Vizionar vienez: Viața și arta lui Gustav Klimt

Marcând tranziția de la istoricism la Jugendstil, opera lui Gustav Klimt a modelat începutul artei moderne la Viena. Picturile sale oferă o viziune asupra lumii în opulență și petrecere a timpului liber. În alegorii, portrete, peisaje și figuri erotice, el își concentrează atenția asupra frumuseții mai presus de orice, lăsând deoparte referirile directe la evenimente externe. Klimt și-a construit utilizarea culorii și modelului pe influențele artei japoneze, artei Egiptului antic și Ravenna bizantină.

Perspectiva plată, bidimensională a picturilor sale și calitatea stilizată a senzualității profunde a picturii sale sunt în fața figurii femeii. Pe lângă cariera sa artistică, nu se știe aproape nimic concret despre viața personală a lui Gustav Klimt. Reprezentat în cea mai mare parte prin auzite ca un bărbat de femeie, ipohondriac și un burlac cu un stil de viață echilibrat, omul din spatele artei rămâne oarecum un mister.

Viața timpurie a lui Gustav Klimt

Gustav Klimt s-a născut la 14 iulie 1862, ca al doilea dintre cei șapte copii ai lui Ernst, un gravor pe aur, și ai Annei Klimt, în suburbiile vieneze. După ce a absolvit o școală primară și gimnazială modernă, Gustav a fost admis la Școala de Arte și Meserii a Muzeului Regal Imperial de Artă și Industrie (Universitatea de Arte Aplicate din Viena) în 1876, la vârsta de 14 ani.

Lui Gustav i s-au alăturat curând frații săi la Școala de Arte și Meserii și a început să primească primele sale comisii. Aceasta a inclus lucrări la procesiunea festivă proiectată de „prințul-pictor” Hans Makart la aniversarea nunții împăratului Franz Joseph I și a împărătesei Elisabeta în 1879.

Frații Klimt, împreună cu Franz Matsch, au fondat un colectiv de studio, care a devenit cunoscut sub numele de companie de artist (Artists’ Organization în limba engleză) în 1883. Primele lor comisii comune au fost lucrările pentru biroul de arhitectură vienez Fellner & Helmer și picturile pe tavan pentru salonul Hermesvilla a împărătesei Elisabeta în 1885.

Spre deosebire de arta sa de mai târziu, pentru care este mai cunoscut, Klimt s-a format ca pictor al tradiției clasice. Ca artist cu o educație academică, Klimt fusese ales de către burghezia liberală bogată ca decorator al clădirilor lor prestigioase. Inspirat de o nouă abordare a realității, el s-a îndepărtat curând de idealurile și normele istoricismului artistic, atât din punct de vedere formal, cât și din punct de vedere al conținutului.

Stabilirea Secesiunii de la Viena

La mijlocul anilor 1890, o tânără generație de artiști aspiraționali a format un grup în cadrul Künstlerhaus (un spațiu de expoziție pentru artiști consacrați, similar cu Salonul de la Paris ). S-a ridicat împotriva conservativismului, susținând deschiderea de spații expoziționale mișcărilor moderne și internaționale. În 1897, artiștii rebeli, inclusiv Koloman Moser, Carl Moll și Alfred Roller, și-au proclamat despărțirea de Künstlerhaus. Sub președinția lui Klimt, au fondat Uniunea Artiștilor Austrieci Secesiunea Viena , intenționând să educe societatea prin concepte artistice orientate spre viitor și infuzând viața cu artă.

Secesiunea sa dovedit a fi un mare succes încă de la început. În 1898, a ținut atât prima cât și a doua expoziție. În același an, Secession a primit propriul spațiu expozițional odată cu ridicarea clădirii Secession proiectată de Iosif Maria Olbrich . Motto-ul înscris deasupra intrării, „ Pentru fiecare epocă arta ei, pentru artă libertatea sa ,” reprezintă până astăzi abordarea radical liberală a grupului. Trăsăturile definitorii ale noii mișcări au fost de a afirma ruptura ei cu tradiția academică oficială și de a spune adevărul despre omul modern. Pentru Gustav Klimt ca artist, aceasta a însemnat pierderea statutului său de pictor acceptat și consacrat pe care și l-a construit pentru sine de-a lungul anilor. Odată ce s-a îndepărtat de începuturile tradiționale, Klimt s-a trezit într-o serie de controverse care i-au definit și mai mult cariera.

Scandalurile lui Gustav Klimt

Împreună cu Matsch, Gustav Klimt a primit un comision pentru o serie de picturi pentru Universitatea din Viena în 1898 și 1899. Ca parte a lucrării, lui Klimt i s-au atribuit disciplinele de Filosofie, Medicină și Jurisprudență. Universitatea se aștepta la o serie de picturi formale într-un stil clasic similar cu Opera lui Rafael în Stanza della Segnatura . Totuși, ceea ce au primit efectiv după câțiva ani de muncă a provocat un astfel de scandal, încât Klimt a rambursat avansurile pe care le primise și a luat picturile înapoi.

Unul dintre tablouri, Filozofie , a fost expus la Paris la Expoziția Mondială din 1900 și a câștigat o medalie de aur, arătând diferența dintre cercurile artistice franceze și austriece. Al doilea tablou al seriei, Medicament , a stârnit și mai multe controverse. Figurile feminine din pictură au reprezentat o abatere completă de la stilul academic tradițional din secolul al XIX-lea. Femeile lui Klimt sunt cu părul lung și zvelți, având o conștiință sexuală care este atât atrăgătoare, cât și aproape amenințătoare în directitatea sa. Picturile facultății au asigurat că Gustav Klimt a pierdut patronajul împăratului și al altor personalități. Din fericire pentru el, a reușit să-și câștige un trai confortabil pictând în schimb portrete.

Cea de-a 14-a expoziție a Secesiunii din 1902 a dus la încă un scandal. De data aceasta, Klimt a contribuit cu o friză dedicată lucrării lui Ludwig van Beethoven menit a fi expus la clădirea Secession. Trei figuri alegorice ale Invidiei, Luxului și Excesului au fost concepute pentru a ocupa o parte din peretele central al încăperii în care Statuia lui Max Klinger a lui Beethoven urma să fie de asemenea expusă. În figura lui Invidie , Klimt folosește părul femeii atât pentru a-și ascunde sexul, cât și pentru a atrage atenția asupra acestuia. Exces seamănă nu atât cu o femeie, cât cu un pașa turcesc, cu pieptul extins pentru a forma sâni feminini. Societatea conservatoare vieneză a fost din nou profund șocată de aceste imagini.

Faza de aur a lui Klimt

Friza Beethoven a lui Gustav Klimt arată că, încă din 1902, el folosea deja câteva elemente caracteristice „fazei sale de aur”. Faza de aur a lui Klimt este reprezentată de lucrările pentru care este cel mai cunoscut astăzi, inclusiv Sarutul , Judith și capul lui Holofernes , precum și portretele lui Adele Bloch-Bauer , Danae , si multe altele. Utilizarea elementelor geometrice metalice a marcat începutul oficial al „fazei de aur” a lui Klimt, care a atins un punct culminant cinci ani mai târziu, cu primul său portret al Adelei Bloch-Bauer.

În 1903, în timp ce se afla într-o excursie la Ravenna, Klimt a fost foarte impresionat de mozaicurile creștine timpurii din bisericile din Ravenna . Rezultatele acestui interes au fost văzute în propria sa utilizare a modelelor asemănătoare colajului de ornament auriu și argintiu aplicate pe suprafața pânzei. Stilul lui Klimt a devenit o combinație de elemente naturale cu suprafețe mari de ornament geometric abstract.

Una dintre primele lucrări în care Klimt a folosit foile de aur adevărată este pictura lui Judith din 1901. Eroina poporului evreu poartă un choker de aur și o centură încorporată cu pietre prețioase. În fundal este folosit și aurul, cu motive de copaci și viță de vie.

Culmea fazei de aur a lui Klimt a fost primul Portretul Adelei Bloch-Bauer , terminat în 1907. Motivele ornamentale individuale folosite de Klimt din abundență arată varietatea influențelor stilistice. Rochia și fotoliul Adelei amintesc de mozaicurile aurii din Ravenna, motivele ochilor și triunghiului de pe rochia ei provin din bijuterii egiptene din aur, iar spiralele delicate din arta antica miceniana . Fundalul este alcătuit din fulgi mici asemănătoare cu paravanele și piese de lac din Asia de Est.

Ieșirea din Secesiunea Vienei

În 1905, conflictele interne și diferitele scopuri ale membrilor Secesiunii, care au fiert de ani de zile, au dus în cele din urmă la o ruptură între artiști. Un grup de secesionişti cunoscuţi sub numele de „stilişti”, căruia îi aparţinea Klimt, s-au separat de cei cunoscuţi ca „realişti”. Motivul despărțirii nu a fost nici estetic, nici stilistic, așa cum ar putea sugera numele, dar s-a datorat lui Klimt însuși. Așa-numitul „Grup Klimt” (artiști care au părăsit grupul împreună cu Klimt) a inclus cei mai distinși și renumiți membri ai Secesiunii, care au plecat pentru a-și urma propriile idei artistice.

Funcționând independent de Secesiune, Grupul Klimt a organizat una dintre cele mai importante expoziții de la începutul secolului XX, 1908 expoziție de artă . În discursul său de deschidere în calitate de lider al grupului, Gustav Klimt a subliniat importanța artelor aplicate, subliniind că nu există nicio diferență între artele vizuale „înalte” și artele aplicate „scăzute”. Expoziția a prezentat 16 lucrări ale lui Klimt centrate în jurul picturii Sarutul , achiziționată ulterior de către ministerul educației pentru Moderne Galerie (actuala Österreichische Galerie Belvedere). Oskar Kokoschka , un alt artist modern important, a debutat în expoziție la Kunstschau și și-a dedicat-o Băieții care visează lui Klimt.

Anii mai târziu și Moartea

La începutul anilor 1910, Gustav Klimt și-a continuat succesul internațional, cu pictura sa alegorică Moarte și Viață câștigând premiul I la expoziția internațională de la Roma în 1911. La fel ca contemporanii săi artistici, duelul dintre viață și moarte inspirase întotdeauna arta lui Klimt. Una dintre influențele clare asupra picturii lui Klimt a venit de la tânărul expresionist Egon Schiele , care a fost protejatul lui Klimt. Picturile și desenele lui Schiele exprimau în mod obișnuit neliniștea interioară, tipică expresionismului. Spre deosebire de lucrările tânărului expresionist, pictura Moartea a lui Klimt pare mai reconfortantă și mai plină de speranță, oamenii ignorând figura sa care se profilează.

În 1918, Marele Război s-a încheiat, aducând cu el căderea monarhiei austro-ungare și a capitalei sale imperiale Viena . Pe plan politic, întreaga Austrie a fost zdrobită, dar și cercurile sale artistice au suferit pierderi semnificative. Împreună cu Egon Schiele, Koloman Moser, arhitectul Otto Wagner și mulți alții, Klimt a fost dus de același val de moarte.

Pe 11 ianuarie 1918, Gustav Klimt a suferit un accident vascular cerebral în apartamentul său și a rămas paralizat pe o parte. La mai puțin de o lună mai târziu, pe 6 februarie, la Spitalul General din Viena, Klimt a murit de consecințele accidentului vascular cerebral și pneumoniei. Ca reacție la moartea lui Klimt, Berta Zuckerkandl, un critic de artă vienez, scrie: „… chiar și în aceste vremuri obișnuiți cu moartea, trecerea lui Klimt străpunge sufletele noastre ca pe ceva de neînțeles, ca o încălcare a unui dar minunat acordat omenirii”.

Moștenirea lui Gustav Klimt

După moartea sa, meritele lui Klimt ca artist erau încă discutate la Viena. A fost admirat de tinerii pictori vienezi Egon Schiele și Oskar Kokoschka și, deși Klimt le-a inspirat cu siguranță arta, nu a avut niciodată adepți adevărați. În timp ce Klimt a aparținut unei perioade de tranziție în artă, Schiele și Kokoschka au reprezentat începuturile expresionismului.

Klimt însuși îl admira Rodin și Whistler fără a le copia sau stilul lor de artă, așa că nu a avut nici predecesori siguri. Singura declarație pe care a făcut-o despre sine și despre arta sa a fost: „Sunt sigur că nu este nimic excepțional la mine ca persoană. Sunt pur și simplu un pictor care pictează în fiecare zi, de dimineața până seara.”

Astăzi, la mai bine de un secol de la moartea sa, Gustav Klimt este amintit ca fiind unul dintre cei mai remarcabili artiști moderni ai tuturor timpurilor. A lăsat un corp vast de lucrări, inclusiv în jur de patru mii de desene și multe tablouri . Deși Klimt nu a părăsit niciodată tărâmul realistului, utilizarea lui generoasă a modelelor și a ornamentelor a format o punte către abstractizarea tipică artei moderne.