Ascensiunea picturii digitale: un fenomen contemporan

In My Time of Dying de Glenn Brown, 2014 (stânga); cu Black-Light, vedere instalație Stuart Shave în Londra de Jacqueline Humphries, 2014 (dreapta)

Pictura digitală este o căsătorie a contrariilor, unind mizeria lipicioasă a vopselei cu furnirul curat și lustruit al tehnologiei. Cu tehnologia informației în vârful degetelor și ecranele care ne luminează viața de zi cu zi, este poate o mică surpriză să vedem pictori examinând cum pot fi încorporați în practica lor artistică. De la imprimante și fotocopiatoare rudimentare până la cele mai recente coduri de computer, programe de animație sau vopsea fluorescentă, picturile digitale de astăzi sunt ingenios de inventive, explorând numeroasele moduri în care efectele computerizate pot fi încorporate într-o suprafață pictată. Combinarea acestor tehnici digitale cu un limbaj expresiv, pictural este un trop pe care mulți dintre acești artiști l-au adoptat, pentru a ne aminti că, sub aura strălucitoare a luminii digitale, suntem încă oameni dezordonați și imperfecți până la urmă.

Istoria picturii digitale

lovituri de pensula de Roy Lichtenstein , 1965 prin Christie’s

De la inventarea fotografiei la sfârșitul anilor 19thsecolul, pictura a avut o relație dificilă cu tehnologia. Stilurile de pictură expresive și abstracte au apărut pentru prima dată ca un antidot pentru fotografie, dovedind că vopseaua ar putea avea o identitate complet separată de cătușele reprezentării, una care era legată în mod înnăscut de experiența umană subiectivă. Nu a fost decât în ​​anii 1960, odată cu apariția Arta pop și Fotorealism că artiștii au început să exploreze conceptul de pictură digitală. Unul dintre primii care a îmbrățișat o estetică digitală a fost artistul pop Roy Lichtenstein , care a introdus economisirea cernelii Puncte „Ben-day”. de benzi desenate în arta sa, mărindu-le în modele amețitoare de culoare și lumină. Limbajul său rece și detașat al punctelor mecanice părea în întregime făcut de mașină, dar de fapt a fost pictat manual cu grijă, cu vopsea magna plată printr-un șablon metalic.

În pictură lovituri de pensula, 1965 Lichtenstein mărește fragmentul unei povești de benzi desenate intitulat „Pictura”, de Dick Giordano. Designul abstract al compoziției sale seamănă cu cel al pictorilor expresioniști abstracti din New York din anii 1950, dar Lichtenstein parodiază în mod deliberat presupusa lor originalitate, făcând compoziția sa abstractă și pictura de vopsea în întregime sintetică.

Fără titlu (figura) de Sigmar Polke , 1983, prin Sotheby’s

În urma Pop art american , un grup alternativ de artiști care se numeau Realiști capitaliști au apărut în Berlinul de Vest, prevestindu-se ca primii artiști pop din Germania. Unul dintre cei mai proeminenți membri care a apărut a fost Sigmar Polke, care a exploatat lumea media, publicitatea și cultura populară ca subiect. Dar, spre deosebire de limbajele curate ale pop americanului, realiștii capitaliști au adoptat o abordare mai murdară și mai dezordonată, combinând Expresionism din trecutul Germaniei cu elemente de imagini din mass-media pentru a-și crea propria marcă de pictură digitală.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

La fel ca Lichtenstein, Polke iubea punctele pentru că reprezentau pagina tipărită, dar le-a luat pe ale lui din procesul deliberat ieftin și dezordonat de fotocopiere mărită. Polke a lipit, tipărit și pictat aceste puncte în multe dintre picturile sale, transformându-le în propriul său stil marcan, așa cum se demonstrează în pictură. Fără titlu (figura), 1963.

Pictura abstractă nr. 439 de Gerhard Richter , 1978, via Tate, Londra

pictor german Gerhard Richter a fost strâns asociat cu Polke și cu mișcarea Realist Capitalist, împărtășind cu Polke o fascinație reciprocă în ceea ce privește modul în care suprafața imprimată ar putea fi încorporată în pictură. Richter este probabil cel mai cunoscut pentru picturile sale neclare, fotoreale, care imită atât de bine obiectivul focalizat al fotografiei, încât este adesea greu de spus dacă sunt cu adevărat pictate. Opera sa a fost strâns aliniată cu fotorealiştii americani din anii 1960 şi 1970, care au căutat modalităţi de a reda cu minuţiozitate realismul clar al fotografiei în pictură.

Dar Richter a adoptat o abordare mai experimentală, amestecând efectele fotografice și picturale împreună pentru a-și exprima admirația atât pentru mass-media, cât și pentru tactilitatea vopselei. În anii 1970, Richter a început să fotografieze propriile picturi expresive, abstracte și să facă noi picturi bazate pe aceste fotografii. După cum se poate vedea în Pictura abstractă nr. 439, 1978, fluiditatea lichidă a vopselei este îmbinată cu suprafața lucioasă și curată a fotografiei pentru a crea o pictură cu adevărat digitală. Atât Richter, cât și Polke au avut un impact deosebit de profund asupra pictorilor contemporani de astăzi, care continuă să-și extindă abordările lor jucăușe, experimentale.

Imagini și fotografii găsite

Golful Porcilor de Dexter Dalwood , 2004, prin Christie’s

Mulți dintre pictorii de astăzi își iau subiectul din surse fotografice găsite mai degrabă decât din observație directă, o atitudine care reflectă infiltrarea presei tipărite în viața noastră de zi cu zi. Unii dintre cei mai aventuroși pictori de astăzi evidențiază în mod deliberat natura digitală a materialului lor sursă, subliniind texturile și suprafețele imaginii imprimate originale și marginile tăiate sau rupte ale acesteia.

Artistul britanic Dexter Dalwood realizează picturi care se bazează pe propriile sale colaje mici, reproducând în mod deliberat linii de foarfece tăiate ascuțit sau rupturi zimțate cu vopsea pe pânză. Deși picturile sale descriu adesea locuri ciudate, iluzioase, așa cum se vede în Golful Porcilor, 2004, limbajul amestecat, tăiat și lipit al colajului care le construiește ne amintește că pictura este încă în esență un obiect plat, bidimensional.

Seen and Not Seen de Neil Gall, 2013, prin David Nolan Gallery, New York

La fel ca Dalwood, artistului britanic Neil Gall îi place să se înrădăcineze prin efemera vizuală a vieții de zi cu zi și să descopere cum poate fi încorporată în pictură. Pânzele sale fotorealiste sunt un amestec eclectic și confuz de referințe, dar adesea putem identifica paginile mototolite ale unei reviste lucioase, cuibărite printre alte resturi aleatorii din studioul său. În Văzut și nevăzut, 2013, fragmente din reviste care prezintă fețe de femei sunt aproape vizibile, în timp ce el copiază cu grijă în vopsea bucățile ascuțite ale hârtiei pe suprafața sa fotoreală.

Calculatoare, imprimante și fotocopiatoare

Fără titlu de Wade Guyton , 2010, prin Art in Print

De la utilizarea de pionierat de către Polke a fotocopiilor dezordonate în anii 1960 și 1970, artiștii au continuat să experimenteze dihotomia jucăușă dintre imprimarea digitală și pictură. Artistul american Wade Guyton realizează lucrări care caracterizează termenul de pictură digitală, imprimând pe foi de pânză cu un format mare Imprimantă cu jet de cerneală Epson Stylus Pro 9600 . Desenele sale geometrice caracteristice de pătrate, x-uri și grile sunt planificate pe un computer înainte de a fi tipărite pe pânză, dar ceea ce îi place cel mai mult sunt defecțiunile tehnice care se întâmplă cu imprimanta în afara controlului său, când pânza se blochează și trebuie scoasă. , sau sângerări de cerneală și depășiri. Aceste accidente surprinzător de pictură dezvăluie posibilitățile creative, improvizatoare, în limbajul presupus curat și perfecționat al tipăririi cu jet de cerneală.

Fără titlu de Charline von Heyl , 2003, prin Christie’s

Pictorita germană contemporană Charline von Heyl lucrează din imagini găsite, pe care apoi le ascunde și le abstractizează prin procesul de pictură. Din 2001, ea experimentează cu fotocopiatoare și cum acestea pot distorsiona și transforma imaginile preexistente și să-i ofere o gamă nesfârșită de materiale noi din care să lucreze pentru a-și crea propriul brand de pictură digitală. Ea generează uneori imagini noi pictând deasupra fotocopiilor, așa cum se vede în pictura pe hârtie, fără titlu, 2003, care este o rafală plină de energie care pare parțial digitală, parțial pictată.

Ecrane și imagini în mișcare

jHΩ1:) de Jacqueline Humphries , 2018, prin Mousse Magazine

Unul dintre cei mai interesanți artiști care fac pictură digitală astăzi este pictorul american Jacqueline Humphries, ale cărei picturi ilustrează limbajele digitale ale codurilor captcha, emoji-urilor și programelor de calculator. Modelele ei complicate repetate de puncte, liniuțe, x-uri și emoticoane sunt pictate printr-un tăietor de șablon industrial, pe care apoi le împletește cu dungi expresioniste de vopsea, îmbinând pictura digitală cu mișcări imprevizibile ale mâinii ei. Ea compară acest proces de stratificare cu activitatea pe mai multe ecrane a unui computer, unde putem vizualiza mai multe pagini simultan împreună, una peste alta.

Black-Light, vedere la instalarea Stuart Shave din Londra de Jacqueline Humphries, 2014, prin Greene Naftali Gallery, New York

Celebrul ei serial de picturi cu „lumină neagră”. Mimează în continuare estetica ecranelor de computer strălucitoare, pictate cu vopsea ultravioletă pe pânze uriașe care pot fi văzute doar într-o cameră întunecată luminată de becuri ultraviolete, împrumutându-i picturile ceea ce ea numește o calitate cinematografică.

13 viitoruri posibile de Amy Sillman , 2012, prin This is Tomorrow Magazine

Pictorița abstractă americană Amy Sillman este probabil cel mai cunoscută pentru pânzele ei libere, improvizatoare, realizate din rețele de linii stratificate, forme și culori vii, dar a realizat și animații pline de spirit care îi dau viață limbajului vizual . Lucrarea de animație, Treisprezece viitoruri posibile: desen animat pentru un tablou, 2012 a fost realizat folosind o aplicație de desen pentru iPad, urmărind numeroasele direcții diferite pe care le-ar putea lua una dintre picturile ei cu un limbaj plin de umor. Sillman a imprimat apoi fiecare cadru al animației și le-a transformat într-un uriaș instalare , permițându-ne să aruncăm o privire în culise la luarea amplă a deciziilor care implică producerea unei singure opere de artă.

Viitorul picturii digitale

In ora mea cea de pe urma de Glenn Brown , 2014, prin site-ul web al lui Glenn Brown

Pe măsură ce ne îndreptăm către un viitor de dezvoltare tehnologică în creștere, nu există nicio îndoială că domeniul de aplicare al picturii digitale va continua să se extindă în direcții noi și interesante. Artistul britanic Glenn Brown vede rolul viitor al picturii ca unul care reciclează și reface istoria artei din trecut, transformând-o în ceva nou. Picturile sale copiază și refac picturile anterioare vechi și noi ale unei game largi de artiști din Rembrandt van Rijn lui Frank Auerbach, dar el îi filtrează printr-un ecran digital, dându-le o atmosferă ciudată de lumină digitală. El ne cere să luăm în considerare care poate fi funcția viitoare a picturii în era post-digitală, când suntem atât de înconjurați de ecrane, dar mai avem atât de mult de câștigat din experimentarea fizicității brute a unei picturi reale.