea culorilor. Lucrările ei au fost adesea considerate drept de pionierat și, în același timp, vesele.

În 1943, Sophie Taeuber-Arp a murit din cauza unui accident la casa lui Max Bill. Ea și soțul ei hotărâseră să rămână peste noapte după ce se făcuse târziu. Era o noapte rece de iarnă și Sophie Taeuber-Arp a aprins vechea sobă din mica ei cameră de oaspeți. A doua zi, soțul ei a găsit-o moartă din cauza otrăvirii cu monoxid de carbon.

Sophie Taeuber-Arp și soțul ei Jean Arp au lucrat foarte strâns împreună în cadrul diferitelor proiecte comune. Au fost unul dintre puținele cupluri din istoria artei care nu se potriveau rolurilor tradiționale ale artistului și ale muzei sale. În schimb, s-au întâlnit la nivelul ochilor și au fost la fel de respectați și apreciați de prietenii lor artiști - Marcel Duchamp și Joan Miro fiind doi dintre ei – și de critici de artă pentru lucrările lor