Arta cubistă pentru manechini: un ghid pentru începători

pablo picasso cubismul

Sticlă de Vieux Marc, sticlă, chitară și ziar de Pablo Picasso, 1913, via Tate, Londra



Arta cubistă a apărut în primul deceniu al secolului al XX-lea, fiind pionier de Pablo Picasso și Georges Braque. A început ca o formă de artă experimentală care punea la îndoială modul în care percepem obiectele și cum ajungem să le înțelegem. Mișcarea cubismului, ca multe alte mișcări ale acestei perioade din istorie, a întors spatele ideilor tradiționale de pictură care fuseseră insuflate încă din Renaștere.

Definirea artei cubiste

sticla si pesti georges braque

Sticla și pești de Georges Braque , 1910-12, via Tate, Londra





Arta cubistă poate fi privită ca o conversație jucăușă cu arta, atât în ​​ceea ce privește poziția ei în societate, cât și în metodele sale de înfățișare a realității. În această conversație, cubismul îi cere privitorului să gândească, nu doar să răspundă la senzualitatea culorii și liniilor pe care le-am putea găsi într-o pictură impresionistă, să zicem. De fapt, la prima vizionare a unui Braque sau a unui Picasso în anii lor cubiști, privitorul nedumerit este uimit de compozițiile lor monocromatice, dezordonate.

Deși mișcarea cubismului a fost relativ de scurtă durată, ea avea să joace un rol esențial în istoria arta modernista . Arta cubistă a devenit o influență asupra multor alte mișcări artistice, cum ar fi Stilul și Expresionism , în căutarea reprezentării prin abstractizare. Pentru a înțelege arta cubistă și pentru a răspunde la întrebarea „ce este cubismul?”, trebuie să ne adâncim în istoria artei și în preocuparea modernistă de a găsi o formă de artă care să afișeze cu acuratețe modernitatea.



Formarea Mișcării Cubism

cezanne hillside provence

Dealul din Provence de Paul Cézanne , 1890-92, prin National Gallery, Londra

Încă din Renaștere,Pictura vest-europeană devenise preocupată de cum să creeze o imagine rațională, tridimensională, pe o suprafață plană, bidimensională; către naturalism si departe de abstractizare . Au existat, desigur, o multitudine de metode pentru a face acest lucru și dezbateri asupra subiectului care ar trebui descris, dar a rămas faptul că artiștii trebuiau să creeze o iluzie de spațiu pentru privitor. Această iluzie a spațiului a format punctul de vedere la care un privitor putea înțelege pictura.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Naturalismul va ține domnia picturii până la sfârșitul secolului al XIX-lea, când artiștii au început să pună sub semnul întrebării artificialitatea picturii. Pictori precum Édouard Manet începuse să picteze într-un stil pe care acum îl vedem ca o formă timpurie a picturii impresioniste; Vincent van Gogh a transformat ceea ce a văzut în modul în care l-a afectat, din punct de vedere emoțional. Acești artiști experimentau și încercau să înțeleagă cum percepem lumea: este printr-o impresie a unei scene sau cum ne simțim despre o scenă? O altă întrebare ar fi pusă de Paul Cézanne : cum pictăm un obiect când se schimbă continuu pe măsură ce ne mișcăm în jurul lui? Obiectele nu vin la noi dintr-o singură perspectivă, ci din multe.

cezanne natura moarta ghimbir borcan vinete

Natura moartă cu borcan de ghimbir și vinete de Paul Cézanne, 1893-94, prin The Metropolitan Museum of Art, New York



Paul Cézanne a fost cel care a început acest proiect de înțelegere a modului de redare a obiectelor din mai multe perspective. Naturalismul, deci, era artificial și fals la viață; a redat obiecte dintr-un punct de vedere la un moment dat. Mișcarea cubismului căuta un nou limbaj vizual care să exprime cu acuratețe realitatea.

Anii de fundație

viaduct l

Viaduct la L'Estaque de Georges Braque , 1908, prin Smarthistory; cu Horta d'Ebre de Pablo Picasso , 1909, via MoMA, New York



a lui Picasso Doamnele din Avignon (1906) nu este doar una dintre cele mai influente opere de artă ale secolului XX, ci și începutul mișcării cubism. Este abrupt, șocant, compus din cioburi și nu există spațiu în care privitorul să se uite. Figurile sunt deformate și abstractizate, amintindu-ne de suprafața plană pe care este creată pictura. Cu toate acestea, Georges Braque și picturile sale omagiale aduse lui Cézanne ar fi cele care ar formula ideile centrale ale artei cubiste timpurii, numite și analitice.

Picturile lui Braque din zona L’Estaque din 1908 au arătat case și copaci dezbrăcați până la formele lor goale – formele care alcătuiesc obiectul – într-un mod haotic. Spațiul este condensat și sursa de lumină discutabilă. Braque a vrut să elimine iluzionismul picturii și să confrunte privitorul cu ceea ce este un tablou; o pânză bidimensională de semne. Întâlnindu-se cu Picasso, ei și-au propus să experimenteze această idee prin genul naturii moarte.



doamnele de

Doamnele din Avignon de Pablo Picasso , 1906, via MoMA, New York

Au vrut să pună la îndoială iluzionismul picturii și modul în care un artist poate descrie ceea ce văd – pentru că aceasta este întrebarea fundamentală pentru un artist – fără a îngheța un moment în timp. Ceea ce a oferit natura moartă a fost o modalitate de a experimenta cu deconstruirea obiectelor, restrângerea spațiului și arătând mai multe puncte de vedere. Arta cubistă analitică ar deveni mai degrabă o artă a concepției decât a percepției. A fost o idee intelectuală despre modul în care ajungem să înțelegem obiectele din jurul nostru.



Ceea ce găsim, deci, în Cubismul analitic este o pânză haotică de forme care semnifică obiecte. Titlul picturii ne va da un indiciu despre ceea ce ar trebui să căutăm. De exemplu, în Braque’s Mandora , putem vedea clar gaura sonoră și corzile mandorei, dar corzile se mișcă în mod constant de parcă ne-am mișca în timp ce ne uităm la ele. Pânza este construită din mai multe suprafețe, umbrite în mod arbitrar pentru a nu oferi privitorului nicio perspectivă despre unde se află sursa de lumină; formele din pictură sunt elidizate, creând un efect de privire în mișcare în timp. Acest tablou se joacă cu iluzia picturii, subminând acea iluzie.

georges braque pablo picasso

Mandora de Georges Braque, 1909, via Tate, Londra; cu sticle și pahare de Pablo Picasso, 1912, prin Muzeul Guggenheim, New York

Anii de mai târziu

juan grey pablo picasso cubismul

Sticlă de rom și ziar de Juan Gray , 1914, prin Muzeul Guggenheim, New York; cu Bol cu ​​fructe, vioară și sticlă de Pablo Picasso , 1914, via Tate, Londra

Mișcarea cubismului avea să se transforme în 1912 când Georges Braque a decis să lipească o bucată de pânză uleioasă pe tabloul său. Acesta a fost începutul cubismului sintetic. Arta cubistă sintetică a oferit lui Picasso și Braque o dimensiune suplimentară în jocul cu noțiunea de artă. Perioada târzie a artei cubiste analitice a integrat folosirea literelor șablonate pe pânză pentru a reaminti privitorului planeitatea acesteia, dar acum utilizarea hârtie lipită a oferit o tensiune incongruentă pe pânză, care a perturbat domeniul artei plastice.

Folosirea de către Braque a pânzei de ulei în compoziția sa a semnalat prăbușirea „artelor plastice”. Pânza de ulei a fost făcută mecanic și produsă în serie, prin urmare nu necesita abilități artistice. De fapt, Braque spunea implicit că arta plastică era un lucru al trecutului; o afirmație cu adevărat modernă. Abilitatea de a picta în mod natural a dispărut acum că se putea lipi pe o bucată ieftină de material care părea reală; în cazul lui Braque, era o pânză uleioasă care arăta ca granul de lemn.

Utilizarea colajului în arta cubistă sintetică a fost remarcabilă prin felul în care a creat tensiune pe pânză. Prin plasarea unui obiect real pe pânză lângă formele schițate, se juca cu noțiunea de iluzionism și realitate. Această ambiguitate atrage atenția asupra falsității picturii tradiționale și arăta spre epistemologică diferența dintre artă și reprezentare. Folosind o formă de artă „scăzută”, colajul, Braque și Picasso au provocat arta plastică în puterea ei de a reprezenta realitatea.

Salonul Cubist

Peisaj Albert Gleizes

Peisaj de Albert Gleizes , 1912, prin Muzeul Guggenheim, New York

Deși Braque și Picasso sunt văzuți a fi pionierii mișcării cubismului, ei au fost în afara ochiului public, creând piese pentru patronajul privat. Cu toate acestea, alți artiști precum Jean Metzinger, Fernand Leger și Robert Delaunay cultivau un stil în manieră cubistă. Acești artiști erau membri ai unui grup numit Secția D’Or și au fost pictorii de frunte în sensibilizarea publicului asupra artei cubiste.

Acești artiști cubiști diferă de Braque și Picasso în mai multe privințe. Au pictat pânze mai mari cu teme mai mărețe ca subiect; peisajele orașului, portretele și afectațiile spirituale au fost toate subiecte pentru cubiștii din Salon. Putem vedea în munca lor o ocupație cu modernitatea și crearea unei noi forme de artă pentru vremea lor. Ei erau, de asemenea, mult mai înclinați filozofic, luând idei de la filozoful influent și contemporan. Henri Bergson cu ideea lui despre Duree; toată viața există într-o unitate de memorie și viziune.

delaunay turn eiffel city cubism

Turnul Roșu Eiffel de Robert Delaunay, 1911-12; cu Orașul de Robert Delaunay , 1911, prin Muzeul Guggenheim, New York

Acest grup a oferit poate o abordare mai logică a artei cubiste, în timp ce Braque și Picasso s-au concentrat pe jocul cu arta și tradiția ei, făcând în același timp inovații stilistice. Pictorii din Secțiunea D’or au fost preocupați de modul în care un individ vede realitatea în experiența modernității și au fost preocupați de a atrage atenția publicului asupra acestei experiențe.

Arta cubistă și secolul al XX-lea

raoul hausmann critic de artă portaluri de case kurt schwitters

Criticul de artă de Raoul Hausmann , 1919-20; cu Z 105 Portaluri sau Case de Kurt Schwitters , 1918, via Tate, Londra

Demonstrația lui Braque și Picasso a artei cubiste ar avea un efect de durată asupra artei moderniste. Explorarea lor în expresia formală i-a determinat să pună la îndoială presupunerile culturale despre artă și realitate, o tehnică care ar fi preluată de Dadaismul și Suprarealism . Ei au testat diferența culturală dintre arta „înaltă” și „joasă”, creând o sinteză care ar deschide porțile către noi explorări creative.

După primul război mondial, a existat un apel pentru revenirea la ordine în pictură; haosul și distrugerea atâtor vieți au determinat o revizuire a artei; folosindu-l pentru a examina cultura, nu pentru a examina realitatea – deși acest lucru, în ansamblu, nu ar avea succes în a opri calamitatea anilor care au precedat celui de-al Doilea Război Mondial.

guernica pablo picasso

Guernica de Pablo Picasso , 1937, via Muzeul Centrului Național de Artă Reina Sofia, Madrid

Acest lucru nu a însemnat o pierdere a recunoașterii pentru experimentarea cubistă. Până la sfârșitul Primului Război Mondial, arta cubistă s-a impus ca un nou limbaj vizual al modernității, devenind ea însăși, o artă plastică. Pânzele haotice erau acum o metodă aplicabilă de exprimare. În 1937, când forțele naziste au bombardat orașul Guernica, groaza l-a determinat pe Picasso să picteze propria sa interpretare a evenimentelor pentru a crește gradul de conștientizare cu privire la distrugere. De asemenea, desigur, a folosit metoda cubistă pentru a exprima acea realitate; căci ce era distrugerea decât pulverizarea oamenilor, a clădirilor și a peisajului în cioburi împrăștiate?