A fost „Magazinul” lui Claes Oldenburg peisajul modern suprem?

Claes Oldenburg a proiectat și construit un întreg mediu plin de obiecte recunoscute de fiecare american. Instalația lui pop art numită Magazinul nu a fost doar o critică directă a societății capitaliste care tratează arta ca pe o marfă, ci a fost și un pas logic în dezvoltarea artei peisajului occidental. Citiți mai departe pentru a afla mai multe despre această piesă fascinantă de artă americană.

Ce a fost al lui Claes Oldenburg Magazinul ?

În 1961 celebrul artist pop Claes Oldenburg a deschis un magazin în Lower East Side din Manhattan. Sau era o galerie de artă? Sau un atelier? Ar putea fi toate acestea într-unul singur. În interiorul spațiului de pe 107 East 2nd Street, haine atârnate pe pereți, plăcinte și prăjituri erau aliniate în cutii, iar burgeri și bucăți de carne erau expuse cu cești de cafea deformate ciudat și cutii de sifon sparte. În centrul ei era o casă de marcat. Deși forma registrului era recunoscută, părea mai degrabă ca cineva a luat o Jackson Pollock pictat, mototolit-o și modelat-o în această formă.

Nici produsele de patiserie, nici sandvișurile nu erau comestibile. Oldenburg a realizat toate aceste obiecte din cele mai ieftine materiale posibile și le-a pictat cu doar șapte culori pure de vopsea conservată. Nu a vrut niciodată ca designul spațiului său să fie original sau inspirator. Era o copie conformă a unui magazin american la întâmplare: nu un butic sau un magazin alimentar elegant, ci mai degrabă un local mic cu produse ieftine de o calitate îndoielnică, găsite în fiecare cartier și condus probabil de o familie de imigranți. Oldenburg a creat o adevărată cutie de patiserie plină cu deserturi simple și recunoscute, cum ar fi mere confiate și sundaes cu înghețată, lenjerie de corp de tot felul înmuiate și modelate cu ipsos, cu etichete de preț, toate se termină cu 99 de cenți și articole de papetărie și postere ieftine care amestecă limba engleză cu spaniolă.

Claes Oldenburg, fiul diplomaților suedezi, a crescut în Chicago și New York și și-a inspirat mai degrabă din mediul său zilnic decât din concepte metafizice. Interesul lui Oldenburg pentru replicarea obiectelor de zi cu zi nu a fost un lucru unic. În anii următori, a proiectat mai multe piese pentru Magazinul și a creat o instalație separată intitulată Muzeul Șoarecilor , constând din diverse elemente ale vieții cotidiene americane.

Cu toate acestea, Oldenburg este cel mai bine cunoscut pentru sculpturile sale gigantice de conuri de înghețată, burgeri giganți cusuți manual și rujuri pe urme de omizi. Exagerând dimensiunea obiectelor sale, Oldenburg și-a forțat simultan publicul să le privească dintr-o perspectivă diferită și a schimbat mediul din jurul lor într-o scenă imaginară. Magazinul , în acest sens, avea mai multe subtexte. Poate fi citită ca o reamintire a practicii copiilor de a se juca cu bani și mărfuri adesea construite din orice obiecte disponibile. Un altul poate fi observat printr-un sentiment neliniștit asemănător cu efectul de vale nemaipomenită. Toate lucrurile expuse erau familiare și recunoscute, totuși dimensiunea lor nenaturală și textura necomestabilă au interferat cu procesul de identificare, frustrând creierul privitorului.

Filosofia artei pop și consumului performativ

Arta pop, cu obiectele sale strălucitoare, logo-urile și estetica americană, a fost un răspuns direct la dominația Expresionismul abstract pe scena artistică americană. Până în anii 1960, pânzele împrăștiate cu vopsea și pictura gestuală plictisiseră deja publicul. Așa cum se întâmplă întotdeauna cu orice tendință, pendulul a oscilat în direcția opusă: arta a trecut de la abstractizarea completă la tangibilitatea instantanee.

Comercializarea artei și nivelul nemaivăzut de producție și consum postbelic i-au inspirat pe artiștii pop în numeroase moduri. Reproducând arta ca marfă și reproducând logo-urile și ambalajele mărcii, arta pop a alimentat simultan mașina capitalistă, ridicând consumul extatic la statutul de religie și criticându-l cu propriile sale acțiuni performative și exagerate.

Cu toate acestea, mesajul nu a fost unanim între diferiți artiști pop. Andy Warhol , care a spus celebru că cumpărarea este mai american decât se gândește , implicat activ în consumul performativ, făcându-l să pară autentic. Claes Oldenburg, dimpotrivă, a preferat să facă un pas deoparte și a criticat deschis societatea capitalistă și comercializarea artei și a emoției.

O altă caracteristică cheie a operei lui Oldenburg, evidentă de-a lungul lungii sale cariere, a fost interesul real pentru obiecte așa cum erau. Reconstruind un magazin de proximitate, mărind burgeri sau plasând o cireșă uriașă pe o lingură enormă într-o grădină din Minneapolis, Oldenburg și-a îndemnat publicul să aprecieze obiectele cu o lupă. Artistul însuși a afirmat că singura regulă a operei sale a fost ca aceasta să nu aibă nicio funcție, fiind o formă pură.

Construcția unui peisaj natural

În esență, toate peisajele sunt artificiale și create de om, mai degrabă decât în ​​mod inerent naturale. Pictura clasică de peisaj a apărut în Europa secolului al XVII-lea și s-a dezvoltat dintr-o înțelegere subiectivă a unui peisaj natural ideal. Peisagiştii au creat scene imaginare, adesea cu referiri la antichitatea greacă şi romană, aliniind cu grijă elemente precum copacii şi stâncile pentru a obţine armonia perfectă a compoziţiei. Chiar și după ce paradigma a început să se schimbe către reprezentări mai realiste ale naturii, ca în cazul lui Barbizon pictori de școală, a fost rareori o adevărată scenă naturală. Aproape fiecare pictură de peisaj conținea urme ale activității umane văzute prin drumuri de pământ, mori de vânt, câmpuri de plug sau bărci pe mare. Toate acestea nu erau doar elemente decorative, ci semne ale activității umane, timpului și locului, epocii și culturii.

Industrializarea a schimbat drastic toate formele de artă, fără a lăsa pictura peisajului în urmă. Cu masele de muncitori care părăsesc zonele rurale pentru orașele în creștere cu mai multe locuri de muncă și oportunități, mediul lor zilnic s-a transformat. Mediul de lucru s-a mutat de la pășuni, câmpuri și mori la fabrici, birouri și străzile orașului. Deși tipul tradițional de peisaj cu scene de țară, țărmuri și păduri nu a dispărut, povara reprezentării prezenței umane în momentul actual a căzut pe umerii tinerilor artiști inovatori concentrați pe viața urbană.

The Impresionist peisajul își are rădăcinile în schimbările din viața de zi cu zi marcate de descoperirile și invențiile secolului al XIX-lea. Unul dintre cele mai importante aspecte a fost o invenție relativ mică, care abia a afectat un public mai larg, dar a schimbat modul în care artiștii au lucrat și gândit. Invenția vopselei în tuburi portabile a făcut posibilă pictura în exterior, eliminând intervalul de timp dintre asistența la o scenă și recrearea acesteia într-un studio. Datorită acestei noutăți, un peisaj ar putea fi acum o reflectare imediată a realității, călcat în picioare doar de fotografie în ceea ce privește producerea unui rezultat rapid. Clădirile moderne, luminile stradale, căile ferate și moda au fost toate repere ale momentului prezent.

Oricât de diferiți de impresioniști, artiștii pop aplicau în esență principii similare. Construind compoziții din clipuri de ziare, benzi desenate, reclame binecunoscute, logo-uri și ambalaje, ei nu s-au străduit să creeze ceva nou. Obiectivul lor principal a fost de a recrea un peisaj existent, într-un sens literal, ca mediu fizic care înconjoară generația lor. Prin crearea Magazinul, Claes Oldenburg a construit un peisaj familiar tuturor americanilor din timpul său și l-a plasat într-un mediu steril și exclusivist. Pentru Oldenburg, galeriștii au tratat arta precum clienții magazinelor de proximitate și-au tratat produsele de patiserie și ciorapii.

a lui Claes Oldenburg Magazinul împotriva lui Meow Wolf Omega March

În timp ce se gândesc la replica lui Claes Oldenburg a unui magazin de proximitate, mulți iubitori de artă își pot aminti proiecte similare ale altor artiști. Cel mai recent a fost prezentat publicului în 2021 la Las Vegas. Omega March de Meow Wolf este o simulare enormă a unui supermarket fantastic plin de lumină și sunet, locuri secrete de intrare și produse ciudate, cum ar fi apă de mlaștină îmbuteliată sau balsam de buze 5G, pe care le puteți cumpăra imediat. Din punct de vedere conceptual, ar putea arăta similar cu munca lui Oldenburg, variind doar în dimensiune, buget și interactivitate. Cu toate acestea, în timp ce Magazinul a fost un manifest anticapitalist clar și ironic scris în limba capitalistă, Omega March este în esență o atracție turistică, care echivalează consumul cu divertismentul.

Mai mult, aspectul său consumerist nu este limitat de necesitatea prezenței fizice. Cele mai multe dintre obiectele pe care le puteți găsi Omega March rafturile sunt de vanzare. Dacă nu poți ajunge la Las Vegas, poți oricând să comanzi online o bucată de experiență. Omega March își construiește narațiunea pe un amestec de utopie capitalistă și realism magic, combinând un cadru familiar și bunuri de consum inimaginabile. Ambele instalații sunt în esență peisaje capitaliste, dar Magazinul lasă loc unui comentariu social. În același timp, Omega March blochează orice posibilitate de a reflecta asupra acesteia prin stimulare senzorială nesfârșită și caracteristici comerciale încorporate. Acolo unde Oldenburg a văzut o problemă cu transformarea creativității într-o marfă, proiectele Meow Wolf au încurajat-o cu entuziasm, marfând și mai mult experiența și făcând-o accesibilă unei lumi mici de colecționari de artă, critici și publicul larg.