Casele artistului: spații creative și studiouri de artă ale pictorilor celebri

Claude Monet la Giverny , 1920 (stânga), Portretul Fridei Kahlo , Florence Arquin , 1948, Archives of American Art (centru) și Georgia O’Keeffe , 1968, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (dreapta)

Împrejurimile unui artist pot deveni în cele din urmă împletite cu munca și moștenirea lor. Claude Monet este asociat cu Giverny, Franța, așa cum este și Frida Kahlo Coyoacán, Mexic. Privind acești artiști prin prisma mediului înconjurător poate duce la noi perspective asupra tehnicilor, proceselor și convingerilor lor artistice. Să tragem cortina înapoi și să ne uităm la casele și studiourile de artă ale celor mai influenți pictori ai istoriei.

New Mexican Homes and Art Studio of Georgia O'Keeffe

O’Keeffe deschizând draperiile studioului ei de Tony Vaccaro , 1960, Muzeul Georgia O’Keeffe

Ferestrele largi din atelierul de artă al Georgia O’Keeffe priviți peisajele întinse din New Mexico. Acest peisaj a captivat-o pentru prima dată pe O’Keeffe și, în cele din urmă, va deveni casa ei pentru restul vieții și carierei ei. Legătura ei cu pământul i-a oferit un sentiment reînnoit de independență. I-a oferit capacitatea de a crea un spațiu care era în mod distinct al ei.

Ghost Ranch: Fundalul sălbatic din sud-vestul lui O’Keeffe

Ghost Ranch, Patio de Todd Webb , 1955-1981, Muzeul Georgia O’Keeffe

Există două locuri în New Mexico pe care Georgia O’Keeffe le-a folosit ca casă/studio. Ghost Ranch, sau Rancho de los Burros, a fost o fermă tip dude unde oamenii puteau închiria camere și lucra pe pământ. O’Keeffe rămânea în timpul verii și se întorcea înapoi la New York pentru a-și vizita soțul, Alfred Stieglitz, până la moartea acestuia.

Curtea mea din față, vara de Georgia O’Keeffe , 1941, Muzeul Georgia O’Keeffe

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Ferma se află între straturile accidentate ale unei mese și pământul plat al deșertului. Mesa este stratificată cu gresie de culoarea ruginii și sedimente care variază de la violet, albastru și galben. Un deșert este presărat cu arbuști verzi și copaci care punctează peisajul. Deși terenul este uluitor, Ghost Ranch a fost greu de gestionat. Era izolat, fără telefon și avea un sistem de irigare prost. În căutarea unui cămin arabil, dar frumos, a condus-o pe O’Keeffe la a doua ei casă.

Abiquiú Homestead: Unde natura se întâlnește cu arhitectura

Abiquiu House, Vigas și Studio Door a lui Georgia O’Keeffe de Georgia O’Keeffe , 1964, Muzeul Georgia O’Keeffe

Efortul solicitant de a conduce Ghost Ranch l-a determinat pe O’Keeffe să descopere casa Abiquiú. Era într-o formă proastă și inițial nelocuabilă, totuși O’Keeffe știa că trebuie să o aibă. Când a vizitat proprietatea, prezența sa enigmatică a atras-o. Renovările au inclus încorporarea arhitecturii văzute în regiune din influențele native americane și spaniole. Vigas făcute din bușteni de cedru căptuiesc tavanele, iar cărămizile din chirpici au fost făcute din pământul lui O’Keeffe.

Interiorul casei și studioului lui Georgia O’Keeffe de Jack Boucher , Serviciul Parcului Național

Aceste teme au trecut și prin interiorul casei ei. O’Keeffe avea luminatoare, ferestre cu tablou și uși deschise pentru a lăsa lumina naturală să intre în casa ei. Mobilierul ei este asortat cu pereți eleganti de chirpici, neîmpodobiți, și decor minimal. Casa Abiquiú creează o prezență liniștitoare în comparație cu fauna accidentată din afara ușii ei. Este armonios cu peisajul sălbatic și rustic din sud-vestul american.

Noul peisaj mexican: unde arta reflectă viața

Casa Abiquiu a lui Georgia O’Keeffe, patio de Georgia O’Keeffe , 1964 (stânga) și Ușă prin fereastră de Georgia O’Keeffe , 1956,Muzeul Georgia O’Keeffe (dreapta)

Pământul înconjurător al deșertului a inspirat foarte mult picturile lui O’Keeffe în cariera ei. Casele ei, în special în Abiquiú, sunt liniare geometric cu vigas, pereții netezi din chirpici și poteci. Ușile și ferestrele deschise lasă să pătrundă lumina naturală creând diferite forme, linii și tonuri. Aceste picturi liniare amintesc de picturile ei despre zgârie-norii moderni și eleganti din New York. Diferența în New Mexico constă în utilizarea tonurilor naturale de pământ pe care le vedea în fiecare zi în afara ferestrei sale.

În timp ce New Mexico încă atrage artiști în prezent, a devenit sinonim cu Georgia O’Keeffe. Reprezentările ei ale meselor sale maiestuoase și ale peisajelor întinse sunt cele care continuă să mistice și să creeze discuții despre munca ei.

Studioul de artă East Hampton al lui Jackson Pollock și Lee Krasner

Jackson Pollock și Lee Krasner într-un câmp de Wilfrid Zogbaum , 1949, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Orizontul orașului New York a fost omis pentru văile și pâraiele pașnice din East Hampton pentru Jackson Pollock și Lee Krasner . Pollock, care suferea de depresie și alcoolism, a ales să locuiască la țară departe de orașul pretențios. Terenul din jur era plin de pajiști și mlaștini cu o varietate de animale sălbatice și flori. Au ales o casă care a aparținut cândva unui pescar și au transformat casa și hambarul pentru studioul lor de artă. Peisajul rural a oferit nu numai mai multă libertate în spațiu, ci și capacitatea ambilor artiști de a-și extinde ambițiile creative.

Studioul de artă: Procesul și materialele lui Pollock

Jackson Pollock de Hans Namuth, 1950, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution

Hambarul i-a oferit lui Pollock mai mult spațiu pentru a-și crea picturile la scară largă în comparație cu New York. Un exemplu în acest sens este atunci când Peggy Guggenheim l-a comandat lui Pollock pentru o pictură murală. Se pare că a dărâmat un perete din apartamentul său pentru a se potrivi picturii la scară largă. Spațiul nou dobândit i-a permis să așeze pânza pe podea și să aibă loc să se miște în jurul imaginii. Acest studio de artă a fost spațiul în care Pollock și-a prezentat tehnica de pictură pentru fotograf Hans Namuth așa cum se arată mai sus.

Jackson Pollock în studioul său de Rudy Burckhardt , 1950, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Spațiul va fi umplut cu diversele consumabile pe care le folosea. Există cutii de vopsea, perii groase, cârpe și alte consumabile, așa cum se vede în fotografia de mai sus. Vopselele de casă sau de email pe care le folosea erau foarte fluide și se împroșcau pe podea de sub el. Chiar și astăzi, pe podea din lemn de esență tare rămân petele de vopsea. Pollock ar folosi materiale neconvenționale, cum ar fi bețișoare, perii vechi sau curcan pentru a picta. De asemenea, ar folosi pietre, sticlă, sfoară sau nisip în timp ce picta.

Influența peisajului East Hampton

Jackson Pollock, Long Island de Martha Holmes , 1949, Revista Life

S-a dezbătut cât de mult a inspirat lumea naturală munca sau procesele lui Pollock. Cu toate acestea, multe dintre serialele create de Pollock în timp ce locuia la East Hampton au titluri care sunt inspirate din natură. A finalizat lucrări precum Ritmul de toamnă (Numărul 30) și Ceață de lavandă (Număr #). Titlurile sale de serie includ Sunete în iarbă si Pârâul Accabonac seria, care a fost numită după pârâul care curgea în spatele casei sale.

Anotimpurile de Lee Krasner , 1957, Muzeul Whitney de Artă Americană, New York

În comparație cu Pollock, este mai cunoscut faptul că Krasner a folosit natura ca sursă de inspirație. a lui Lee Krasner Anotimpurile a fost un tablou creat de ea după moartea lui Pollock. Krasner a folosit studioul de artă din hambar după moartea lui Pollock, dar a lipit pânză pe perete mai degrabă decât pe podea. Pensulețele gestuale și figurile organice duc la ideea schimbării anotimpurilor la care ar fi fost martoră. Ea a finalizat lucrări precum Alior , Vorbirea păsărilor , sau Dreapta Pasăre Stânga care au imagini sau titluri inspirate din natură.

Atât Pollock, cât și Krasner au creat unele dintre cele mai memorabile picturi ale lor la East Hampton. Peisajul a atras și artiști precum Willem de Kooning , Roy Lichtenstein , și Mark Rothko . Este și astăzi o atracție pentru vizitatori pentru legătura sa cu viața complexă a lui Jackson Pollock.

Casa albastră a lui Frida Kahlo

Portretul lui Kahlo stând afară, pe terasa Casei Albastre, casa ei din Coyoacán, Mexic de Florence Arquin, 195-?, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Azul de añil este vopseaua strălucitoare de cobalt folosită în mod tradițional pentru a îndepărta spiritele rele și pentru a-și proteja locuitorii. Aceasta este ceea ce acoperă a lui Frida Kahlo Casa Azul, un paradis creat de ea. Pereții viu colorați adăpostesc o grădină tropicală luxuriantă în centrul său. Casa este plină de obiecte, plante, animale și artă pe care Frida le-a adunat. Aceste obiecte și casa ei sunt reprezentări ale moștenirii ei și ale dragostei pentru casa ei, Mexic.

Dormitorul: un portret al realității

Frieda Kahlo în dormitorul ei de Bernard G. Silberstein , 1940, Institutul de Arte din Detroit

Dormitorul Fridei a fost un loc în care și-a petrecut o mare parte din viață. Ea a contractat poliomielita în copilărie și a suferit mai multe răni când a fost rănită într-un accident de autobuz când era tânără. Tatăl și mama Fridei i-au oferit rechizite de artă și un șevalet special pentru a-l folosi în pat, unde și-a studiat și practicat arta. Deasupra patului ei era o oglindă pe care o folosește pentru a-și picta autoportretele.

Visul (Patul) de Frida Kahlo , 1940,Colecție privată

Spre sfârșitul vieții, a fost închisă din nou în patul ei. Aceste vremuri de izolare o fac pe Kahlo să picteze imagini cu lucrurile care o înconjurau. Acestea includ familia ei, obiectele din dormitorul ei și, desigur, ea însăși. În viața reală, un schelet al lui Iuda s-a odihnit deasupra patului lui Kahlo și apare în pictură Visul . A fost folosit nu numai ca o amintire a morții, ci și ca un simbol al ciclurilor vieții în continuă schimbare.

Colecțiile lui Diego și Frida

Frieda Kahlo în camera de zi a lui Diego Rivera cu figura lui Iuda de Bernard G. Silberstein , 1940, Institutul de Arte din Detroit

Frida și soțul ei, Diego Rivera , a colectat artefacte și artă populară din Mexic. Acestea includ figurine mici, jucării, retablouri (picturi de altar mici), figurine de lut de la Metepec și figurine de Iuda (sau figurine de fiesta) din hârtie mache. Aceste figuri și plasarea lor în casă reprezintă toate pasiunea lor pentru a stabili mândria în arta și cultura indigenă. Colecția acestor obiecte reflectă Mexicanitatea , sau actul mândru de a-și celebra strămoșii și moștenirea. Aceste obiecte au creat și o conexiune pentru Frida și lumea exterioară.

Grădina: Renașterea unui cămin

Piramida de Miguel Tovar, Muzeul Frida Kahlo

Când Casa Azul a devenit proprietatea lui Frida și Diego, i s-a făcut o schimbare, inclusiv grădina. Frida a colectat și plante și le-a încorporat în curtea Casei Azul. Un element remarcabil este piramida situată în grădină. Aceasta este una dintre puținele piese care reprezintă în mod distinct prezența lui Diego în casă. Piramida se bazează pe piramida de la Teotihuacan și este folosită pentru a afișa artefacte prehispanice. Alte plante situate în grădină includ gălbenele, cactusul, plantele cu frunze de palmier și alte plante tropicale originare din Mexic și America Centrală/de Sud.

Natura moartă: Pitahayas de Frida Kahlo , 1938, Muzeul de Artă Contemporană Madison

Plantele, florile și fructele/vegetația au fost imagini constante văzute în picturile lui Kahlo. Ele au fost folosite pentru naturi moarte, fundalul autoportretelor ei sau ca hibrizi om/plantă. Imaginile ei cu plante care cresc de la oameni sau invers arată relația între viață și moarte. Ea face în mod continuu referință la această temă într-o varietate de picturi, cum ar fi pictura prezentată mai sus.

Picturile și colecțiile de obiecte ale Fridei sunt exemple ale dragostei ei pentru cultura mexicană indigenă și modernă. Această dorință de a se conecta cu legăturile ei cu Mexic este cea care definește Casa Azul. Acolo a început viața și cariera ei și este locul în care moștenirea ei continuă să înflorească și astăzi.

Casa din Charleston a lui Vanessa Bell și Duncan Grant

Duncan Grant de Godfrey Argent , 1968, National Portrait Gallery, Londra (stânga) și Vanessa Bell de Duncan Grant , 1917, National Portrait Gallery, Londra (dreapta)

The grupul Bloomsbury a fost fondată pe un ideal colectiv de respingere a constrângerilor societale instituite de părinții lor din epoca victoriană. Arta acestor membri nu este exemplificată mai bine decât Casa Charleston din Sussex, Anglia. Niciun perete, cadru de pat, șemineu sau cadă nu a fost lăsat nevopsit în casă. Doi membri care locuiau și pictau în casă erau Vanessa Bell și Duncan Grant . Casa lor este o manifestare literală a ideilor lor de design, precum și o expresie a părerilor lor asupra modului lor de viață. Casa este un sanctuar care a fost separat de constrângerile societății tradiționale pe care au respins-o.

Suprafețe pictate și decor din Charleston

Ușă pictată în studiul Clive Bell , The Charleston Trust (stânga) și Camera de gradina, Charleston Trust (dreapta), East Sussex, Anglia

Este visul copiilor să deseneze nepedepsiți pe pereții caselor lor. Acest vis este realizat de către grupul Bloomsbury pentru că nu le-a fost frică să descopere debușee ale libertății artistice. Atât stilurile artistice ale lui Bell, cât și ale lui Grant sunt evidente în decorațiunile casei. Camerele și obiectele din casă sunt decorate în forme simpliste, culori îndrăznețe și pensule expresive. Subiectele au variat de la natura moartă a fructelor, florilor sau forma umană. Scaunele, covoarele, canapele, pernele și lămpile au fost chiar proiectate de Bell și Grant, care apoi au fost fabricate de către Ateliere Omega .

Duncan Grant Studio, șemineu, Charleston Trust, East Sussex, Anglia

Bell și Grant au folosit modele de imprimeuri paisley sau în carouri și combinații de cercuri, dungi și puncte pentru a crea un ritm între diferitele părți ale casei. Folosirea lor a culorii variază de la galben muștar, albastru deschis, portocale bogat în rugină sau verde mentă pal. Chiar dacă există o varietate de culori folosite în casă, toate reușesc să coincidă împreună în unitate. Acest lucru se datorează stilului lor expresiv consistent și este o dovadă a utilizării lor magistrale a teoriei culorilor.

O grădină încântătoare: plină de întâlniri și flori

Duncan Grant și Angelica Garnett în grădina din Charleston , Charleston Trust, East Sussex, Anglia (stânga) și Crini Arum de Vanessa Bell , 1919, Institutul de Artă Courtauld (dreapta)

Peisajul rural englezesc din Sussex, cu copaci și livezi, a atras-o pe Vanessa Bell la proprietate. În cele din urmă, Bell a umplut grădinile cu flori, care au devenit o sursă de inspirație pentru picturile ei. Grădina este locul unde aveau loc întâlnirile între membrii Bloomsbury. Creația grădinii este similară cu cea a lui Monet Giverny sau a grădinii Fridei de la Casa Azul. A fost o sursă de inspirație artistică, dar și de amânare. Grădina a influențat pictura lui Bell Crini Arum , care înfățișează o natură moartă cu obiecte care sunt similare cu cele găsite în casa lor din Charleston.

Casa și grădina din Charleston sunt o colecție de oameni care se reunesc pentru a crea ceva care a fost unic identificabil pentru ei. De la venirile și plecările constante ale oamenilor și decorul în continuă schimbare, casa din Charleston este încă o casă comună de mulți.

Grădinile lui Claude Monet: un studio de artă în aer liber

Claude Monet în fața casei sale din Giverny , 1921, Musée d'Orsay, Paris

După ce s-a mutat din loc în loc în timpul carierei sale artistice, Giverny a devenit a lui Claude Monet casa finala. Există trandafiri cățărători și viță de vie care învăluie fața casei Giverny. Ușile de un verde strălucitor contrastează cu roșul viu al patului de trandafiri din frunte. Fața casei sale este doar începutul capacității lui Monet de a crea o capodopera de pământ și grădină. Giverny a devenit sursa de inspirație pentru unele dintre cele mai recunoscute lucrări ale sale, care continuă să captiveze spectatorii și astăzi.

Grădinile de flori din Giverny

Claude Monet la Giverny , 1908, Muzeul de Artă din Denver

Monet a fost deosebit de clar ce tipuri de flori a plantat și unde le-a plantat. Își aranja florile în funcție de culori, amestecând specii rare cu cea mai comună floare, de la trandafiri, lalele, margarete, floarea soarelui sau mămăruşă. Grădinile lui au fost lăsate să crească din abundență, cu copaci acoperiți de paturile lui de flori și trandafiri cățărători răspândiți de-a lungul pereților casei sale. Monet și-a tratat grădina ca și cum ar fi creat un tablou. Culoarea a domnit mai presus de orice, iar combinațiile acestor culori ar fi planificate la fel de meticulos ca picturile sale impresioniste .

Grădina artistului din Giverny de Claude Monet , 1900, Musée d'Orsay, Paris

Grădinile lui Monet oferă un sentiment de cufundare a privitorilor în lumea lui, la fel cum fac picturile sale. Asemănător cu pensulele neclare ale picturilor sale, nu se poate spune unde se termină casa și începe grădina, contopindu-le pe cele două într-una singură. Un exemplu este pictura Grădina artistului din Giverny . Florile violet strălucitoare din acest tablou stau în centrul atenției pe fundalul verde neclar al casei și al copacilor lui. Chiar și în această pictură, privitorul poate vedea amplasarea intenționată a paturilor de flori pentru a crea forme și culori distincte în pictură.

Podul japonez și iazul cu nuferi

Fotografie fără titlu, Arhivele Durand-Ruel, albumul nr. III , Muzeul Metropolitan de Artă, New York

Monet a construit podul în stil japonez, care a fost înconjurat de glicine, bambus, iriși și un iaz de nuferi dedesubt. Crearea propriilor scene în grădini i-a permis să aibă un spațiu constant în care să se concentreze și să studieze pe o anumită scenă. Picturile lui Monet cu iazul s-au concentrat mai degrabă pe reflexele apei decât pe obiectele fizice în sine. Ideea de reflecții și imersiuni l-a determinat pe Monet să creeze mai multe reprezentări ale acestei scene.

Podul japonez de Claude Monet , 1920-22, MoMA

Una dintre aceste interpretări ale podului japonez este văzută în pictura de mai sus. În anii 1920, utilizarea de către Monet a culorii și aplicarea vopselei s-a schimbat la Giverny. Culorile lui s-au transformat de la verdele și albastrul calmant la roșu și galben energici. Pensiile lui erau mai puțin controlate, iar liniile erau așezate liber pe pânză. Acest lucru s-ar putea datora vederii în vârstă a lui Monet, dar totuși există încă o schimbare vizibilă în această lucrare în comparație cu cele anterioare.

Studioul de artă: Crearea seriei de nuferi a lui Monet

Claude Monet în studioul său din Giverny de Henri Manuel, 1920

Monet este cunoscut pentru crearea picturilor sale în în aer liber stil. El se plimba prin zona rurală a Franței sau plutea într-un studio cu barca pe Sena pentru a-și crea picturile în aer liber. Cu toate acestea, pentru picturile sale pe panouri la scară mare cu nuferii săi, a trebuit să se mute într-un studio de artă. Monet avea peste șaizeci de ani când a început serialul și sunt unele dintre cele mai mari la care a lucrat vreodată.

Giverny a crescut de-a lungul anilor și Monet odată cu el. El a adăugat continuu grădinilor și livezilor existente, ceea ce i-a permis să nu călătorească niciodată departe de casă. Inspirația sa a fost mereu la câțiva pași și a condus la crearea celor mai faimoase lucrări ale sale.