10 dintre cele mai celebre opere de artă ale lui Arnold Böcklin

Operele de artă ale lui Arnold Böcklin sunt considerate lucrări paradigmatice ale simbolismului german, care i-au adus artistului un cult în lumea vorbitoare de limbă germană a secolului al XIX-lea. Scriitorul Max Halbe menționează că între 1885 și 1890, aproape toate casele din clasa superioară din Germania aveau o copie a Insula Morților sau Vila la mare de Böcklin. Consumul în masă al imaginilor sale confirmă opinia contemporană conform căreia Böcklin era ținut mai presus de colegii săi în mintea publicului. Operele de artă ale lui Arnold Böcklin, precum și personalitatea sa, au influențat artiștii simboliști mai tineri din Germania și Europa. Pictura Insula Morților a avut un statut canonic dincolo de granițele teritoriilor de limbă germană, contribuind la faima internațională a lui Böcklin. Iată 10 dintre cele mai notabile opere ale sale de artă.

1. Insula Morților , 1880-1886

Insula Morților este cea mai faimoasă operă de artă a lui Arnold Böcklin, atât în ​​timpul vieții sale, cât și astăzi. Böcklin a realizat cinci versiuni ale acestei picturi ciudate între 1880 și 1886.

Insula imaginară a emisferei sudice reînvie motivul antic al înmormântării insulei. Figura în picioare a defunctului în alb și barcagiul sunt centrul picturii, care este un simbol misterios menit să conducă dorințele ascunse și dorurile nespuse. Ca și în cazul multor peisaje dintre operele de artă ale lui Arnold Böcklin, acesta nu este un loc real, ci o dispoziție pictată sau vizualizată.

Operele de artă ale lui Arnold Böcklin sunt o sinteză subiectivă a lumii interioare și exterioare. Sunt noțiuni editate de amintiri pe care artistul le-a avut. Intenționând să reprezinte sufletul, Böcklin își memora observațiile despre natură și le materializa pe pânzele sale. The Insula Morților este descris de Böcklin ca: „Veți fi capabil să vă scufundați visând în lumea întunecată a umbrelor”.

2. Autoportret cu moartea cântând la lăutăresc , 1872

Arnold Böcklin și-a creat cel mai faimos autoportret la München în 1872. Tema este relația antitetică dintre viață și moarte și sensul acestei relații pentru artist. Deși pare melancolică, compoziția vorbește despre o conștientizare sporită a vieții. Încă din primii săi ani, explorarea morții ca metaforă a pătruns în operele lui Arnold Böcklin. Orașul său natal, Basel, s-a lăudat cu multe variante ale Dansul mortii , care poate l-a inspirat pe artist.

În Auto portret cu Death Playing the Fiddle, artistul ascultă cu atenție melodia Morții, transformând această viziune într-o metaforă a inspirației artistice. În concordanță cu sensibilitățile vremii, inspirația artistică a fost legată de ideea experiențelor limită. Mâna care ține pensula și paleta sunt baza de la care compoziția se ridică într-o piramidă culminând cu capul artistului. Moartea activă este în același timp un atribut pictat, opera artistului. Semnificația acestei lucrări este văzută în versiunile sale realizate de alți artiști germani din secolul al XIX-lea, Hans Thomas , Lovis Corinth și Oskar Zwintscher.

3. Jucând în Valuri , 1883

Pictat în 1883, Jucând în Valuri a primit o primire mixtă din partea criticilor de artă, dar entuziasmul pentru opera lui Arnold Böcklin a crescut rapid. Până la cea de-a treia expoziție internațională de la München din 1888 și cu siguranță în 1899, nebunia pentru opera lui Arnold Böcklin era în plină desfășurare. Istoricul de artă Cornelius Gurlitt (fratele dealer-ului lui Böcklin din Berlin, Fritz Gurlitt) a scris că publicul german a considerat această pictură „una dintre cele mai mari realizări ale secolului nostru”.

Spre deosebire de cea mai mare parte a operei sale, tabloul amintește de un incident cotidian la care a asistat Böcklin în timpul unei vacanțe pe coasta italiană. Prietenul său, zoologul Anton Dohrn, a surprins un grup de femei care scăldau, apropiindu-se de ele sub apă și reaparând brusc. În ciuda acestei interpretări mai comice a mitologiei grecești, imaginea nu este pur și simplu jucăușă. Paleta de culori este întunecată și melancolică, iar frica de pe fața femeii pare suficient de reală. Noi, ca privitor, ne confruntăm astfel cu un amestec ciudat de energie senzuală, înspăimântătoare și plină de umor.

4. Venus Anadiomene , 1872

La scurt timp după sosirea la München, Böcklin a început să lucreze la o nouă versiune a Nașterea lui Venus în 1872. Versiunea anterioară la care a lucrat la Basel a fost abandonată, parțial ca reacție la criticile aduse istoricului cultural și prietenului Joachim Burckhardt. Savantul, care era familiar cu cultura greco-romana si renascentista , s-a opus lipsei delfinilor și a valurilor mari tipice pentru scena nașterii lui Venus.

Această versiune, intitulată Venus Anadiomene , a inclus un delfin, dar unul care era departe de ceea ce și-a imaginat Burckhardt. Monstrul marin este probabil o referință la dezbaterile darwiniene contemporane din Europa. Venus însăși contrazice iconografia tradițională a temei clasice. Potrivit mitului, ea a ieșit din spuma valurilor sau dintr-o scoică de midii. Cupidonii, o altă parte tradițională a scenei, cu aripi de fluture, o îmbracă cu spumă de mare și o încoronează cu o coroană.

5. Vila la mare , 1865

Arnold Böcklin a conceput această compoziție în 1863, la scurt timp după întoarcerea sa la Roma, după o perioadă dificilă de lucru în Nord. Pictura a fost comandată inițial de marele susținător al lui Arnold Böcklin Contele Schack și a devenit foarte popular. În total, artista a produs cinci versiuni ale tabloului. Succesul său l-a încurajat pe Böcklin să continue să producă peisaje intensive similare, cum ar fi Insula Morților și Prometeu înlănțuit .

Decorul scenei este clasic, dar evocă o stare de dor care amintește de tradiția picturii peisagistice romantice nordice. Aceasta era o tradiție pe care Böcklin a absorbit-o în timp ce studia la Academia din Düsseldorf. Cea mai veche schiță a compoziției arată un cuplu sprijinit de un perete într-o reverie blândă de seară. Această versiune ulterioară, la fel ca toate celelalte, are un aspect mai tragic și mai singuratic, cu o singură femeie învăluită cu privirea spre mare. Există o senzație de presimțire, intensificată de vântul care bate printre plopii de deasupra vilei.

6. Prometeu înlănțuit , 1885

Tema picturii este Titanul Prometeu din mitologia greacă, care fura focul de la zei și l-a dat omului. El a fost pedepsit pentru aceasta de Zeus, care l-a înlănțuit pe o stâncă, unde venea zilnic un vultur să-și hrănească ficatul. În cele din urmă, a fost eliberat din această închisoare de către Hercule .

În secolul al XIX-lea, Prometeu a ajuns să fie văzut ca un simbol al libertății, un campion al omenirii împotriva tiraniei. De asemenea, a devenit un prototip al artistului, care a primit focul inspirației creative din ceruri. Imaginea lui Prometeu a jucat un rol cheie în formarea gândirii Karl Marx și Friedrich Nietzsche , care s-au văzut amândoi ca niște figuri asemănătoare lui Prometeu, furând noi perspective de la puterile de a inspira omenirea la rebeliune sau la conștiința de sine.

Arnold Böcklin și-a modelat propriul Prometeu pe baza unei picturi murale clasice a lui Tityus, un gigant din mitologia greacă care a suferit o soartă similară. Artistul a oferit o interpretare originală a temei, imaginându-l pe Prometeu în termenii unui peisaj atmosferic plin de condamnare. Una dintre fiicele lui Böcklin a susținut că decorul a fost inspirat de vederea norilor de pe dealurile din Monte Morello deasupra Fiesole.

7. Bătălia Centaurilor , 1873

Unul dintre cele mai comune motive și creaturi din bestiarul lui Arnold Böcklin este jumătate cal, jumătate om, centaur . Bătălia Centaurilor , finalizat la Munchen, a fost expus pe scară largă și a câștigat rapid popularitate în lumea vorbitoare de germană. Pictura este un omagiu adus reliefului de marmură neterminat al lui Michelangelo din 1492 Bătălia Centaurilor , reluând tropul mitic clasic al artei renascentiste.

Grandoarea temei și a dispoziției au vorbit cu naționalismul german de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Mai important, reflectă ideea unui centaur ca expresie a naturii duale a omenirii. Arată impulsurile animale ale umanității și spiritul care o conduce înainte.

Centaurii din operele de artă lui Arnold Böcklin sunt masivi, angajați în luptă, clocotând și scuipând de furie, cu globii oculari bombați de furie. Descrierea contemporană a picturii spune:

„...în mod evident, într-o epocă în care forțele elementare încă se luptau sălbatic între ele și pământul era încă ținut într-o continuă transformare de către forțele focului și apei, vedem creaturi vii din această perioadă furtunoasă teribilă a tinereții planetei noastre care stau într-o stare uimitoare. conformarea cu Creația care iese din acest Haos.”

8. Vanatoarea Dianei , 1896

Operele lui Arnold Böcklin s-au întors continuu la subiecte mitologice. Cu acest tablou, datat din 1896, Böcklin a revenit la un subiect pe care l-a pictat la începutul carierei sale pentru muzeul din orașul natal Basel. Prin urmare, această lucrare se referă la tinerețea sa, dar este și un omagiu al unui artist în vârstă față de marea tradiție a picturii clasice de peisaj.

Inspirația pentru această lucrare a făcut parte a lui Ovidiu Metamorfoze . Episodul amintește cum eroul Actaeon se pierde în timpul unei vânătoare , lovind și surprinzător zeița Diana în timp ce se scaldă nud într-un bazin de apă. Zeița, revoltată, l-a transformat într-un cerb, iar el este vânat și mâncat de proprii câini.

Böcklin a decis să o picteze pe Diana înarmată cu arcul ei, însoțită de mai mulți vânători și câini, urmărind un cerb rănit. Sunt plasate într-un peisaj aproape supranatural în care unele detalii au fost tratate cu mare precizie.

9. Idilă (Până printre coloane) , 1875

Păgânul lasciv Zeul grec Pan este unul dintre cele mai repetitive motive din operele lui Arnold Böcklin. Apărând printre coloanele pline de vegetație și înconjurate de viță de vie ale unui templu ruinat, Pan tulbură calmul idilic al unei zile de vară la țară cu muzica sa melancolică. El cântă pe o pipă de trestie cu opt tulpini, numită după Arcadian Nimfă Syrinx, care a fost salvată în zborul ei de avansurile sale poftitoare prin transformarea ei într-o trestie. Pentru a se consola de dezamăgirea lui în dragoste, Pan a făcut o țeavă de stuf din plantă. În reprezentările sale vizuale, instrumentul a servit drept atribut al lui Pan.

Elementele principale ale compoziției sunt tratate ca piesele unei scenete. Pan se uită la spectator peste mlaștina intermediară și la vegetația ei. El este îndepărtat de întruchiparea sa mitologică a puterilor naturii și își asumă o calitate oarecum umoristică.

10. O tavernă în Roma antică , 1867

În timpul primei sale șederi la Roma, între 1850 și 1857, Arnold Böcklin a participat la un festival de dans care a inspirat acest tablou. În ea, el combină liber detalii topografice observate cu elemente care erau pură invenție. În dreapta, găsim una dintre tavernele situate la Porta del Popolo, un important loc de întâlnire pentru pictorii germani la Roma în secolul al XIX-lea. În stânga este o mică structură rotundă care amintește de Templul lui Sant' Andrea al lui Vignola . Spre ea se îndreaptă o tânără condusă de un Cupidon. Un sfânt îmbrăcat într-o haină lungă albă însoțit de un tânăr gol a ajuns deja la lăcașul de cult. Spre deosebire de ele sunt figurile care dansează și cântă, care simbolizează pofta nestăpânită. Dihotomia amintește de Principiile apolinice și dionisiace lui Friedrich Nietzsche (cu care artistul era cunoscut). Opera de artă a lui Arnold Böcklin combină elemente dintr-o scenă de gen contemporan cu un festival păgân în onoarea lui Bacchus/Dionisie așa cum se sărbătorește în Antichitate.