5 artiști negri contemporani pe care ar trebui să-i cunoașteți

Președintele Barack Obama de Kehinde Wiley , 2018, prin National Portrait Gallery, Washington, D.C. (stânga); cu Tar Beach #2 de Faith Ringgold , 1990-92, prin National Building Museum, Washington, D.C. (dreapta)

Artă contemporană este vorba despre confruntarea cu canonul, reprezentarea unei game variate de experiențe și idei, utilizarea de noi tipuri de media și zguduirea lumii artei așa cum o cunoaștem. De asemenea, oglindește societatea modernă, oferind spectatorilor șansa de a privi înapoi la ei înșiși și la lumea în care trăiesc. Arta contemporană se hrănește cu diversitate, dialog deschis și implicarea publicului pentru a avea succes ca mișcare care provoacă discursul modern.

Artiști Negri și Artă Contemporană

Artiștii de culoare din America au revoluționat scena artei contemporane intrând și redefinind spațiile care i-au exclus de prea mult timp. Astăzi, unii dintre acești artiști se confruntă în mod activ cu subiecte istorice, alții le reprezintă aici și acum, iar majoritatea au depășit barierele din industrie cu care nu se confruntă artiștii albi. Unii sunt pictori formați din punct de vedere academic, alții sunt atrași de forme de artă non-occidentale și, totuși, alții sfidează cu totul clasificarea.

De la un producător de pilote la un sculptor de neon, aceștia sunt doar cinci dintre nenumărații artiști de culoare din America a căror lucrare prezintă influența și diversitatea artei contemporane negre.

1. Kehinde Wiley: artist contemporan inspirat de vechii maeștri

Napoleon conduce armata peste Alpi de Kehinde Wiley , 2005, prin Muzeul Brooklyn

Cel mai faimos pentru că a fost însărcinat să picteze portretul oficial al președintelui Barack Obama , Kehinde Wiley este un pictor din New York ale cărui lucrări combină estetica și tehnicile istoriei artei tradiționale occidentale cu experiența trăită a bărbaților de culoare din America secolului XXI. Lucrarea sa descrie modele negre pe care le întâlnește în oraș și încorporează influențe pe care vizitatorii obișnuiți la muzeu le-ar putea recunoaște, cum ar fi modelele textile organice ale lui William Morris. Mișcarea Arte și Meserii sau eroicele portrete ecvestre ale Neoclasicii ca Jacques-Louis David .

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

De fapt, Wiley’s 2005 Napoleon conduce armata peste Alpi este o referire directă la pictura iconică a lui David Napoleon traversând Alpii la Grand-Saint-Bernard (1800-01). Despre acest tip de portret, Wiley a spus: Se întreabă: „Ce fac tipii ăștia?” Ei își asumă ipostazele unor stăpâni coloniali, foștii șefi ai Lumii Vechi. Wiley folosește iconografia familiară pentru a impregna subiecților săi negri contemporani aceeași putere și eroism pe care le-au acordat de multă vreme subiecților albi din zidurile instituțiilor occidentale. Important este că el este capabil să facă acest lucru fără a șterge identitățile culturale ale subiecților săi.

Pictura este despre lumea în care trăim, spuse Wiley. Negri trăiesc în lume. Alegerea mea este să le includ.

2. Kara Walker: Blackness And Silhouettes

Insurecţie! (Uneltele noastre au fost rudimentare, dar am continuat) de Kara Walker , 2000,prin Solomon R. Guggenheim Museum, New York

A crescut ca artist negru sub umbra Muntelui de Piatră din Georgia, un monument falnic al Confederației, a însemnat că Kara Walker Era tânără când a descoperit cum trecutul și prezentul sunt profund împletite – mai ales când vine vorba de rădăcinile adânci ale rasismului și ale Americii. misoginie .

Mediul ales de Walker este siluetele din hârtie tăiată, adesea instalate în ciclorame la scară largă. Traseam contururi ale profilurilor și mă gândeam la fizionomie, științe rasiste, menestrel, umbră și latura întunecată a sufletului, a spus Walker. M-am gândit, am hârtie neagră aici.

Siluete și ciclorame ambele au fost popularizate în anii 19thsecol. Folosind mass-media de modă veche, Walker explorează legătura dintre ororile istorice și crizele contemporane. Acest efect este accentuat și mai mult de utilizarea de către Walker a unui proiector tradițional de școală pentru a încorpora umbra privitorului în scenă. deci poate ar deveni implicati.

Pentru Walker, a spune povești nu înseamnă doar a transmite fapte și evenimente de la început până la sfârșit, așa cum ar face un manual. Instalația ei de cicloramă din 2000 Insurecţie! (Uneltele noastre au fost rudimentare, dar am continuat) este pe cât de bântuitor, pe atât de teatral. Folosește caricaturi cu siluete și proiecții de lumină colorată pentru a explora sclavia și implicațiile sale violente în curs de desfășurare în societatea americană.

Este prea mult în asta, a spus Walker ca răspuns la faptul că munca ei a fost cenzurată: „Toată munca mea mă prinde neprevăzut”. Walker a fost întâmpinată cu controverse încă din anii 1990, inclusiv critici din partea altor artiști de culoare din cauza utilizării de către ea a imaginilor tulburătoare și a stereotipurilor rasiale. De asemenea, s-ar putea susține că provocarea unei reacții puternice în rândul telespectatorilor, chiar și una negativă, face din ea o artistă cu siguranță contemporană.

3. Faith Ringgold: Istoria matlasării

Cui îi este frică de mătușa Jemima? de Faith Ringgold , 1983, prin Studio Art Quilt Associates

Născut în Harlem la înălțimea Renașterea Harlem , o mișcare care a celebrat artiștii și cultura negri, Faith Ringgold este un autor de cărți pentru copii și artist contemporan, câștigător la Caldecott. Ea este cel mai bine cunoscută pentru pilotele ei detaliate de poveste care reimaginează reprezentările oamenilor de culoare din America.

Cuvertura de poveste a lui Ringgold s-a născut dintr-o combinație de necesitate și ingeniozitate. Încercam să-mi public autobiografia , dar nimeni nu a vrut să-mi imprime povestea, a spus ea. Am început să-mi scriu poveștile pe pilote ca alternativă. Astăzi, pilotele de poveste ale lui Ringgold sunt atât publicate în cărți, cât și bucurate de vizitatorii muzeului.

Trecerea la matlasare ca mediu i-a dat și lui Ringgold șansa de a se separa de ierarhia artei occidentale, care a apreciat în mod convențional pictura și sculptura academică și a exclus tradițiile artiștilor negri. Această subversiune a fost deosebit de relevantă pentru prima plapumă de poveste a lui Ringgold, Cui îi este frică de mătușa Jemima (1983), care subminează subiectul Mătușa Jemima, un stereotip care continuă să facă titluri în 2020 . Reprezentarea lui Ringgold o transformă pe mătușa Jemima dintr-un stereotip din epoca sclaviei folosit pentru a vinde clătite într-un antreprenor dinamic, cu propria ei poveste de spus. Adăugarea de text la plapumă a extins povestea, a făcut mediul unic pentru Ringgold și a durat un an pentru a crea manual.

4. Nick Cave: Sculpturi textile purtabile

costum de sunet de Nick Cave , 2009, prin Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C.

Nick Cave a fost pregătit atât ca dansator, cât și ca artist textil, punând bazele unei cariere ca artist negru contemporan, care îmbină sculptura cu media mixtă și arta performanței. De-a lungul carierei sale, Cave a creat peste 500 de versiuni ale semnăturii sale Costume de sunet — sculpturi purtabile, mixte, care fac zgomot atunci când sunt purtate.

The Costume de sunet sunt create cu o varietate de textile și obiecte găsite de zi cu zi, de la paiete la păr uman. Aceste obiecte familiare sunt rearanjate în moduri necunoscute pentru a demonta simbolurile tradiționale ale puterii și opresiunii, cum ar fi gluga Ku Klux Klan sau capul unei rachete. Când este purtat, Costume de sunet ascunde aspectele identității purtătorului pe care Cave le explorează în munca sa, inclusiv rasa, genul și sexualitatea.

Printre lucrările multor alți artiști de culoare , Cave este primul costum de sunet a fost conceput în timpul incidentului de brutalitate a poliției care a implicat Rodney King în 1991. Cave a spus: Am început să mă gândesc la rolul identității, fiind profilat rasial, simțindu-se devalorizat, mai puțin decât, demis. Și apoi s-a întâmplat să fiu în parc într-o zi anume și m-am uitat în jos la pământ și era o crenguță. Și m-am gândit, ei bine, asta a fost aruncat și este oarecum nesemnificativ.

Acea crenguță a mers acasă cu Cave și a pus literalmente temelia pentru prima sa costum de sunet sculptură. După ce a terminat piesa, Ligon a îmbrăcat-o ca pe un costum, a observat sunetele pe care le scotea când se mișca, iar restul era istorie.

5. Glenn Ligon: Identitatea ca artist negru

Fără titlu (Străin în sat/Mâinile #1) de Glenn Ligon , 2000, prin Muzeul de Artă Modernă, New York City

Glenn Ligon este un artist contemporan cunoscut pentru încorporarea textului în pictura și sculpturile sale. De asemenea, face parte dintr-un grup de artiști negri contemporani care au inventat termenul post-Negru , o mișcare bazată pe credința că opera unui artist de culoare nu trebuie să-și reprezinte întotdeauna rasa.

Ligon și-a început cariera ca pictor inspirat de expresioniștii abstracti – până când, spunea el, a am început să pun text în munca mea , în parte pentru că adăugarea de text a dat literalmente conținut picturii abstracte pe care o făceam – ceea ce nu înseamnă că pictura abstractă nu are conținut, dar picturile mele păreau fără conținut.

Când s-a întâmplat să lucreze într-un studio de lângă un magazin de neon, Ligon a început să facă sculpturi cu neon. Până atunci, neonul era deja popularizat de artiști contemporani precum Și Flavin , dar Ligon a luat mediul și și-a făcut-o al său. Cel mai cunoscut neon al lui este Dubla America (2012). Această lucrare există în variații multiple și subtile ale cuvântului America scris cu litere neon.

Double America 2 de Glenn Ligon , 2014, prin The Broad, Los Angeles

Faimoasa linie de deschidere a lui Charles Dickens la O poveste a doua orase — A fost cel mai bun timp, a fost cel mai rău dintre vremuri — inspirat Dubla America . Ligon a spus, Am început să mă gândesc cum era America în același loc. Că trăim într-o societate care a ales un președinte afro-american, dar, de asemenea, eram în mijlocul a două războaie și a unei recesiuni paralizante.

Titlul și subiectul lucrării sunt literalmente precizate în construcția sa: două versiuni ale cuvântului America cu litere neon. La o observare mai atentă, luminile par rupte - pâlpâie și fiecare literă este acoperită cu vopsea neagră, astfel încât lumina să strălucească doar prin crăpături. Mesajul este dublu: unul, scris literal în cuvinte și doi, explorate prin metafore care se ascund în detaliile lucrării.

Treaba mea nu este să produc răspunsuri. Treaba mea este să produc întrebări bune, spuse Ligon. Același lucru poate fi spus și pentru orice artist contemporan.