Pop Art: american vs. britanic (artişti celebri şi artă iconică)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie’s

Una dintre cele mai cunoscute mișcări de artă din toate timpurile, Pop Art a definit cultura tineretului consumerist din anii 1950 și 60, făcând arta Pop! ca niciodată. Artiștii pop au căutat inspirație în tărâmurile culturii populare, luând imagini jucăușe, colorate și ireverente din reclame, benzi desenate, reviste și filme și încorporându-le în noi forme interesante de artă.

Experimentând cu limbajul de tăiat și lipire al dadaist și Suprarealism , mulți artiști au explorat colajarea în moduri noi și proaspete. Ei fac referire la lumea industrializată a capitalismului și consumerismului cu o batjocură de seriozitate. Alții au îmbrățișat tehnologia în creștere a noilor tehnici, inclusiv imprimarea, fotografie ,și realizarea de filme, care le-a permis artiștilor să producă multiple și să repete modele, înlăturând pretențiile care înconjoară opera de artă individuală, izolată. Unii au continuat cu mediile tradiționale de pictură și sculptură, dar au găsit modalități de a încorpora elemente fotografice sau tipărite sau stiluri care imitau efectele digitale.

Seria Marilyn Monroe, Andy Warhol, 1967 și A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

Predominant un fenomen britanic și american de-a lungul anilor 1950 și 60, Pop Art a avut o influență pe scară largă în deceniile care au urmat, inspirând milioane de imitatori din întreaga lume. De fapt, pop a căsătorit cu atât de succes arta cu comerțul, încât uniunea lor rămâne puternică și astăzi. Continuă să inspire și să informeze nenumărați gânditori creativi.

Știai că arta pop a început la Londra, Anglia?

Eduardo Paolozzi, Am fost jucăria unui om bogat, 1947

de la New York Andy Warhol este cea mai faimoasă icoană a pop, dar mulți s-ar putea să nu știe că mișcarea a început de fapt în Londra anilor 1940. Grupul Independent a fost o trupă de artiști care se întâlneau în mod regulat la Institutul de Artă Contemporană din Londra pentru a împărtăși idei. Erau uniți în fascinația lor pentru filmele americane, publicitatea și brandingul care și-au făcut loc în cultura britanică. Printre membri se numărau Eduardo Paolozzi și Richard Hamilton, acum recunoscuți ca primii artiști pop. Într-un colaj obraznic de Paolozzi, intitulat Am fost jucăria unui om bogat, 1947, cuvântul Pop! vine trăgând dintr-un pistol de jucărie, un semn din cap către textul creativ al benzilor desenate. Mulți văd acum această opera de artă ca fiind originile termenului Pop Art, pe care Paolozzi l-a folosit ca abreviere a cuvântului popular, făcând referire la fascinația grupului pentru cultura populară.

Richard Hamilton, Ce este ceea ce face ca casele de astăzi atât de diferite, atât de atrăgătoare?, 1956

Faimosul colaj al lui Richard Hamilton Ce face casele de astăzi atât de diferite, atât de atrăgătoare? 1956, a luat joc de noua viață idealizată americană care se infiltra în societatea occidentală. Era o imagine ridicol de exagerată a bărbatului și femeii perfecte care sunt afișate cu cele mai noi gadget-uri. Cu toate acestea, ele sunt embleme goale, superficiale ale consumerismului. Spre deosebire de omologul său american de mai târziu, arta pop britanică a fost caracterizată de această margine satirică care a observat cultura americană de la distanță. Hamilton și-a numit în glumă noul stil, Popular, trecător, consumabil, low-cost, produs în masă, tânăr truc, plin de farmec și Big Business.

Neo-Dada și pop în New York

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Jasper Johns, Steagul alb, 1955, The Met

În New York-ul anilor 1950, a apărut o cultură neo-dada, explorând absurdismul extrem de experimental, de tăiat și lipit de la începutul anilor 20.thsecol Mișcarea Dada . Pe scenă au început să apară artiști importanți, printre care Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein și Andy Warhol . În expoziția de referință de la Sydney Janis Gallery în 1962 intitulată Noi realiști , operele de artă au fost grupate în mai multe teme recurente, inclusiv obiectul zilnic, mass-media și repetiția. Curatorul britanic din America Lawrence Alloway a descoperit o legătură între arta britanică și cea americană. El a fost primul care a folosit termenul Pop Art pentru a defini zorii unei noi ere. Spre deosebire de stilul pop britanic, artiștii americani trăiau printre tărâmurile comunicării de masă și ale publicității, observându-l dintr-o perspectivă din interior cu un ochi mai puțin critic.

Mulți critici de artă, atât din Statele Unite, cât și din Europa, au fost înspăimântați de utilizarea subiectului „scăzut” în tărâmurile artei „înalte”, iar artiștii s-au confruntat cu critici dure în timp ce mișcarea era la începutul ei. Dar până la mijlocul anilor 1960, multe alte galerii, artiști și cumpărători au preluat tendința în creștere și era clar că un nou stil era aici pentru a rămâne.

Americana lui Warhol și Lichtenstein

Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

În New York-ul anilor 1960, Andy Warhol a fost poster boy pentru American Pop Art. A folosit imagini populare și celebre din cultura americană, inclusiv Coca Cola, Campbell’s Soup și celebrități emblematice, cum ar fi Marilyn Monroe, Jackie Kennedy și Elizabeth Taylor. Mediul său preferat a fost serigrafia, ceea ce i-a permis să producă imagini uimitoare, colorate sub formă de multiple și modele repetate, dar a experimentat și o gamă largă de alte medii, inclusiv pictura, fotografia și realizarea de filme. Înființarea atelierului său de renume mondial, din New York, cunoscut ca Fabrica, a angajat o echipă de asistenți care să-l ajute să preia scena artistică din New York. Deși Warhol este adesea văzut ca un simbol lucios al strălucirii superficiale a Americii, a existat, de asemenea, o margine sinistră ascunsă sub multe dintre operele sale de artă, evidențiind partea mai întunecată a celebrității și a faimei, în special atunci când cranii a început să apară în operele sale de artă.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Pictorul american Roy Lichtenstein a intrat și el în lumea comercială ca subiect. Inspirat inițial de ambalajele de gumă de mestecat Mickey Mouse ale copiilor săi, așa cum se vede în pictura sa timpurie Uite Mickey, 1961, a început să realizeze versiuni mari pictate ale unor cadre de benzi desenate, pe care le-a adăugat și le-a exagerat pentru a sublinia un efect dramatic și mai mare. Unele lucrări au subliniat impactul teatral al textului onomatopeic al benzilor desenate, inclusiv cuvinte precum Blam, Pop, Whaam și Varoom. Toate erau desenate cu litere exagerate și înconjurate de fum, foc și flăcări sau linii care sugerează o mișcare rapidă. Puternice instantanee, aceste picturi au avut o influență de lungă durată asupra artei textului în anii 1970.

Roy Lichtenstein, Fata înecată, 1963

Dar Lichtenstein a făcut cu adevărat istorie cu seria sa de scene bazate pe benzile desenate pentru adolescenți Romantisme de fete , surprinzând tinere mânioase care sunt măturate de tineri ticăloși sau căzând în bazine de disperare ca în scena din Fata înecată, 1963. Lichtenstein a subliniat și exagerat drama emoțională a acestor tinere într-o măsură atât de mare încât devin de râs prin evidențierea caracterului superficial al imaginii tipărite. Replicarea economisirii cernelii Ben-day dot tehnica de imprimare folosită pentru benzi desenate a servit aceluiași scop și ne atrage atenția asupra imaginii aplatizate. Lichtenstein vopsit cu vopsea Magna plată, acrilică, printr-un grătar perforat, pentru a crea această estetică sintetică depersonalizată, cu un rezultat final care arată în întregime realizat la mașină.

Alte tipuri de artă pop

Arman, Long Term Parking, 1982

În alte părți ale Europei, au apărut variații ale artei pop americane și britanice sub diferite denumiri. În Franța, un grup de artiști s-a reunit, autointitulându-se Nouveau Realistes (Noi Realiști), cu membri printre care Arman, Cesar, Christo, John Tinguely și Yves Klein. Inspirați de arta pop americană și britanică, ei au adus elemente de cultură populară în arta lor, dar au explorat și detritusurile mai puțin pline de farmec din viața de zi cu zi, dând artei lor un aspect mai murdar și mai puțin lustruit. Sculptorul Arman a adus mașini zdrobite sau abandonate în ansamblurile sale uriașe și monumentale, așa cum se vede în totemicul. Parcare pe termen lung, 1982, în timp ce Tinguely făcea mașini de gunoi din roți vechi, piulițe și șuruburi, injectând în ele o nouă viață zgomotoasă și zgomotătoare.

Gerhard Richter, Partidul, 1963

Un grup de artiști din Germania a răspuns, de asemenea, fenomenului Pop Art în anii 1960, inclusiv Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg și Manfred Kuttner. Reclamându-se în glumă ca artiști pop germani pentru a atrage atenția, în realitate munca lor a fost mai complexă și mai critică. Îmbinând elemente ale realismului socialist din Germania de Est cu capitalismul americanizat din Germania de Vest, ei au inventat termenul amalgamat Realism capitalist pentru a descrie poziţia lor intermediară. Ridicând imaginile din rapoartele de știri, reclame și cultura celebrităților, imaginile lor aveau deseori o margine ascuțită, satirică. În Richter's Parte, 1963, de exemplu, un grup de celebrități sunt transformate în ghoul bântuitor care curg sânge în paharele lor de vin, în timp ce în Sigmar Polke iepurași, 1966, Bunny Girls de la Playboy sunt reduse la o neclaritate pixelată de puncte modelate și pătate, ecou cu limbajul cu buline al lui Roy Lichtenstein.

Sigmar Sigmar Polke, Iepurași, 1966

Postmodernismul, Neo-Pop și Superflat

De la apariția artei pop în anii 1960, artiștii au continuat să răspundă în moduri din ce în ce mai aventuroase la lumea în expansiune a mass-media, adesea cu o poziție critică. De-a lungul anilor 1970, artiștii postmoderni s-au jucat cu imaginile din ochii publicului sau au reproiectat, uneori creând versiuni umflate ale realității pentru a sublinia calitățile distructive ale consumerismului.

Cindy Sherman, Fără titlu, 2010-12

Poziția feministă a fotografului american Cindy Sherman a făcut observații tăioase despre arhetipurile superficiale, idealizate ale societății, care vizează femei, prin filme și reviste. Îmbrăcată ca o gamă de caricaturi cu peruci, bronzuri false, machiaj intens și nas fals, ea critică ridicolul idealurilor feminine prin expunerea sub burta întunecată a chirurgiei plastice și a îmbunătățirii cosmetice.

Jeff Koons, Buze, 2000, din seria „Easyfun-Ethereal”.

artist american Jeff Koons a răspuns culturii capitaliste în anii 1980 cu reclame simulate în reviste și sculpturi exagerate, mărind kitsch-ul, suveniruri drăguțe în replici înspăimântător de supradimensionate. Seria lui de picturi uriașe „Easyfun-Ethereal” este o combinație de fragmente publicitare. Acestea prezintă buzele strălucitoare ale femeilor și fructele umede suculente care plutesc peste peisaje tropicale care evidențiază natura indulgentă și sexualizată a reclamei. Acest limbaj fotoreal elegant este un stil care acum este cunoscut sub numele de Neo-Pop. Asemenea lui Warhol, conduce un vast atelier care angajează echipe de asistenți care își fac munca pentru el. Ansamblurile extrem de supradimensionate ale lui Mike Kelley sunt și mai grotești, adunând jucării moi colorate ridicol în bile suspendate de blană care vorbesc despre consum în masă, risipă și exces.

Artistul japonez Takashi Murakami pozând cu seria sa „Superflat”.

Dacă artiștii postmoderni și neo-pop au adoptat o poziție critică față de cultura populară, artistul contemporan japonez Takashi Murakami a injectat distracția înapoi. Criticii de artă îl numesc chiar răspunsul Japoniei la Andy Warhol. Lumea lui ridicol de optimistă este plină de imprimeuri florale amețitoare și fețe zâmbitoare în tonuri pastelate dulci. Adoptând termenul Superflat pentru a-și defini limbajul sintetic și decorativ, el face paralele între blocurile de lemn japoneze antice și desenele anime sau manga contemporane. El afirmă că modelele plate, decorative și florale au fost în societatea japoneză de secole. Aducând cerc complet limbajul Pop Art, el combină florile sale zâmbitoare și zâmbitoare și creaturile obraznice și prietenoase în obiecte comerciale. De la adidași și genți de mână până la huse de telefon și skateboard-uri, el demonstrează cât de strâns împletite continuă să fie limbajele artei și comerțului.