Mișcarea artistică scurtă, dar extraordinară a grupului Der Blaue Reiter

Wassily Kandisky Călărețul Albastru

Calul Albastru I de Franz Marc , 1911, via Lenbachhaus Museum, München; Fotografie Franz Marc , 1910; Coperta schiță a Almanahului Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky , 1911, via Lenbachhaus Museum, München; Fotografie Wassily Kandinsky , prin Muzeul Leicester



Începutul anului 20thsecolul a adus cu el revoluții și progrese în modul în care era privită și creată arta. Der Blaue Reiter sau The Blue Rider Group a fost fondat în Munchen, Germania, ca răspuns împotriva metodelor tradiționale de artă. Arta lor a explorat relațiile dintre artă, muzică, culoare și spiritualism. Chiar dacă grupul a fost de scurtă durată, arta și ideile lor au contribuit la dezvoltarea expresionismului german.





Începutul Călărețului Albastru

muntele albastru wassily kandinsky

Muntele Albastru de Wassily Kandinsky , 1908/09, prin Muzeul Guggenheim, New York

Grupul a fost fondat de un amestec de emigranți ruși și artiști nativi germani în 1911. Unele dintre cele mai recunoscute nume ale grupului includ Vasili Kandinsky și Franz Marc care au fost membrii principali care au modelat viziunea generală a grupului. Alți artiști includ Alexei Von Jawlensky , Gabriele Munter , Marianne von Werefkin , August Mack , și Paul Klee . Ei au format grupul în respingerea unei alte mișcări artistice germane, Neue Künstlervereinigung München (Noua Asociație a Artiștilor din München). S-au străduit să creeze un nou val de artă modernă care s-a separat de arta convențională și conformistă a predecesorilor lor. Au devenit interesați să creeze artă care exprimă emoții mai degrabă decât să înfățișeze scene literale. În timp ce fiecare artist individual a abordat subiectul și tehnica în mod diferit, toți au împărtășit aceleași idei de a crea artă ca o conexiune cu spiritualul prin utilizarea culorii.



Semnificația din spatele numelui Der Blaue Reiter

Călărețul albastru

Călărețul Albastru de Wassily Kandinsky, 1903

Numirea grupului poate fi simplificată prin faptul că lui Marci îi plăceau caii și lui Kandinsky îi plăceau călăreții, așa că împreună au creat numele Der Blaue Reiter. Cu toate acestea, există mai multă substanță în motivul pentru care caii, călăreții și culoarea au însemnat atât de mult pentru acest grup și au contribuit la numele și identitatea lor de durată.

Pictura Călărețul Albastru este văzută ca pictura care a devenit baza pentru numele grupului Der Blaue Reiter. Kandinsky a pictat imaginea în 1903 și este una dintre primele picturi în care a trecut la un stil mai abstract. Călărețul din nume a ajuns să simbolizeze trecerea de la lumea fizică la cea spirituală. Această idee provine de la războinicii și cavalerii creștini medievali, precum Sfântul Gheorghe, care au inspirat grupul. Povestea Sfântului Gheorghe care ucide un dragon joacă un rol major în lucrările timpurii ale lui Kandinsky. Pentru ei, aceasta a reprezentat moartea celor vechi și nașterea unui început. Călărețul este purtătorul unei treziri divine și al unei renașteri a artei. Membrii Der Blaue Reiter au văzut materialismul epocii lor ca un blocaj împotriva înțelegerii spirituale a minții și a sufletului.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc! cai mari albastri

Marii cai albaștri de Franz Marc , 1911, prin Walker Art Center, Minneapolis



Culoarea albastră a devenit manifestarea literală a transcendentului și divinului pe care acești artiști au folosit-o în arta lor. Albastrul a fost văzut ca cea mai spirituală și liniștitoare culoare care este văzută în mod constant într-o varietate de lucrări de artă ale grupului. Albastrul a fost folosit frecvent împreună cu caii lui Franz Marc, deoarece împreună reprezintă călătoria lumii materiale către una mai cerească. Albastrul este, de asemenea, legat de masculinitate, în timp ce galbenul era mai feminin. Roșul reprezenta lumea fizică și naturală în comparație cu caracterul de altă lume a culorii albastre. Combinația de albastru și călăreț reprezintă bătălia dintre bine și rău. Pentru ei, relele de la începutul anilor 20thsecolul au fost tehnologiile moderne, științele și industrialismul urban.

Almanahul Călărețului Albastru

coperta almanahului călărețului albastru

Coperta The Blue Rider Almanac de Wassily Kandinsky, Franz Marc și Jean Arp , 1914, prin Galeria de Artă din Ontario, Toronto



Călăreții albaștri Almanahul este o colecție de eseuri, ilustrații și partituri muzicale care a devenit baza pentru obiectivele grupului. Pe coperta cărții este emblema Sfântului Gheorghe a grupului. Prima ediție a inclus 1200 de exemplare cu 50 de ediții de lux care includ gravuri în lemn de Wassily Kandinsky și Franz Marc. Gravurile în ediție limitată în lemn intitulate (arcaș) arcaș , de Kandinsky; și Fabletier (Creatură fantastică) , de Marc apar doar în prima ediție. Grupul a publicat această primă carte doar deoarece Primul Război Mondial a întrerupt planurile pentru o secundă. Cartea conține, de asemenea, partituri muzicale de Arnold Schönberg și Alexander Scriabin, Schönberg contribuind cu un eseu, precum și cu partituri pentru trei compoziții. Sunetul galben al lui Kandinsky (Der gelbe Klang) este de asemenea inclus. Cartea conținea nu numai imagini cu lucrările grupului, ci și alți artiști, inclusiv Pablo Picasso , Vincent van Gogh , și Henri Matisse .

Călărețul albastru

Călărețul Albastru de Franz Marc și Wassily Kandinsky , 1912, prin Muzeul de Arte Frumoase din Boston



Există, de asemenea, imagini cu opere de artă medievale, renascentiste, populare și non-europene. Acestea au inclus statui africane, desene cu cerneală asiatică, artă populară și picturi pe sticlă inversă din Bavaria. Artiștii nepregătiți și artiștii populari a căror artă ar fi fost numită primitivă în acea perioadă le-au inspirat arta. Simpla abstracție a formelor și a subiectului îi determină pe membrii grupului să creeze imagini care s-au abătut din ce în ce mai mult de la lumea naturală. Ceea ce face importantă această carte este efortul de colaborare care a fost depus în realizarea ei. Prin plasarea imaginilor de artă dintr-o gamă largă de culturi, artiști, muzicieni și critici, a arătat că toată arta poate trăi simultan într-un singur spațiu. Arată că există loc pentru toate tipurile de artă și cât de mult o influențează fiecare pe cealaltă.

Influența Culorii

fată cu pălărie de flori alexej von jawlensky

Fată tânără cu o pălărie înflorită de Alexei Von Jawlensky , 1910, via Muzeul Albertina, Viena (stânga); cu Patru fete (Patru fete) de August Macke , 1912/13, prin Museum Kunstpalast, Düsseldorf (dreapta)



Culoarea a jucat un rol major în lucrările lui Der Blaue Reiter. După cum se vede în pictura de mai sus, există o distincție clară între aplicațiile de culoare între diferiți membri ai aceluiași grup. fauvism are legături cu grupul Der Blaue Reiter, în special cu Gabriele Münter și Alexej Von Jawlensky. Similar cu o carte de colorat, ei ar plasa culoarea în linii groase și întunecate, astfel încât să creeze contrast și dimensiune. Portretele lui Jawlensky demonstrează această legătură între culoare și emoție. S-a concentrat în primul rând pe capetele figurilor, mai degrabă decât pe portretele întregului corp. El a folosit culori vii brute pentru a arăta cum culoarea poate deveni esența ființei cuiva.

August Macke Alexey von Jawlensky

Doamnă într-un parc de August Macke , 1914, MoMA, New York (stânga); cu Mantila albastră de Alexei Von Jawlensky , 1913, prin Muzeul Israelului, Ierusalim (dreapta)

O altă inspirație a venit din lucrările lui Robert Delaunay și orfism , care i-ar inspira pe August Macke și Franz Marc. Au fost surprinși de folosirea de către Delaunay a culorii, unde aceasta este divizată în fragmente de culoare. Ritmul joacă un rol enorm în acest sens, deoarece Delaunay credea că culorile se mișcă înaintea viziunii cuiva la fel de mult ca lumea naturală. Acest lucru l-a influențat pe Macke să picteze forme care sunt tăiate în secțiuni cu forme unghiulare foarte distincte. Subiecții săi includ femei din magazine universale, plimbări în parcuri sau grupuri de femei în activitate cărora le aplică această tehnică. În comparație cu Alexej Von Jawlensky, Macke folosește forme foarte distincte, care sunt aproape cubiste, în timp ce Jawlensky folosește liber pensule mai expresive.

Culoarea a împins limitele expresionism întrucât artiștii l-au folosit pentru a afișa cele mai intime sentimente spirituale pe care le-au simțit în timp ce pictau. Folosirea culorilor a devenit mai liberă și mai puțin supusă tociunii realității. A împins limitele exterioare a ceea ce era considerat adecvat pentru pictura tradițională. Culoarea a jucat, de asemenea, o importanță majoră pentru Kandinsky, care a folosit-o împreună cu exprimarea emoțiilor prin sunet.

Culoarea Muzicii

Impresia iii Wassily Kandinsky

Impression III (Concert) de Wassily Kandinsky , 1911, prin Muzeul Lenbachhaus, München

Muzica și legătura ei cu culoarea joacă un rol cheie în picturile abstracte ale lui Wassily Kandinsky. Sinestezia, abilitatea de a auzi, gusta sau mirosi culoarea, este un concept care l-a introdus pe Kandinsky în utilizarea culorii ca reprezentare a simțurilor fizice. Fiecare culoare a reprezentat, de asemenea, diferite secțiuni ale unei orchestre și împreună aceste combinații de culori creează o simfonie de culori. Acest lucru a avut un impact și asupra artistului Paul Klee și asupra dezvoltării sale în artă abstractă. Muzica a fost, de asemenea, o mare inspirație pentru el, deoarece atât el, cât și Kandinsky au studiat muzica în tinerețe.

Culori bazate pe Kandinsky cu emoții specifice și chiar instrumente. Picturile sale sunt simfonii de culoare, fiecare culoare provocând un răspuns emoțional diferit. Galbenul este o culoare pământească, iar cu cât galbenul este mai strălucitor, cu atât provoacă sentimente mai haotice și stridente. Albastrul este calmant și ceresc, ceea ce ajută la temperarea galbenului. Roșiile sunt puternice și dinamice care simbolizează tobe adânci sau crescendo de trâmbițe. Verdele este cea mai calmă culoare, reflectând tonurile moi ale unei viori. Violetele sunt melancolice și sunt asemănătoare muzicii îndurerate de corn sau cimpoi. În cele din urmă, negrul reprezintă finalul unei piese muzicale, în timp ce, în contrast, albul este momentul în care toate celelalte sunete devin mut.

Deși picturile sale pot părea spontane și pot părea ca și cum Kandinsky le-a finalizat pe loc, acest lucru este de fapt fals. La fel ca un compozitor care aranjează note pe o partitură muzicală, Kandinsky a pictat ca și cum notele ar fi vopsea, iar pânza ar fi partituri. Fiecare plasare de culoare a fost intenționată și uneori i-ar fi nevoie de ani pentru a finaliza aceste tipuri de picturi muzicale.

Femeile Călărețului Albastru

marianne von werefkin gabriele perky

Autoportret (Autoportret) de Marianne Von Werefkin , 1910, prin Muzeul Lenbachhaus, München (stânga); cu Auto portret de Gabriele Münter , 1908, Muzeul Național Thyssen-Bornemisza, Madrid (dreapta)

În cadrul Der Blaue Reiter au existat artiști feminini, printre care Marianne Von Werefkin, Gabriele Münter, Natalia Goncharova și Clotilde von Derp. Atât Werefkin, cât și Münter au jucat roluri critice în ceea ce privește stilul și progresele pe care le-au făcut pentru artiștile expresioniste de sex feminin. Ambii artiști au fost parteneri cu alți membri ai grupului: Werefkin cu Jawlensky și Münter cu Kandinsky în acest timp. Werefkin și-ar fi dat înapoi propria carieră și și-ar fi campionat Jawlensky ca artist, creând chiar și o expoziție pentru el. Erau femei într-un grup de bărbați și au suferit limitele de a fi femei. Cu toate acestea, ei au fost încă capabili să producă lucrări care au deschis calea viitoarelor artiste expresioniste.

jawlensky și werefkin gabriele munter

Jawlensky și Werefkin de Gabriele Münter , 1908/09, via Lenbachhaus Museum, München

Lucrarea lui Gabriele Münter se caracterizează prin utilizarea culorilor îndrăznețe și prin conturarea subiectelor cu linii negre și groase. Picturile ei au o perspectivă compactă care se înregistrează ca plată pentru privitor. Ea se concentrează pe compoziția de culoare a subiecților ei umplându-le cu culori vibrante asemănătoare fauviștilor francezi. Fie că este vorba de portrete sau peisaje, lucrările lui Münter au forme simpliste care reflectă inspirația ei din arta populară tradițională din Bavaria și chiar picturile pentru copii. Ea nu a devenit niciodată complet abstractă ca Wassily Kandinsky, ci mai degrabă a creat artă figurativă care încă semăna cu realitatea. Această mișcare către o apariție simplă și de copil este reprezentativă pentru dorința grupului de a se întoarce la crearea unei arte care era primitivă. Ea a creat, de asemenea, vieți moarte cu imagini ale artefactelor tradiționale bavareze sau iconografie religioasă.

mașină de spălat

spălători de Marianne Von Werefkin , 1909, prin Muzeul Lenbachhaus, München

Arta lui Marianne Von Werefkin s-ar concentra pe imaginile femeilor și ale celor săraci în lucrările ei. Lucrarea ei arată diferența în modul în care erau reprezentate femeile la începutul anilor 19thsecol. În comparație cu contemporanii ei, ea a înfățișat femeile lucrând și cocoșate pe spate pe un fundal de fluxuri de culoare. Folosirea ei a culorii și a pensulei expresive au fost influențe ale lui Edvard Munch și Vincent Van Gogh, care au folosit și culoarea pentru a exprima sufletul. Ea a folosit o paletă de culori mai închisă, cu tonuri mai profunde de roșu și negru, în special pentru îmbrăcămintea femeilor. Werefkin prezintă femeile care au fost muncitoare și în forța de muncă în timpul ascensiunii industrialismului. Picturile ei combinau realitățile dure ale femeilor din epoca ei cu splendoarea supranaturală a peisajelor ei.

Singurul membru american al lui Der Blaue Reiter

alber bloch natura moartă

Natura moartă III de Albert Bloch , 1914, via Des Moines Art Center

Albert Bloch este un pictor american care s-a mutat în Germania în 1909. S-a alăturat grupului Der Blaue Reiter în 1911, după ce Wassily Kandinsky și Franz Marc au vizitat studioul lui Bloch. A fost singurul artist american care s-a alăturat grupului. În timpul șederii sale în Germania, și-a dezvoltat propriul stil la fel ca și restul membrilor. A folosit frecvent imagini cu arlechini dansând, clovni cântând la instrumente, precum și interpretarea Pierrots. Aceasta a fost interpretarea lui Bloch a modului în care se poate vedea muzica într-o formă de artă vizuală. În comparație cu alți membri ai grupului, Bloch nu este la fel de cunoscut sau recunoscut pentru munca sa în arta modernă. În cele din urmă, s-a mutat în Kansas, unde a predat la Universitatea din Kansas până la pensionare.

Tabloul de mai sus este un exemplu al lucrării lui Bloch și al conexiunii sale cu Der Blaue Reiter. A lui Natura moartă III nu are un prim plan sau fundal vizibil și, în schimb, Bloch reprezintă obiecte care plutesc aparent în aer. Ele reprezintă amestecarea granițelor dintre lumile spirituale și cele fizice. Bananele și alte fructe par să fie închise în propriile lor aure, dând viață unor obiecte aparent neînsuflețite. Liniile sale sunt foarte fluide și ondulate, ceea ce înclină, de asemenea, spre o reprezentare mai spirituală a unei naturi moarte. El a păstrat întotdeauna stilul și filosofia lui Der Blaue Reiter chiar și după sfârșitul său final.

Sfârșitul Călărețului Albastru

kornfeld bei carantec alexej von jawlensky

Kornfeld bei Carantec (Câmp de porumb la Carantec) de Alexei Von Jawlensky , 1905, via Muzeul Albertina, Viena

Începutul Primului Război Mondial a fost efectiv sfârșitul grupului. Războiul a cuprins Europa și membrii Der Blaue Reiter. Membrii ruși ai grupului, inclusiv Wassily Kandinsky, Alexej Von Jawlensky și Marianne Von Werefkin, au fost trimiși înapoi în Rusia din cauza naționalității lor. Atât Franz Marc, cât și August Macke au fost recrutați în armata germană unde, din păcate, amândoi au fost uciși.

După aceea, Jawlensky s-a mutat în Elveția și în 1924 a creat grupul Die Blaue Vier (The Blue Four) care includea Paul Klee, Lyonel Feininger și Kandinsky. Bloch s-a întors în Statele Unite la sfârșitul Primului Război Mondial, unde și-a început o carieră în predare. Majoritatea lucrărilor pe care le-a creat în Europa au fost distruse în timpul bombardamentelor din cel de-al Doilea Război Mondial. El a adus înapoi doar câteva dintre picturile sale europene. Acum sunt afișate doar în propriile înregistrări personale, care includ fotografii ale picturilor pierdute.

În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, arta modernă a devenit o țintă a regimului nazist în anii 1930-1940, unde a fost considerată degenerată și considerată a fi o ofensă la adresa regimului. Münter a continuat să creeze artă modernă în această perioadă, chiar dacă s-a confruntat cu reacții și restricții. În timp ce naziștii încercau să confisque operele de artă, ea și-a ascuns picturile, precum și cele ale lui Kandinsky și ale celorlalți colegi de la Der Blaue Rider, în propria ei casă din Murnau. În timpul regimului nazist, Jawlensky, Klee și alți membri ai artei grupului au fost luați și plasați în expoziția de Artă degenerată în 1937.