Arta conștientizării: înțelegerea artei ecologice în 8 lucrări

Detaliu de Wheatfield – O confruntare de Agnes Denes, 1982 (stânga); cu Tunelurile Soarelui de Nancy Holt , 1973-76, Great Basin Desert, prin Holt/Smithson Foundation, Santa Fe (dreapta)

Arta ecologică există acolo în marele dincolo, formând o legătură semnificativă cu „mediul” din jurul său. Este un stil de artă extrem de variat, care a apărut în locuri din întreaga lume, de la parcuri ale orașului și colțuri de străzi până la marea sălbăticie nealterată, încurajându-ne să contemplăm relația noastră complexă și uneori conflictuală cu lumea din jurul nostru. Dar, de cele mai multe ori, arta ecologică este făcută pentru cadru sălbatic în aer liber, sărbătorind conexiunea noastră adânc înrădăcinată cu lumea naturală.

În ultima vreme, există și un mesaj ecologic în multă artă ecologică, promovând conștientizarea crizei schimbărilor climatice și a efectelor dăunătoare pe care stilul nostru de viață le are asupra ecosistemului. De la intervenții extinse în locații îndepărtate până la tuneluri uriașe perforate și alei pline cu cioburi de sticlă spartă, examinăm 8 dintre cele mai puternice și influente exemple de artă ecologică de-a lungul istoriei.

Creșterea gradului de conștientizare: istoria artei ecologice

Regele furtunii Câmpul de undă de Maya Lin , 2007-08, prin Storm King Art Center, Orange County

Ființele umane și-au pus amprenta asupra universului de milenii, de la cercuri de piatră la totemuri monolitice ale puterii. Pe tot parcursul Perioada Renașterii , această relație armonioasă cu natura a trecut la una de mitologie și narațiune, persistând pe tot parcursul apariției romantismului, Realism ,și Impresionism . Dar, în secolul al XX-lea, artiștii s-au întors treptat la angajamentul direct, fizic, cu pământul timpurilor străvechi.

În anii 1950 și 1960, artiștii au început să experimenteze cu forme de artă mai interactive, conduse de public, care s-au extins dincolo de cadrul tradițional al galeriei. Artist american de pionier Allan Kaprow a fost unul dintre primii care a explorat ceea ce el a numit „întâmplări” și „medii” care au explorat conexiunea naturală dintre artă și mediul înconjurător. Land Art și Earth Art a apărut în toată Europa și Statele Unite în această perioadă ca o ramură a artei ecologice care celebra ritmurile naturii, cum ar fi timpii mareelor, fazele lunare, ciclurile solare și modelele stelelor.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Pe măsură ce problemele legate de distrugerea lumii naturale au devenit mai urgente și presante de-a lungul anilor 1970 și 1980, diverse artiști conceptuali inclusiv Joseph Beuys și Agnes Denes au făcut artă ecologică cu un sentiment mai mare de agenție politică, promovând conștientizarea efectelor degenerative ale industrializării și capitalismului. De atunci, artiștii care produc artă ecologică s-au îndreptat din ce în ce mai mult către conservarea sau regenerarea naturii, subliniind cât de vital este peisajul pentru supraviețuirea noastră.

1. Robert Smithson, Debarcader în spirală, 1970

Debarcader în spirală de Robert Smithson , 1970, prin Fundația Holt/Smithson, Santa Fe

a lui Robert Smithson Debarcader în spirală, 1970, este una dintre cele mai recunoscute icoane ale artei ecologice. Realizat pentru terenul impresionant de Rozel Point la Great Salt Lake, Utah, această spirală uriașă s-a extins pe 457 de metri de malul lacului și a fost făcută din 6.650 de tone de rocă și pământ. Așezați orizontal de-a lungul pământului, vizitatorii pot merge pe debarcaderul în spirală asemănător unei galaxii, contemplând cât de mic este locul nostru în vastitatea universului. Deși tot materialul pentru lucrări a fost adunat la fața locului, Smithson a fost criticat de unii pentru că a mutat și a schimbat forma naturală a terenului. În ciuda acestui fapt, instalația sa a ajutat la transformarea uimitoarei situri într-un reper faimos în întreaga lume. În timp ce spirala este încă pe loc astăzi, ea s-a modificat lent în textura și suprafața de-a lungul timpului de forțele naturale ale entropiei.

2. Nancy Holt, Tuneluri solare, 1973

Tunelurile Soarelui de Nancy Holt , 1973, așa cum este reprodus în Artă și loc: Artă specifică site-ului din America , prin Phaidon Press

Faimoasa lui Nancy Holt Tuneluri solare, 1973, au fost concepute pentru Deșertul Marelui Bazin din Utah, într-o locație pustie între Munții Stâncoși și lanțul Sierra Nevada. Holt a aranjat pe pământ patru cilindri uriași de beton, făcuți din aceeași substanță ca și sistemele de drenaj subteran urban, pentru a forma o formă de X deschisă. Dar, în loc să fie înghesuită într-un oraș, conductele ei sunt înconjurate de kilometri și kilometri de sălbăticie uscată și sterilă care se întinde peste orizontul plat.

Tunelurile Soarelui de Nancy Holt , 1973, așa cum este reprodus în Artă și loc: Artă specifică site-ului din America, prin Phaidon Press

Spectatorii pot intra în aceste tuneluri și pot găsi vederi circulare spectaculoase ale spațiului larg deschis din jurul lor. Holt și-a proiectat și tunelurile pentru a interacționa cu soarele și stelele, aliniind o axă a x-ului cu soarele răsărit și apus al solstițiului de vară, iar cealaltă cu solstițiul de iarnă. De două ori pe an, dacă o vizitează exact la momentul potrivit, un tunel circular va încadra exact soarele și va fi aprins cu o lumină orbitoare. Cu această abordare naturală armonioasă a artei, Holt subliniază cât de strâns împletită este existența noastră cu ciclurile naturii.

3. Richard Long, O linie în Himalaya, 1975

O linie în Himalaya de Richard Long , 1975, via Tate, Londra

În artistul britanic Richard Long O linie în Himalaya, 1975, celebrează actul solitar și primordial de a lăsa în urmă o urmă umană în natură. Explorator pasionat, Long traversează singur unele dintre cele mai îndepărtate locații ale lumii încă din anii 1960, lăsând în urmă cercuri și linii unghiulare care se reflectă asupra modelelor geometrice ale universului. Pentru a crea această lucrare specială, el a urcat Himalaya nepalez până la un punct de mare altitudine, unde a adunat și a aranjat pietre albe într-o linie îngustă și dreaptă. Amplasat în mijlocul acestui peisaj sublim, gol, este aproape imposibil de măsurat scara liniei și este puțin probabil ca aceasta să fi rămas pe loc mult timp. Acest lucru conferă lucrării o calitate fragilă, romantică, subliniind nesemnificația noastră în vastitatea acestui teren sălbatic și inospitalier.

4. Walter DeMaria, Câmp fulger, 1977

Câmpul Fulgerului de Walter de Maria , 1977, prin The Independent

a lui Walter de Maria Câmp fulger, 1977, susține aceeași uimire și uimire terifiantă ca marii pictori de peisaj ai epocii romantismului. Situat în deșertul înalt din vestul New Mexico, 400 de stâlpi din oțel inoxidabil lustruiți și ascuțiți sau „paratrăznet” sunt aranjați într-o rețea de o milă pe un kilometru și distanțați la 220 de picioare. Zona este cunoscută pentru furtunile sale recurente cu fulgere, care pot apărea până la 60 de zile pe an, între iulie și august - cioburi de fulgere prinde ocazional vârfurile lansetelor, după cum dezvăluie fotografiile documentare.

Dar Maria a lansat doar un număr mic de fotografii ale site-ului și interzice vizitatorilor să le ia sau să le partajeze pe ale lor, învăluind întreaga lucrare și site-ul său într-un mister întunecat. De asemenea, Maria a permis doar șase vizitatori pe zi, o politică menținută prin intermediul Fundația Dia Art astazi, deci doar cei mai hardcore sunt cei care fac acest pelerinaj rar, dar actioneaza ca un mijloc puternic de protejare si conservare a acestui petic de pamant si a intinderilor vaste care il inconjoara.

5. Agnes Denes, Wheatfield: O confruntare, 1982

Wheatfield – O confruntare de Agnes Denes , 1982, fotografiat de John McGrall, prin Architectural Digest

lui Agnes Denes Wheatfield – O confruntare, 1982, este unul dintre cele mai puternice și influente proteste împotriva încălzirii globale și a inegalității economice făcute vreodată. În depozitul subdezvoltat Battery Park din Manhattan, ea a plantat și întreținut un întreg câmp de grâu de doi acri, pe care apoi l-a recoltat și împărțit între oameni de pe tot globul. Amplasat printre falnicii zgârie-nori capitaliști de pe Wall Street, a devenit un simbol teatral al rezistenței, confruntându-se cu deșeurile murdare și dăunătoare ale orașului urbanizat, la doar o aruncătură de băț, și diviziunea sa ruinantă între bogați și săraci. Deși temporar, câmpul de grâu al lui Denes a oferit o privire rară a unui viitor alternativ în care oamenii ar putea trăi și lucra în strânsă armonie cu natura. Ea a argumentat: Este o intruziune în Cetate, o confruntare a Înaltei Civilizații. Apoi, din nou, este și Shangri-La, un mic paradis, copilăria cuiva, o după-amiază fierbinte de vară la țară, pace.

6. Joseph Beuys, 7000 Oaks – împădurirea orașului în loc de administrarea orașului, 1982

7000 Oaks – împădurirea orașului în loc de administrația orașului de Joseph Beuys , 1982, via Tate, Londra

Artist conceptual de pionier Joseph Beuys a început proiectul 7.000 de stejari – împădurirea orașului în loc de administrarea orașului în 1982 la documente 7, un imens târg internațional de artă la Kassel, Germania. Conceptul său a fost simplu: să planteze 7.000 de stejari în tot orașul Kassel. Fiecare copac a fost asociat cu o bucată grea de piatră de bazalt - înainte de a începe procesul de plantare, Beuys a îngrămădit bucățile de piatră pe gazonul Muzeul Frederick (văzut în imaginea de aici), și de fiecare dată când a fost plantat un copac, o bucată de piatră a fost luată din grămadă și așezată lângă noul copac.

Această masă uriașă de roci a evidențiat enormitatea și ambiția sarcinii de „împădurire a orașului” la îndemână, care ia luat lui Beuys peste cinci ani pentru a fi finalizată. Un prim exemplu al operei lui Beuys, proiectul a venit să definească abordarea sa regenerativă a artei, împreună cu ceea ce el a numit „sculptură socială”, cu un imperativ moral de a îmbunătăți calitatea vieții pentru toată lumea din societate prin artă.

7. Maya Lin, Groundswell, 1992-93

Groundswell de Maya Lin , 1992-93, prin Architectural Digest

Designer de arhitectură contemporan și artist Maya Lin Groundswell, 1992-93, plutește la granița dintre mediul natural și cel construit, îmbinând cu grijă cele două într-unul singur. Fabricată din 43 de tone de sticlă securizată spartă pentru mașină, această instalație a umplut un spațiu altfel liber, trecut cu vederea din Centrul Wexner din Columbus, Ohio cu valuri ondulate de materie sclipitoare. Combinarea a două nuanțe de sticlă reciclată i-a permis lui Lin să imite culoarea și textura apei, o calitate subliniată și mai mult de aranjamentele atente ale formelor ondulate care par să se umfle și să se umfle în și în afara spațiului.

Referirile atât la rădăcinile ei de est, cât și la cele vestice ale familiei s-au făcut prin asemănări cu grădinile japoneze din Kyoto și cu movilele funerare de nativi americani din Atena, Ohio. Tipificând abordarea „de mediu” pentru a face artă, Lin a luat în considerare modul în care instalația ei ar răspunde la toate aspectele clădirii, încorporând formele și aranjamentele acesteia în întregul design al Centrului Wexner. Dar poate mai important, ea a umplut un spațiu cândva nefolosit cu modele și forme ale naturii, dându-i o liniște meditativă și contemplativă.

8. Andy Goldsworthy, Copac pictat cu noroi negru, 2014

Arborele pictat cu noroi negru de Andy Goldsworthy , 2014, prin The Independent

Artistul britanic Andy Goldsworthy a realizat Copac pictat cu noroi negru, 2014 pe terenul din jurul casei sale din Dumfriesshire, Scoția. În conformitate cu toată practica sa artistică, lucrarea răspunde elegant împrejurimilor cu o intervenție efemeră realizată în întregime din materiale găsite local. Aici a pictat dungi negre pe suprafața copacului cu mușchi cu noroi adunat din zona înconjurătoare, transformându-l într-o operă de artă izbitoare.

Goldsworthy impune un sentiment de structură și ordine în natură, aplicând modele de repetiție pe suprafața copacului care imită limbajul Minimalism sau op art. Ele conferă copacului o calitate zguduitoare, sintetică, care pare deplasată cu împrejurimile sale, o amintire a efectelor nocive pe care ordinea industrializată le-a avut asupra frumuseții intrinsece a naturii. Dar, ca și în cazul multor opere ale sale, intervenția lui Goldsworthy aici nu va dura, un memento dur că atât de mult din viața naturală este inevitabil trecătoare.

Moștenirea artei de mediu

Simfonia Blue Trees de Aviva Rahmani , 2016, fotografiat de Robin Boucher, prin HuffPost

Arta ecologică continuă să se dovedească populară astăzi cu mulți artiști contemporani, în special cei care îmbrățișează potențialul de regenerare deschis de Joseph Beuys și Agnes Denes. Pe măsură ce problemele legate de schimbările climatice devin tot mai presante, artiștii au recunoscut rolul esențial pe care arta îl poate juca în conservarea sau îmbunătățirea spațiilor pe care le locuim. Termenul de „artă ecologică” sau „ecovenție” este mai frecvent aplicat acestui domeniu recent de dezvoltare. Proiectele din acest gen includ Aviva Rahmani Simfonia Blue Trees, 2016, în care a pictat o serie de copaci cu pigmenți albaștri derivați în mod natural pentru a proteja drepturile de autor și pentru a preveni tăierea lor, și Anne Marie Culhane Crește Sheffield, fondată în 2007, care încurajează membrii comunității să-și cultive propriile alimente din surse locale.