Ce este minimalismul? O revizuire a stilului de artă vizuală

Sculptura din 2000 de Walter DeMaria , 1992, prin LACMA

Minimalismul a transformat arta modernă așa cum o recunoaștem acum. Axați în mare parte pe muzică și estetică încă din anii 1960, strămoșii săi sculpturali Donald Judd, Robert Morris și Sol LeWitt au dat drumul pentru o căutare de zeci de ani după eliberarea creativă. Această prezentare istorică detaliază metamorfoza sa de-a lungul veacurilor.

Cine a inspirat minimalismul?

Nr. VI / Compoziție Nr. II de Piet Mondrian , 1920, via Tate, Londra

Tendințele reducționiste ale modernismului au pus bazele minimaliste cu mult înainte ca termenul să se materializeze. Deși New York-ul a incubat în cele din urmă popularitatea genului la mijlocul secolului al XX-lea, originile sale datează încă din 1915, când artistul de avangardă Kasimir Malevich și-a pictat captivanul. Piața Neagră . Împreună cu Vladimir Tatlin, liderii ruși au avut un interes deosebit pentru a fuziona tehnologia emergentă cu viața de zi cu zi, compilând obiecte comune pentru a reduce arta până la forma ei cea mai adevărată. Picturile nu mai serveau ca oglinzi obiective ale unei societăți tridimensionale, ci mai degrabă obiecte autoreferențiale, explorând modalitățile prin care o suprafață își putea depăși propriile limitări fizice. Alți pionieri, cum ar fi abstracționistul olandez Piet Mondrian, ale cărui picturi simple, dar puternice, au iluminat planeitatea pânzei, au continuat această practică de-a lungul anilor 1920. Compoziții abstracte timpurii ca ale lui nr. VI (1920) dezvăluie această dorință generațională de a elimina tehnicile figurative, reducând realitatea la o serie de forme geometrice.

Omagiu Pieței de Josef Albers , 1959, prin Muzeul Guggenheim, New York

Acești precursori au catalizat o reevaluare obiectivă a ceea ce înseamnă a fi artist. Acest lucru ar putea fi atribuit în mare măsură aprecierilor anilor 1920 Marcel Duchamp, care a luptat împotriva ideii că arta ar trebui să fie motivată doar emoțional. El credea că toată arta revoluționară ar trebui să forțeze spectatorii să interogheze în continuare sistemele de putere, descoperind astfel un sens mai profund. În 1937, sculptorul proto-minimalist Constantin Brâncuși a testat această noțiune călătorind în România și ridicându-și înălțimea de 98 de picioare. Coloana fără sfârșit , un turn rombic care aduce un omagiu soldaților locali căzuți. Pictorul Josef Albers a cimentat apoi ideile minimaliste în educația artistică modernă, subliniind profunzimea picturală iluzorie pe parcursul mandatului său la Black Mountain College. A lui Omagiu pieței (1950) exemplifică aceste principii cheie prin culori, forme și umbre contrastante, înrădăcinate în studiile empirice de design. Urmând exemplul, pictorii Color Field Ad Reinhardt și Mark Rothko în curând a condus un alt stil vizual nou, subliniind simplitatea estetică și paletele pigmentate.

Când a început minimalismul?

Vedere de instalare a 16 americani de Soichi Sunami , 1959, via MoMA, New York

Minimalistii originali intenționau să producă reprezentări și mai literale ale lumii din jurul lor. Considerând că arta ar trebui să se refere doar la ea însăși, mulți au trecut de la pictura picturală la sculptură sau tipografie pentru a-și îmbunătăți tehnicile. Frank Stella, considerat în general primul minimalist american, a izbucnit pe scena din New York cu un zgomot tunător în 1959, datorită celebrului său Tablouri negre. Prezentat la seminalul MoMA 16 americani expoziție, această serie de pânze în dungi întinse peste rame de lemn zimțate, juxtapunând precedente din Willem de Kooning și Franz Kline. Lipsa oricărei semne umane, abstracția Stelei și-a asumat, de asemenea, caracteristicile spațiului său dat, rămânând în același timp complet plată, neclintită și îndrăzneață, lipsită de luarea deciziilor subiective. El a asigurat aceste tablouri negre de bază neglijent, dar cu convingere, mărturisindu-și obiectul cu mândrie. Emblematicul său 1964 citat a evoluat ulterior într-o mantră teoretică pentru minimalistii din întreaga lume: ceea ce vezi este ceea ce vezi.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Expoziția Galeriei Verde din 1964

Fără titlu de Donald Judd , 1963, prin The Judd Foundation, New York

În cursul anului, o gamă creativă vizionară a înflorit la Green Gallery din New York. Curatorul Richard Bellamy a coordonat o serie de expoziții esențiale Munca noua pentru a defila voci emergente într-o varietate de medii. Construit din placaj comercial, Robert Morris l-a ținut pe al lui Fără titlu (Piesă de colț) (1964), încadrarea spațiului dintr-un nou punct de vedere. Între timp, Și Flavin și-a dezvăluit situațiile legendare fluorescente, reacția la care materialele cotidiene dovedite ar putea infiltra elocvent înalta societate. a lui Flavin auriu, roz și roșu, roșu (1964), Prima piesă de podea a lui Minimalist, a stat printre alte lucrări de artă electrice expuse. Războiul nebunesc Donald Judd și-a făcut debutul ca sculptor serios aici cu mai puțin de un an mai devreme, cu izbirea sa Fără titlu (1963) , prezentând într-un total de cinci spectacole pe parcursul scurtei sale ocupații. Cu toate acestea, în ciuda amestecului la Green, niciunul dintre acești pionieri nu s-a etichetat de fapt ca minimalist. Savanți de seamă s-au angajat să elaboreze un nou vocabular pentru a descrie această mișcare monumentală.

Eseuri publicate despre minimalism

Unul și trei scaune de Joseph Kosuth , 1965, via MoMA, New York

Eseurile critice publicate la mijlocul anilor 1960 au stabilit în cele din urmă o paradigmă minimalistă predominantă. În 1965, Donald Judd și-a lansat tratatul Obiecte specifice , prin care a respins de fapt denumirea Minimalism. În schimb, el a susținut că genul ar trebui recunoscut ca obiecte specifice, deci o categorie artistică care nu poate fi clasificată cu ușurință ca fiind exclusiv pictură sau sculptură. De obicei, minimalistii au fuzionat aceste două medii oblic, răsturnând convențiile europene tradiționale în favoarea fenomenologie . (Acest studiu filosofic a cântărit experiența subiectivă față de adevărul obiectiv, subliniind modul în care răspunsurile la o lucrare de artă variază între contexte.) Majoritatea s-au concentrat și pe replicarea obiectelor tridimensionale cât mai aproape posibil, eradicând autoritatea prin instrumente industriale și configurații voluminoase, nonconformiste. Datorită acestei preocupări sporite față de concepție, spre deosebire de procedură, a apărut și minimalismul în concordanță cu Arta conceptuală. Repere precum Joseph Kosuth Unul și trei scaune (1965) a proclamat întrebarea deceniului : este artă, un obiect sau niciunul?

Structuri primare La Muzeul Evreiesc

Vedere de instalare a structurilor primare: sculptori mai tineri americani și britanici , 1966, prin The Jewish Museum, New York

Minimalismul a atins perioada de glorie în 1966. În acel an, Muzeul Evreiesc a găzduit Structuri primare, o vitrină de succes cu peste 40 de artiști importanți. Organizată în zece spații de galerie separate printr-un pasaj subteran, expoziția a primit, de asemenea, un succes mediatic pozitiv încă de la începutul mandatului său. Pereți îngrijiți cu atenție au prezentat lucrări recente ale relativ eminentului Tony Smith alături de Sol LeWitt, care și-a dezvăluit Fără titlu (1966) , o sculptură de podea din lemn care profețește opera sa ulterioară. Structuri primare a lansat, de asemenea, reclame în devenire precum Anne Truitt în centrul atenției cu Grădina mării (1964) , cunoscută mai târziu pentru instalațiile sale la scară largă. Picturi la vârful minimalismului și al câmpului de culoare, precum cel al lui Ellsworth Kelly Discul albastru (1963), și-a făcut apariția. Facand asa, Structuri primare a permutat pentru totdeauna ideea unui spațiu de galerie, punând în prim plan un concept coeziv, mai degrabă decât examinând părțile sale individuale. Artistul ideal nu a mai creat pur și simplu. Acum, acești visători au pornit să proiecteze.

Pictura sistemică La Guggenheim

Lawrence Alloway instalând pictura sistemică , 1966, prin Muzeul Guggenheim, New York

Alte instituții au imitat rapid această tradiție. În septembrie 1966, Guggenheim a sărbătorit Pictura sistemică , o coalescență de forme de artă americane precum Hard-Edge și pânze în formă. Abstracția geometrică a avut preferință la această prezentare a celui mai bun talent din New York, deși o descriere a minimalismului lipsea în catalogul său. Oricât de intenționată a fost această decizie, artiștii la vedere păreau fără îndoială minimalisti. a lui Neil Williams Obiceiurile vestimentare ale lui Billy Bo (1966) atârnat perpendicular pe cel al lui Frank Stella Wolfeboro IV (1966) în High Gallery, două pietre prețioase dintr-o gamă interdependentă. Spațiile de expoziție occidentale s-au schimbat în general în această perioadă, de asemenea, muzeele clasice și-au extins atribuțiile. săli de artă, o interpretare germană a unui spațiu de galerie contemporan, a început să apară în toată Europa, înregimentată pe baza rotației. Cooperative ca Spațiul pentru artiști din New York furnizate în mod continuu platforme pentru inovatori pentru a exprima ipoteze unice. Recenziile rezultate au fost încântate, promovând percepția publicului despre ceea ce s-ar putea transforma cu adevărat minimalismul.

O schimbare spre post-minimalism

Fără titlu (L-Beams) de Robert Morris , 1965, prin Muzeul Whitney, New York

Până la sfârșitul anilor 1960, minimalismul a diverjat în teorii disparate. Robert Morris a condus drumul cu Note despre sculptura 1-3 , eseurile sale din 1966 denotă un cadru formal pe care să-l urmărească colegii. În special, a evaluat psihologie gestalt, care postulează un întreg ordonat este mai mare decât suma componentelor sale. Morris a articulat pe deplin această implicație prin stresarea părților legate între ele [pentru] a crea o rezistență maximă la separarea perceptivă, nefiind nevoie de unități regularizate sau intervale simetrice. Testând această premisă mai devreme, el și-a actualizat cea mai notabilă sculptură de până acum, (Fără titlu) (L-Beams). Trei poliedre identice în formă de L echilibrate în poziții distincte, dependente unul de celălalt, înșelând în același timp spectatorii să perceapă dimensiuni diferite. (A avut o asamblare diferită de fiecare dată.) Mai târziu, el a postulat, de asemenea, că un aranjament de părți este un aspect literal al existenței fizice a obiectului. Această atracție sporită pentru materialele fără compromisuri a pregătit scena pentru ceea ce mai târziu va fi numit post-minimalism.

Cub îngropat care conține un obiect de importanță, dar de mică valoare de Sol LeWitt , 1968, prin The No Show Museum, Zürich

În timp ce minimalismul a înflorit într-o altă fază, discipolii săi și-au dezvăluit rădăcinile. Sol LeWitt a dus modelul lui Morris mai departe în 1967, când și-a distribuit eseul Paragrafe despre arta conceptuală. Considerat de cei mai mulți a fi manifestul oficial al mișcării, el a afirmat că modul în care arată opera de artă nu este prea important. Mai degrabă, LeWitt credea că, indiferent de formă ar putea avea în cele din urmă, trebuie să înceapă cu o idee, proclamând prin aceasta că este procesul de concepție și realizare de care este preocupat artistul. Aceste principii l-au urmat de-a lungul carierei sale importante de patruzeci de ani, cu toate acestea, el a pretins că a abandonat cu totul minimalismul în 1968. Pentru a-și marca la revedere, a compus apoi Cub îngropat care conține un obiect de importanță, dar de mică valoare , îngropând literalmente un cub într-o grădină locală. Astăzi, din acest eveniment efemer au rămas doar fotografii, care anunță dispariția unei epoci trecute. LeWitt a botezat-o poziția de moarte a autorului.

O nouă generație de post-minimaliști

Debarcader în spirală de Robert Smithson , 1970, prin Fundația Holt Smithson, Santa Fe

La începutul anilor 1970, minimalismul a progresat în mai multe ramuri separate ale artiștilor. Strămoșii Judd și Morris l-au inspirat pe artistul Process Richard Serra, a cărui sculptură specifică site-ului Schimbare (1972) demonstrează o curiozitate post-minimalistă, îmbinând convențiile în aer liber și interioare. Deși prima sa incursiune în sălbăticie, el nu a inventat în întregime roata. Compatriotul Robert Smithson a compilat Debarcader în spirală cu doi ani mai devreme, o structură în formă de vârtej făcută din șase mii de tone de roci negre. Alți artiști de teren, precum Walter De Maria, au sărit și ei în acest vagon. Între timp, cel în curs de dezvoltare Bruce Nauman i-a adus un omagiu lui Flavin folosindu-se de neon în instalațiile de lumină din exterior La Pitch (1972) . Totuși, nu toți criticii s-au bucurat de acest mod creativ. Istoricul Michael Fried a scris o analiză usturătoare pentru Forumul de artă la sfârşitul anilor 1960 , acuzându-i pe minimalisti că împing mai degrabă ideologia decât arta. Deși a recunoscut semnificația acesteia, Fried a evitat și teatralitatea inerentă a minimalismului. O socoteală necesară a răsărit la orizont.

O revoluție feministă în artă

Singuri Suntem neputincioși Împreună Suntem puternici de See Red Women’s Workshop , 1976, prin Muzeul Victoria și Albert, Londra

Curând a apărut o rebeliune în cursul anului 1974. Promovarea unei expoziții la Galeria Leo Castelli , Robert Morris gol și-a umflat pieptul acoperit cu lanțuri de aur, fotografiat purtând o cască de epoca nazistă. Protestatarii care au participat anterior la Mișcarea pentru Drepturile Civile au fost umbriți de drept față de acest portret cu prejudecăți, cerând rechemarea imaginii. În special, mulți obiectori au fost femei care apoi s-au concentrat pe problema mai largă a egalității de gen și rasială. Ceea ce a urmat ulterior poate fi descris doar ca un efect de domino fenomenal, răsturnând fiecare colț al industriei contemporane. Artiste de sex feminin care s-au aliniat celui de-al doilea val al feminismului din SUA a ieşit în stradă a picheta galerii sau muzee se crede că promovează practici nedrepte. Curând, catargurile formate exclusiv din femei au fondat reviste precum erezii, și disertații precum a Lindei Nochlin De ce nu au existat femei mari artiști a circulat pe glob. Fluturașii feminiști care declară împreună că suntem puternici au pictat un viitor bogat în diversitate.

Cina de Judy Chicago , 1974, prin Muzeul Brooklyn

În curând, această forță feministă sa manifestat în arte. Avangarda au făcut campanie împotriva câmpului post-minimalist dominat de bărbați, urmărind detronarea putere dezechilibre și brutalitate. Judy Chicago a condus această urmărire cu Petrecerea (1974) , o sculptură ceramică înfățișând un banchet ceremonial. Aici, potirele de aur și porțelanul pictat în porțelan se odihnesc lângă șevoruri reprezentând femei proeminente din istorie, reutilizand sfera domestică stereotipă. (Chicago a înființat Atelierul Feminist Studio și Clădirea femeilor De asemenea, compozițiile realizate manual, bazate pe meșteșuguri și simbolice au crescut din dorința de a submina status quo-ul. Lynda Benglis a experimentat concomitent turnarea rășinii pentru fabricare Mănâncă carne (1975) , in timp ce Eva Hesse a obținut un profit similar prin latex, fibră de sticlă și plastic. Nancy Graves a mânuit fragmente de piele și oase de animale în stimata sa serie Cămile (1968) și Din fosile (1977), sculpturi atât de realiste încât sunt aproape ciudate. Eforturile sporite de a deconstrui monolitul minimalist s-au impus în deceniile următoare.

Minimalism în anii următori

Fără titlu de Donald Judd , 1991, prin MoMA, New York

Totuși, fecioarele Minimalists nu au căzut complet de pe radar. Judd a muncit până la moartea sa în 1994, mărind utilizarea instrumentelor neconvenționale atât pentru aluminiu, cât și pentru email. În Fără titlu (1980) , a regenerat un motiv anterior de stivă prin oțel, aluminiu și perspex, acordând atenție fiecărui detaliu. Apoi, Judd a aranjat cinci coloane colorate în sculptura sa de podea emailată Fără titlu (1991), ștergerea urmelor unui punct focal compozițional. Walter De Maria instalat Sculptura din 2000 un an mai târziu, la Zurich, poziționând două mii de tije poligonale de ipsos peste Kunsthaus. LeWitt s-a îndreptat apoi către desene de mâzgălire ca Desen de perete #1268 (2005), redat direct pe peretele unei galerii pentru a semăna cu o sculptură. Deși Morris a schimbat opera figurativă în anii 1970, s-a întors inevitabil la sculptură cu Poarta de bronz (2005), un arc din oțel cor-ten care desparte un pavilion de grădină din Italia. L-a comemorat pe un ultim spectacol la Galeria Leo Castelli înainte de a muri în 2018.

Minimalismul în arta vizuală astăzi

Desen de perete #1268 de Sol LeWitt , 2005, prin The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Astăzi, minimalismul este cel mai adesea folosit ca un cuvânt colocvial pentru a denota simplitatea. Rezumate la elementele sale esențiale, efectele secundare ale genului se extind de la decorul casei la automobile, realizarea de filme și chiar scris. În sfera artelor, totuși, minimalismul evocă incontestabil amintiri ale unei perioade radicale din istoria umanității, o luptă înainte pentru libertate pe care mulți o luptă și astăzi. Oricât de neintenționat ar fi fost acest lucru, a inaugurat o eră artistică mai democratică, una în care femeile, oamenii de culoare și alte grupuri marginalizate își puteau permite de fapt un loc la masă. De asemenea, minimalismul a spart barierele dintre media tipică, revoluționând în același timp atât experiența artistului, cât și cea a privitorului. Procedând astfel, succesorii săi au demontat efectiv ierarhia artistică dominantă a Americii de după război, comandată cândva de un critic influent. Clement Greenberg. Aceste ramificații nu pot fi niciodată inversate. Dar pentru acei minimalisti renegați care au căutat o insurgență inițială în anii 1960, poate că acesta este exact ideea.