10 artiști LGBTQIA+ pe care ar trebui să-i cunoașteți

Romantism jamaican de Felix d’Eon, 2020 (stânga); cu Dragoste la vânătoare de Felix d’Eon, 2020 (dreapta)

De-a lungul istoriei și până în prezent, arta a funcționat ca o sursă de solidaritate și eliberare pentru oamenii din comunitatea LGBTQIA+. Indiferent de unde provine artistul sau publicul sau cu ce obstacole s-ar fi confruntat în calitate de persoane LGBTQIA+, arta este puntea pentru a se uni oameni din toate categoriile sociale. Iată o privire a zece artiști LGBTQIA+ extraordinari care își folosesc arta pentru a se conecta la publicul lor queer și pentru a-și explora propriile identități unice.

În primul rând, să ne uităm la cinci artiști decedați care au deschis calea artiștilor LGBTQIA+ de astăzi. Indiferent de climatul social sau politic din jurul lor, ei au depășit acele obstacole pentru a crea artă care vorbește cu identitatea și publicul lor LGBTQIA+.

Artiști LGBTQIA+ din secolul al XIX-lea

Simeon Solomon (1840-1905)

Simeon Solomon , prin Arhiva de Cercetare Simeon Solomon

Considerat de unii savanți ca prerafaelitul uitat , Simeon Solomon a fost artist evreu în Anglia la sfârșitul secolului al XIX-lea. Solomon a fost o persoană remarcabilă care, în ciuda numeroaselor provocări cu care s-a confruntat, a continuat să producă artă frumoasă care să-i exploreze identitatea unică și multifațetă.

În Safo și Erinna , una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Solomon, The Poetul grec Safo , o persoană legendară devenită sinonimă cu identitatea ei lesbiană, împărtășește un moment tandru cu iubita Erinna. Cei doi împărtășesc în mod explicit un sărut - această scenă moale și romantică nu lasă prea mult loc pentru interpretări heterosexuale.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Sappho și Erinna într-o grădină la Mytilene de Simeon Solomon , 1864, via Tate, Londra

Apropierea fizică senzuală, figurile androgine și mediile naturale sunt toate elementele folosite de prerafaeliți , dar Solomon a folosit acest stil estetic pentru a reprezenta oameni ca el și pentru a explora dorința homoerotică și romantismul. Solomon va fi în cele din urmă arestat și întemnițat pentru tentativă de sodomie, iar în acest moment va fi respins de elita artistică, inclusiv de mulți dintre artiștii prerafaeliți la care ajunsese să-i aprecieze. Timp de mulți ani a trăit în sărăcie și exil social, cu toate acestea, a realizat lucrări de artă cu teme și figuri LGBTQIA+ până la moartea sa.

Violet Oakley (1874-1961)

Pictura Violet Oakley , prin Muzeul Norman Rockwell, Stockbridge

Dacă ați umblat vreodată pe străzi și ați vizitat siturile istorice din orașul Philadelphia, Pennsylvania, cel mai probabil v-ați întâlnit față în față cu o serie de lucrări ale Violet Oakley . Născut în New Jersey și activ în Philadelphia la începutul secolului al XX-lea, Oakley a fost pictor, ilustrator, muralist și artist cu vitralii. Oakley a fost inspirat de prerafaeliți și Mișcarea Arte și Meserii , atribuindu-i gama de aptitudini.

Oakley a fost însărcinat să realizeze o serie de picturi murale pentru clădirea Capitoliului de Stat din Pennsylvania, care ar dura 16 ani pentru a fi finalizate. Lucrarea lui Oakley a făcut parte din alte clădiri notabile din Philadelphia, cum ar fi Academia de Arte Frumoase din Pennsylvania, Prima Biserică Presbiteriană și Casa Charlton Yarnell. Casa Charlton Yarnell sau Casa Înțelepciunii , așa cum a fost numit, conține o cupolă cu vitralii și picturi murale inclusiv Copilul și tradiția .

Copilul și tradiția de Violet Oakley , 1910-11, via Woodmere Art Museum, Philadelphia

Copilul și tradiția este un exemplu perfect al lui Oakley gândire înainte perspectiva care a fost prezentă în aproape toate lucrările ei. Murale care conțin viziuni ale unei lumi feministe în care bărbații și femeile există în mod egal și în care o scenă domestică ca aceasta este reprezentată într-o lumină inerent ciudată. Două femei cresc copilul și sunt înconjurate de figuri alegorice și istorice care simbolizează o educație diversă și progresivă.

În viața lui Oakley, ea a primit înalte medalii de onoare, a primit comisii importante și a predat la Academia de Arte Frumoase din Pennsylvania, devenind prima femeie care a făcut multe dintre aceste lucruri. Ea a făcut toate acestea și multe altele cu sprijinul partenerului ei de viață, Edith Emerson , un alt artist și lector la PAFA. Moștenirea lui Oakley este una care definește orașul Philadelphia până în prezent.

Artiști LGBTQIA+ din secolul XX

Claude Cahun (1894-1954)

Fără titlu (Autoportret cu oglindă) de Claude Cahun și Marcel Moore , 1928, prin Muzeul de Artă Modernă din San Francisco

Claude Cahun s-a născut la Nantes, Franța, la 25 octombrie 1894 sub numele de Lucy Renee Mathilde Schwob. Până la vârsta de douăzeci de ani, avea să ia numele Claude Cahun, ales pentru neutralitatea de gen. În al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea , Franța prospera cu oameni care puneau la îndoială normele sociale, cum ar fi identitatea de gen și sexualitatea, oferind unor oameni precum Cahun spațiul pentru a se explora pe ei înșiși.

Cahun a făcut în primul rând fotografie, deși a jucat și în piese de teatru și în diverse piese de artă performanță. Suprarealism a definit o mare parte din munca ei. Folosind recuzită, costume și machiaj, Cahun a pregătit scena pentru a crea portrete care să provoace publicul. În aproape toate autoportretele lui Cahun, ea se uită direct la privitor, cum ar fi în Autoportret cu oglindă , unde ea ia un motiv stereotip feminin al unei oglinzi și îl evoluează într-o confruntare despre gen și sine.

Claude Cahun [stânga] și Marcel Moore [dreapta] la lansarea cărții lui Cahun Aveux non Avenues , prin Daily Art Magazine

În anii 1920, Cahun s-a mutat la Paris cu Marcel Moore, partenerul ei de viață și colegul artist. Perechea va colabora pentru tot restul vieții în artă, scris și activism. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, când germanii au început să ocupe Franța, cei doi s-au mutat în Jersey, unde au luptat neobosit împotriva germanilor scriind poezii sau tipărind știri britanice despre naziști și plasând aceste fluturași în locuri publice pentru ca soldații naziști să le citească.

Beauford Delaney (1901-1979)

Beauford Delaney în studioul său , 1967, prin New York Times

Beauford Delaney a fost un pictor american care și-a folosit opera pentru a înțelege și a face față luptelor sale interne în jurul sexualității sale. Născut în Knoxville, Tennessee, viziunea sa artistică l-ar duce la New York în timpul Renașterea Harlem , unde s-a împrietenit cu alți creativi ca el, precum James Baldwin.

Am aflat despre lumină de la Beauford, spune Delaney Baldwin într-un interviu pentru revistă Tranziție în 1965 . Lumina și întunericul joacă un rol major în Delaney Expresionist tablouri, ca acesta Auto portret din 1944. În ea se remarcă imediat privirea izbitoare. Ochii lui Delaney, unul negru și altul alb, par să îți atragă atenția și te obligă să-i contemplezi luptele și gândurile și dezvăluie publicului un loc transparent și vulnerabil.

Autoportret de Beauford Delaney, 1944 prin Institutul de Artă din Chicago

Delaney și-a folosit arta pentru a discuta și chestiuni universale. A realizat picturi cu figura cheie a drepturilor civile, Rosa Parks, în seria sa Rosa Parks. Într-o schiță timpurie a uneia dintre aceste picturi, Parks stă singur pe o bancă de autobuz și a scris lângă ea cuvintele Nu voi fi mișcat. Acest mesaj puternic răsună în lucrările lui Delaney și continuă să modeleze moștenirea lui inspiratoare.

Tove Jansson (1914-2001)

Trove Jansson cu una dintre creațiile ei , 1954, prin The Guardian

Tove Jansson a fost un artist finlandez cel mai cunoscut pentru ea Mumin benzi desenate, care urmăresc aventurile trolilor Moomin. Deși benzile desenate sunt mai orientate pentru copii, poveștile și personajele abordează o serie de teme pentru adulți, făcându-le populare pentru cititorii de toate vârstele.

Jansson a avut relații cu bărbați și femei în viața ei, dar când a participat la o Petrecerea de Crăciun în 1955 , a cunoscut-o pe femeia care avea să-i fie partenerul de viață, TuulikkiPietilä. Pietilä era ea însăși o artistă grafică și, împreună, aveau să crească lumea Moominilor și să-și folosească munca pentru a vorbi despre relația lor și despre luptele de a fi queer într-o lume nu atât de acceptabilă.

Moomintroll și Too-ticky în Moominland Winter de Tove Jansson , 1958, prin intermediul site-ului oficial Moomin

Există multe paralele între personajele lui Moominvalley și oamenii din viața lui Jansson. Personajul Moomintroll [stânga] o reprezintă pe Tove Jansson însăși, iar personajul Too-Ticky [dreapta] reprezintă partenerul ei Tuulikki.

In poveste Moominland Iarna , cele două personaje vorbesc despre anotimpul ciudat și neobișnuit al iernii și despre cum unele creaturi nu pot ieși decât în ​​această perioadă de liniște. În acest fel, povestea descrie în mod inteligent experiența universală LGBTQIA+ de a fi închis, a ieși la exterior și a avea libertatea de a-și exprima identitatea.

Acum, să ne uităm la cinci artiști fără scuze care își folosesc arta astăzi pentru a-și spune adevărurile. Puteți descoperi mai multe și chiar susține unii dintre acești oameni în linkurile încorporate mai jos.

Artiști LGBTQIA+ contemporani pe care ar trebui să-i cunoașteți

Mickalene Thomas (New York, S.U.A.)

Născut în Camden, New Jersey și activ acum în New York, Mickalene Thomas Colaje îndrăznețe, picturi murale, fotografii și picturi prezintă oameni LGBTQIA+ de culoare, în special femei, și caută să redefinească lumea artei deseori alb/bărbați/heterosexuali.

Prânz pe iarbă: Cele trei femei negre de Mickalene Thomas , 2010, prin intermediul site-ului web al lui Mickalene Thomas

Compoziția de Cele trei femei negre s-ar putea să vă pară cunoscut: a lui Édouard Manet Pranz pe iarba, sau Pranz pe iarba , este o imagine în oglindă a picturii lui Thomas. Luarea operelor de artă de-a lungul istoriei care sunt considerate capodopere și crearea de artă care vorbește unui public mai divers este o tendință în arta lui Thomas.

Într-un interviu cu Muzeul de Artă din Seattle, Thomas spune:

Mă uitam la figuri occidentale precum Manet și Courbet pentru a găsi o legătură cu corpul în relație cu istoria. Pentru că nu vedeam corpul negru scris despre artă din punct de vedere istoric, în relație cu corpul alb și cu discursul - nu era acolo în istoria artei. Și așa am pus la îndoială asta. Eram foarte îngrijorat de acel spațiu special și de modul în care era gol. Și am vrut să găsesc o modalitate de a revendica acel spațiu, de a-mi alinia vocea și istoria artei și de a intra în acest discurs.

Mickalene Thomas în fața lucrării ei , 2019, prin intermediul revistei Town and Country

Thomas preia subiecte precum nudul feminin, unul care este adesea sub privirea masculină, și le întoarce. Fotografând și pictând prieteni, membri ai familiei și iubiți, Thomas creează o conexiune reală cu persoanele pe care le caută pentru inspirație artistică. Tonul muncii ei și mediul în care o creează nu este unul de obiectivitate, ci mai degrabă de eliberare, sărbătoare și comunitate.

Zane Muholi (Umlazi, Africa de Sud)

Somnyama Ngonyama II, Oslo de Zane Muholi , 2015, prin Seattle Art Museum

Un artist și activist , Muholi folosește fotografia intima pentru a crea capturi afirmative și a stârni discuții sincere despre persoanele transgender, non-binare și intersexuale. Indiferent dacă scena este una de râs și simplitate, sau un portret brut al individului care se angajează în ritualuri explicit transgender, cum ar fi legarea, aceste fotografii luminează viețile acestor oameni adesea șterse și tăcuți.

Văzând fotografii cu persoane trans, non-binare și intersexuale pur și simplu fiind ei înșiși și mergând la rutine zilnice, colegii spectatori LGBTQIA+ pot simți solidaritate și validare în adevărurile lor vizuale.

Criza ID , din Doar jumătate din imagine serial de Zanele Muholi , 2003, via Tate, Londra

Criza ID arată un individ care se angajează în practica legării, una la care mulți oameni trans și non-binari se pot raporta. Muholi surprinde adesea acest tip de acte și, în această transparență, luminează spectatorii lor umanitatea oamenilor trans, indiferent de modul în care se identifică. Muholi creează în munca lor o reprezentare sinceră, adevărată și respectuoasă, iar acest tip de muncă este esențial. Arta lui Zanele Muholi a fost expusă în muzee importante, cum ar fi Tate , cel Guggenheim , și Muzeul de Artă din Johannesburg.

Kjersti Faret (New York, S.U.A.)

Kjersti Faret lucrează în atelierul ei , prin intermediul site-ului Cat Coven

Kjersti Faret este o artistă care își câștigă existența vânzând lucrările ei de artă pe îmbrăcăminte, petice și ace și hârtie, toate serigrafiate manual. Opera ei este în mare parte inspirată din manuscrisele medievale, Art Nouveau , moștenirea ei norvegiană, ocultismul și, mai ales, pisicile ei. Folosind o estetică inspirată de mișcările artistice din trecut și cu o întorsătură magică, Faret creează scene de feerie, umor și, adesea, reprezentare queer.

În tabloul ei, Îndrăgostiți , Faret creează o scenă capricioasă de basm cu o poveste lesbiană cu harpie. Faret își împărtășește gândurile despre pictură pe pagina ei de Instagram @cat_coven :

A început ca o tăietură experimentală de hârtie, doar din harpia maro auriu. Odată ce a terminat, am vrut să creez un mediu în care să o plasez. De asemenea, am simțit nevoia să fac ceva artă gay și astfel s-a născut iubitul ei. Mi-am lăsat subconștientul să mă conducă în călătoria de a termina ilustrația. În mod spontan, am făcut creaturi mici să locuiască în lume, să-i înveselească pe îndrăgostiți. Îmi imaginez că acesta este momentul după povestea lor epică de dragoste în care ajung în sfârșit împreună, acel moment chiar înainte de a se săruta și The End să se mâzgălească pe ecran. O sărbătoare a iubirii ciudate.

Îndrăgostiți de Kjersti Faret , 2019, prin Site-ul lui Kjersti Faret

Anul trecut, Faret a găzduit o expoziție de modă și artă în Brooklyn cu alte creații queer numite the Menajeria Mistică .Pe pistă au fost expuse piese vestimentare și costume realizate manual, inspirate de arta medievală, și au existat, de asemenea, cabine pentru zeci de artiști locali pentru a-și expune și vinde lucrările. Faret continuă să o actualizeze magazin de artă în mod regulat, creând totul, de la prima schiță până la pachetul capricios care ajunge în cutia poștală.

Soc McDaniel (Florida, S.U.A.)

Soc McDaniel , prin intermediul site-ului web al lui Shock McDaniel

Shoog McDaniel este un fotograf non-binar care creează imagini uimitoare care redefinesc grăsimea și celebrează corpurile de toate dimensiunile, identitățile și culorile. Luând modele în diverse medii în aer liber, cum ar fi un deșert stâncos, o mlaștină floridiană sau o grădină de flori, McDaniel găsește paralele armonioase în corpul uman și în natură. Această acțiune puternică afirmă că grăsimea este naturală, unică și frumoasă.

Într-un interviu cu Teen Vogue, McDaniel își împărtășește părerile despre paralela dintre oamenii grasi/queer și natură:

De fapt, încerc să lucrez la această carte despre corpuri numită Corpuri ca oceanele … Conceptul este că corpurile noastre sunt vaste și frumoase și, ca un ocean, sunt pline de diversitate. Practic, este doar un comentariu despre ceea ce trecem zilnic și despre frumusețea pe care o avem și care nu se vede. Asta voi evidenția și părțile corpului, voi face poze de dedesubt, voi face poze din lateral, voi arăta vergeturile.

Atingere de Shoog McDaniel , prin site-ul web al lui Shock McDaniel

Atingere , una dintre numeroasele fotografii ale lui McDaniel cu modele sub apă, arată jocul gravitațional al corpurilor de grăsime care se mișcă în mod natural în apă. Puteți vedea rulourile, pielea moale și împingerea și tragerea în timp ce modelele înoată. Misiunea lui McDaniel de a captura oameni grasi/queer în medii naturale produce nimic mai puțin decât opere de artă magice care oferă solidaritate oamenilor grasi LGBTQIA+.

Felix d'Eon (Orașul Mexico, Mexic)

Felix d'Eon , prin Revista Nailed

Felix d’Eon este un artist mexican dedicat artei iubirii queer, (din Instagram-ul lui bio) și cu adevărat, munca lui reprezintă spectrul larg de oameni LGBTQIA+ din întreaga lume. O bucată ar putea fi dintr-un persoană Shoshone cu două spirite , un cuplu de evrei homosexuali sau un grup de satiri trans și fauni care se zboară în pădure. Fiecare pictură, ilustrație și desen este unică și indiferent de antecedentele, identitatea sau sexualitatea ta, te vei putea regăsi în lucrările lui.

Există cu siguranță o conștientizare a istoriei artei în arta lui d’Eon. De exemplu, dacă alege să picteze un cuplu japonez din secolul al XIX-lea, o va face în stilul Ukiyo-E imprimeuri în lemn. El face, de asemenea, benzi desenate în stil mijlocul secolului, cu supereroi gay și răufăcători. Uneori va lua o figură istorică, poate un poet și creați o piesă bazată pe o poezie pe care au scris-o. O fațetă mare a lucrării lui d’Eon este de tradițional mexican și folclor și mitologie aztecă, iar cel mai recent a creat un întreg pachet de tarot aztec.

Serenada de Felix d'Eon

Felix d’Eon creează artă care celebrează toți oamenii LGBTQIA+ și îi plasează în medii contemporane, istorice sau mitologice. Acest lucru permite publicului său LGBTQIA+ să se vadă în narațiunea istoriei artei. Această misiune este vitală. Trebuie să examinăm arta trecutului și să redefinim arta prezentului pentru a crea un viitor artistic onest, incluziv și acceptabil.