Fotorealism: înțelegerea stăpânirii mundanității

autobuz reflectie flatiron building richard estes

Autobuz cu reflectarea clădirii Flatiron de Richard Estes , 1966-67, prin Smithsonian Magazine și Marlborough Gallery, New York





Fotorealismul este o mișcare de artă radicală din America de Nord din anii 1960, care i-a văzut pe pictori copiand fotografii cu detalii minuscule pe pânze uriașe și expansive. De-a lungul mișcării fotorealiste, artiștii au demonstrat o virtuozitate tehnică magistrală în pictură care nu se mai asemăna cu nimic înainte, îmbinând împreună cele două medii opuse ale picturii și fotografiei într-un mod nou.

Artiști la fel de variați precum Malcolm Morley, Chuck Close și Audrey Flack au adoptat stilul fotoreal pentru a observa noua față strălucitoare a culturii urbane postbelice, transformând subiecte umile sau banale, cum ar fi cărți poștale vechi, blaturi dezordonate sau vitrine ale magazinelor în opere de artă fascinante. . Dar, mai ales, mișcarea de artă fotorealistă a semnalat o perioadă importantă în istoria artei, deoarece de atunci materialul fotografic a jucat un rol vital în dezvoltarea picturii contemporane.



Camera: un instrument al pictorului pentru fotorealism

SS Amsterdam

SS Amsterdam în fața Rotterdamului de Malcolm Morley , 1966, prin Christie’s

De la inventarea sa în 19th-fotografia de secol a avut inevitabil un impact asupra naturii și rolului picturii. Nu mai era rolul picturii de a surprinde acuratețea vieții, așa că pictura era liberă să fie cu totul altceva: mulți au susținut că această schimbare a condus 19thși 20th-arta secolului mai departe în tărâmurile abstractizării , unde vopseaua se putea comporta cum i-ar plăcea. Dar, la începutul anilor 1960, mulți artiști s-au săturat să arunce vopsea de dragul lor, căutând în schimb ceva proaspăt și nou. Intră artiștii Malcolm Morley și Richard Estes. Pictorul britanic Morley este adesea citat ca fiind primul artist care a explorat fotorealismul, creând copii detaliate ale cărților poștale cu nave idilice care navighează prin apa albastră orbitoare, într-un stil pe care l-a numit superrealist.



diner richard estes

Diner de Richard Estes , 1971, prin Smithsonian Magazine și Marlborough Gallery, New York

Pe urmele lui Morley a fost pictorul american Richard Estes, care a urmat tendința cu reprezentări minuțioase ale fațadei strălucitoare a New York-ului, de la geamurile lustruite ale mesenilor din anii 1950 până la strălucirea metalică a mașinilor noi-nouțe. Suprafețele reflectorizante pe care le-a folosit au fost o vitrină deliberată pentru comanda sa magistrală în pictură și aveau să devină extrem de influente asupra fotorealismului. Acest nou stil de pictură arăta, inițial, ca o întoarcere la tradițiile realismului, dar, în realitate, era un tărâm cu totul nou al unui teritoriu necunoscut. Ceea ce a diferențiat munca fotorealismului de pictorii extrem de realiști din trecut a fost o încercare deliberată de a reproduce calitățile unice ale imaginii fotografice, așa cum se subliniază în publicație. Artă în timp : Artiștii fotorealiști din anii 1960 și 1970 au investigat tipul de viziune care era unic pentru cameră... focalizare, adâncimea câmpului, detalii naturalistice și atenție uniformă la suprafața imaginii.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Fotorealism, Pop Art și Minimalism

fierărie john salt

fierarii de John Salt , 1981 , prin Galeriile Naționale din Scoția, Edinburgh

Ca Arta pop și Minimalism, Fotorealismul a apărut din Europa și Statele Unite ale anilor 1950 ca o reacție împotriva limbajelor extrem de emotive ale Expresionismul abstract. Pop Art a fost pe primul loc, deschizând calea cu un accent obraznic pe glamourul magic al reclamei și al culturii celebrităților, injectat cu culori strălucitoare acide și design simplificat. Minimalismul a fost cool și elegant prin comparație, o abordare rafinată a abstractizării, cu grile repetitive, geometrie și culoare restrânsă. Mișcarea fotorealistă a apărut într-o cale de mijloc undeva între aceste două ramuri, împărtășind însuşirea cultura populară cu Pop Art , și raționalitatea curată, metodică a minimalismului. Spre deosebire de distracția obraznică a artei pop, artiștii fotorealişti au observat subiecte banale cu o ironie ironică, fără emoție umană: se observă un contrast primordial între a lui Andy Warhol Motivul pop iconic al Cutii de supă Campbell's, 1962 și observațiile fotorealiste ale lui John Salt despre o vitrină de feronerie fierarii , 1981. Fotorealismul s-a ciocnit și cu minimalismul prin redarea elementelor de conținut narativ sau realist, spre deosebire de limbajul lor pur și curat, de simplitate reductivă.



Artiști de frunte

’64 Chrysler de Robert Bechtle , 1971, prin Christie’s

La începutul anilor 1970, fotorealismul a luat ritm și a devenit un fenomen uriaș în America de Nord. Liderii noului stil au inclus artiștii californian Robert Bechtle, Ralph Goings și Richard Mclean, iar la New York pictorii Chuck Close, Audrey Flack și Tom Blackwell. Mai degrabă decât un grup unificat, fiecare artist a lucrat independent, abordând un stil fotoreal în cadrul propriului său cadru conceptual. Robert Bechtle a pictat scene pe care le-a numit esența experienței americane, oglindind iconografia vizuală a reclamei cu scene suburbane obișnuite ale familiilor și mașinilor lor de încredere ca simbolul suprem al luxului capitalist. Cu toate acestea, concentrarea lui asupra furnirului plat și lucios este puțin prea perfectă, ceea ce sugerează că întuneric se ascunde în spatele acestei fațade superficiale. Richard Mclean a produs, de asemenea, o viziune idealizată a vieții americane, dar a prezentat subiecte ecvestre sau bovine în loc de întinderea suburbană, documentând călăreți inteligenți, mânuitori de animale și cai strălucitori în soare arzător ca adevărată emblemă a visului american.



medalion richard mclean

Medalion de Richard Mclean , 1974, prin Muzeul Guggenheim, New York

Se Naște O Mișcare

Diverse nume au fost inițial aruncate acestui echipaj pestriț de tineri artiști în plină dezvoltare, inclusiv New Realism, Super-Realism și Hyper-Realism, dar a fost galeristul din New York. Louis K Meisel care a inventat primul termenul „Fotorealism” în catalogul pentru Muzeul Whitney expoziţie Douăzeci și doi de realiști, 1970. În urma succesului acestui spectacol, Meisel s-a reinventat ulterior ca majorete individual pentru fotorealism în anii 1970, dedicându-și propria galerie SoHo promovării operelor de artă fotorealiste, precum și publicând un ghid strict în cinci puncte care descrie în detalii precise cum ar trebui să arate o opera de artă fotorealistă. Un alt moment de reper pentru mișcarea fotorealistă a venit în 1972, când curatorul elvețian Harald Szeemann a regizat întregul documente 5 în Germania ca o vitrină pentru stilul fotorealist intitulat Întrebarea realității – Lumile picturale de azi, prezentând munca a 220 de artiști care lucrează cu stiluri fotografice de pictură.



Cum au făcut-o?

mare autoportret mandrina aproape

Big Self-Portret de Chuck Close, 1967-68, prin Walker Art Center, Minneapolis

Artiștii fotorealiști au explorat o serie de trucuri inventive și uneori ingenioase pentru a obține rezultate atât de impresionante. Pictorul newyorkez Chuck Close a realizat portrete uriașe, minutioase, ale lui și ale prietenilor săi, combinând mai multe tehnici revoluționare. Prima a fost aplicarea unei grile pe o imagine polaroid pentru a o descompune într-o serie de componente mici, apoi picta fiecare parte minuscul la un moment dat pentru a-l împiedica să fie copleșit de enormitatea sarcinii la îndemână. El a comparat această abordare metodică cu „tricot”, deoarece imaginea este construită metodic rând cu rând. Close a aplicat, de asemenea, elemente de vopsea cu un aerograf și a răzuit în ea cu lame de ras pentru a obține zone mai fine de definire și chiar a atașat o gumă de șters la un burghiu electric pentru a funcționa cu adevărat în acele zone mai moi de ton. În mod uimitor, el își revendică emblematica 7 pe 9 picioare Autoportret mare, 1967-68 a fost realizată doar cu o linguriță de vopsea acrilică neagră.



audrey Flack vanitas

Al Doilea Război Mondial (deșertăciune) de Audrey Flack , 1977, prin Christie’s

În schimb, colega artistă din New York Audrey Flack și-a proiectat propriile imagini fotografice pe o pânză ca ghid pentru pictură; prima dintre lucrările ei care a fost realizată în acest fel a fost Portret de familie Farb, 1970. Lucrul cu proiecția i-a permis să atingă un nivel uimitor de precizie care nu ar fi fost posibil doar manual. Flack și-a aplicat apoi straturi subțiri de vopsea pe pânzele ei cu un aerograf, îndepărtând astfel toate urmele mâinii ei în rezultatul final. Spre deosebire de stilurile detașate ale contemporanilor ei, picturile lui Flack au fost adesea investite cu un conținut emoțional mai profund, în special studiile ei de natură moartă, care făceau ecou tradiției memento mori cu obiecte plasate cu grijă, simbolizând concizia vieții, cum ar fi craniile și lumânările aprinse, așa cum se vede în lucrări precum Al Doilea Război Mondial (deșertăciune), 1977.

Hiper-realism

bărbat pe bancă duane hanson

Omul pe o bancă de Duane Hanson , 1977, prin Christie’s

În urma mișcării fotorealiste, la sfârșitul anilor 1970 a apărut o versiune nouă, umflată a stilului, care a ajuns să fie cunoscută sub numele de hiperrealism. Spre deosebire de ochiul mecanic general, detașat al subiecților fotorealişti, hiperrealismul s-a concentrat pe subiecte în mod deliberat emotive, sporind în același timp sentimentul de uimire și magnitudinea subiecților lor cu scale uriașe, iluminare extremă sau indicii asupra conținutului narativ. Curator independent, scriitor și vorbitor Barbara Maria Stafford a descris stilul pentru revista Tate Gallery Tate Papers ca ceva care este intensificat artificial și forțat să devină mai real decât era atunci când exista în lumea reală.

Sculptura a fost o componentă deosebit de importantă a artei hiperreale, în special corpurile din fibră de sticlă ale sculptorilor americani Duane Hanson și John de Andrea, care plasează figuri incredibil de realiste în ipostaze sau scenarii care sugerează povești nespuse sub suprafață. Sculptorul australian contemporan Ron Mueck a dus aceste idei la extrem în ultimii ani, producând embleme figurative suprareale care vorbesc despre complexitatea condiției umane cu scale deplasate menite să amplifice impactul lor emoțional. Copilul său enorm nou-născut în O fata, 2006, are peste 5 metri lungime, surprinzând cu dramă teatrală minunea miraculoasă a aducerii unui copil pe lume.

ron muech o fată sculptură

O fata de Ron Mueck , 2006, prin Galeria Națională din Melbourne, Australia și Atlanticul

Idei recente în fotorealism

loopy Jeff Koons

Loopy de Jeff Koons , 1999, prin Muzeul Guggenheim, Bilbao

Fotorealismul a atins apogeul în anii 1970, dar de atunci variații ale stilului au persistat de-a lungul deceniilor următoare. După explozia tehnologiei informației în anii 1990, un nou val de artiști au adoptat moduri fotoreale de lucru, dar mulți au depășit literalismul mișcării de artă fotorealistă prin introducerea elementelor de editare digitală creativă pe programe de calculator.

fără titlu ocean vija celmins

Fără titlu (Ocean) de Vija Celmins , 1977, prin Muzeul de Artă Modernă din San Francisco

În artist american lui Jeff Koons kitsch, Easyfun-Ethereal seria, inclusiv lucrarea Loopy, În 1999, el creează colaje digitale care prezintă fragmente seducătoare decupate din reviste și reclame publicitare, care sunt apoi extinse în vopsea de echipa sa de asistenți pe pânze uriașe de dimensiunea peretelui. La celălalt capăt al spectrului, artista americană Vija Celmins realizează desene și printuri pe hârtie minuscule, observate rafinat, în alb și negru, transmitând întinderile vaste ale oceanului sau cerul nocturn plin de stele cu urme și pete minuscule, repetitive, care doar doar dezvăluie urmele făuririi lor.

morți superficiale Glenn Brown

Moarte superficiale de Glenn Brown , 2000, prin The Gagosian Gallery, Londra

Pictorul britanic Glenn Brown adoptă o altă abordare cu totul; Bazându-se pe limbajul suprarealist al hiperrealismului, el face copii fotoreale ale operelor de artă expresioniste celebre care strălucesc cu o aură de lumină nenaturală, ca și cum ar fi văzute pe un ecran de computer. Procesul complex al lui Brown de a copia în vopsea o fotografie a operei de artă a altui artist dezvăluie cât de strâns sunt împletite experiențele noastre de a vedea și a realiza picturi cu experiența digitală de astăzi.