Vă rugăm să atingeți arta: filosofia lui Barbara Hepworth

Crearea lui Adam de Michelangelo , circa 1508-12, via Musei Vaticani, Vatican City; Mâinile atingând o sculptură clasică , prin CNN

Nu atinge. Aceste trei cuvinte mici alcătuiesc probabil cea mai rostită propoziție din orice muzeu sau galerie și din motive întemeiate. Efectele unei incapacități de a rezista tentației pot fi observate în fiecare instituție; din busturile cu nasul strălucitor în Trustul Național conac, până la capete frecate ale câinilor de marmură romani din muzeele italiene. Dar a afectat negativ această politică muzeală strictă modul în care interacționăm cu arta? Oare ceva artă chiar trebuie atinsă pentru a fi experimentată cu adevărat? Sculptor modernist englez Barbara Hepworth sigur asa a crezut.

Barbara Hepworth și importanța atingerii

Barbara Hepworth fotografiată de John Hedgecoe în studioul ei din St. Ives , 1970, prin The New York Times

Pentru Barbara Hepworth, atingerea a fost o parte esențială a practicii ei. Inspirația ei a venit în parte dintr-o copilărie petrecută în peisajul vast și dramatic din West Riding, Yorkshire. Artistul scrie, Toate amintirile mele timpurii sunt despre forme și forme și texturi... dealurile erau sculpturi, drumul definea forma.Mai presus de toate, era senzația de a se mișca fizic peste contururile plinătăților și concavităților, prin goluri și peste vârfuri – simțire, atingere, prin minte, mână și ochi. Hepworth a crezut întotdeauna că sculptura este cel mai esențial, un mediu fizic, tactil. Această înțelegere a formei ar putea fi a fost în artist aproape de la naștere.

Barbara Hepworth lucrează la tencuiala pentru Oval Form , 1963, prin Art Fund, Londra

Convingerea de-a lungul vieții a Barbara Hepworth că sculptura trebuie atinsă pentru a fi experimentată a fost probabil întărită de sculptorul italian Giovanni Ardini, un mentor al ei timpuriu. Întâlnindu-l întâmplător la Roma, la vârsta de douăzeci de ani, el i-a remarcat că marmura își schimbă culoarea sub mâinile diferitelor persoane. Această afirmație fascinantă presupune că atingerea este unul dintre modurile în care o persoană ar putea experimenta marmura. De asemenea, pare să ofere o putere egală artistului și publicului (poate că Hepworth, un socialist hotărât, a găsit această poziție neobișnuită de egalitate pe un mediu atât de venerat o sursă de inspirație).

Mulți ani mai târziu, într-o Interviu filmat în 1972 cu British Pathe , afirmă Hepworth, cred că fiecare sculptură trebuie atinsă... Nu poți să te uiți la o sculptură dacă ai de gând să stai țeapăn ca o baghetă și să te uiți la ea. Cu o sculptură, trebuie să mergi în jurul ei, să te apleci spre ea, să o atingi și să te îndepărtezi de ea.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Tehnica de sculptură directă și Non-Finito italian

Porumbei de Barbara Hepworth , 1927, în Muzeul de Artă din Manchester, prin intermediul site-ului web al lui Barbara Hepworth

De la începutul carierei, Hepworth, împreună cu primul ei soț John Skeaping și prietenul lor Henry Moore , a fost pionierul ‘cioplire directă ’ tehnica. Această tehnică îl vede pe sculptor lucrând la blocul lor de lemn sau piatră cu un ciocan și o daltă. Fiecare semn realizat rămâne foarte evident și evidențiază mai degrabă decât ascunde materialul original. Tehnica a fost văzută la acea vreme aproape ca un act revoluționar, venind într-un moment în care școlile de artă își învățau pe viitorii sculptori să modeleze în lut. Sunt create lucrări care au lăsată asupra lor prezența fizică a producătorului.

a lui Hepworth Porumbei, sculptat în 1927, a fost realizat folosind tehnica sculptării directe. Aici, Hepworth este ca un magician care își dezvăluie trucurile. Vedem blocul de marmură tăiat grosier și înțelegem porumbeii ca pe o iluzie. Dar, în loc să diminueze magia, această transformare de la piatră neclintită la pasăre netedă și blândă este și mai uluitoare. Este greu să reziste tentației de a atinge, să înțelegi mai bine cum a reușit ea asta.

Awakening Slave de Michelangelo, ca.1520-23, în Galeria Accademia, Florența

Această decizie conștientă de a dezvălui privitorului procesul, precum și articolul finit, se află în Renașterea italiană , în practica de neterminat (însemnând „neterminat). Neterminat sculpturile par adesea ca și cum figura ar încerca să scape din bloc ca și cum ar fi așteptat înăuntru tot timpul. În cuvintele lui Michelangelo ,Sculptura este deja completă în blocul de marmură, înainte de a-mi începe munca. Este deja acolo, trebuie doar să dăltuiesc materialul de prisos.

Pelagos de Barbara Hepworth , 1946, via Tate, Londra

La ceva timp după cel de-al Doilea Război Mondial, Barbara Hepworth s-a angajat într-o serie de sculpturi în lemn, folosind cel mai frumos, dur și minunat cherestea caldă, guarea nigeriană. Ele evidențiază, mai mult decât orice altă lucrare, cea a lui Hepworthpreocupare pentru formă și joc, între interior și exterior, între forme și texturi diferite și încordare. Există ceva în contrastul dintre exteriorul lustruit și interiorul aspru, cizelat și sfoara întinsă care leagă ambele suprafețe, care părea să implore publicul să le atingă.

Camera Henry Moore la Tate Britain fotografiat deRikard Österlund ,prin Tate, Londra

Vedeți, sculptura este un lucru tactil, tridimensional, însăși prezența ei ne cere mai mult ca privitori decât orice pictură. Henry Moore este un alt exemplu. Aproape că cineva vrea să se ghemuiască cu figurile sale ușor înclinate. The două camere în Tate Britain dedicat sculptorului se simte plin de, mai mult decât corpuri neînsuflețite de piatră, turiști relaxați pe o plajă. Simți că ai intrat în acea liniște mulțumită care vine după un prânz lung și enorm. Există ceva în intimitatea camerei care face să pară străin faptul că nu le poți atinge.

De ce este atât de tentant să atingeți?

Turiști și studenți atingând picioarele lui John Harvard , 1884, prin Harvard Gazette, Cambridge

Este important să ne amintim că arta și atingerea nu sunt doar un fenomen al secolului al XX-lea. Talismane antice , despre care se credea că sunt impregnate cu anumite puteri, erau opere de artă făcute pentru a fi ținute și ținute aproape pentru siguranță. Vedem și astăzi importanța atingerii operelor de artă și a obiectelor în practica religioasă. Icoanele venerate ale sfinților catolici sunt sărutate de mii, sculpturile în piatră ale zeilor hinduși scăldate în lapte. Superstiția joacă și ea un rol. Imaginea de mai sus prezintă turiști și studenți noi care stau la coadă pentru a atinge picioarele lui John Harvard , care se presupune că aduce noroc.

Știm că nu avem voie, așa că de ce suntem încă atât de mulți dintre noi care nu pot rezista tentației de a atinge? Fiona Candlin , Aprofesor de muzeologie la Birkbeck College din Londra și autor al Artă, muzee și atingere , invocă următoarele motive. Ea susține că atingerea poateîmbunătăți experiența noastră educațională. Dacă doriți să aflați despre finisajul unei suprafețe sau despre cum sunt îmbinate două piese sau care este textura a ceva, singurul mod în care puteți face acest lucru este prin atingere. Atingerea ne poate aduce și mai aproape de mâna producătorului și ne poate confirma autenticitatea.

Când a fost intervievat de jurnalistul CNN Marlen Komar , spune Candlin, poate exista o neclaritate reală între muzee și experiențe și parcuri tematice și lucrări de ceară. Adesea, dacă aveți obiecte cu adevărat mari expuse - dacă vă gândiți să intrați în galeriile egiptene din British Museum sau Met. Unii oameni nu pot să creadă că ai expune lucruri reale fără sticlă în jurul lor. Nu sunt siguri și își dau seama că dacă o ating, pot face o evaluare.

Copie a Afroditei din Knidos , original realizat în ca.350 î.Hr., înMuzeul Vaticanului, prin Universitatea Cambridge

Atingerea de artă s-a înrăutățit, fără îndoială, în epoca selfie-ului (sau dacă nu mai rău, cu siguranță mai bine documentat). Sunt nenumărate fotografii care plutesc pe internet cu turiști cu brațele peste umerii unor figuri celebre, mângâind pe capetele leilor de marmură sau bâjbând în glumă un fund gol. Acesta din urmă, de fapt, are un precedent istoric.The Afrodita din Knidos de secolul al IV-lea î.Hr. sculptor Praxiteles a fost una dintre primele sculpturi ale unei femei complet nud. Frumusețea ei a făcut-o una dintre cele mai erotice piese de artă din lumea antică. Și ea a făcut destulă agitație. Scriitor antic Pliniu ne spune că unii vizitatori au fost literalmente „depășiți de dragoste pentru statuie”. Ia din asta ceea ce vrei.

De ce avem nevoie de această politică a muzeului?

Detaliu de la David de Michelangelo, 1501-1504, în Galeria Accademia, Florența

Deci, politica muzeului ne vinde scurt, prin faptul că nu ne lăsăm să atingem operele de artă? În mod realist, desigur, aceasta este o întrebare imposibilă. Cât va dura cel al lui Michelangelo David Ultimul dacă fiecare dintre acele mii de vizitatori ai Florenței și-ar pune mâna pe corpul lui musculos? Poți fi sigur că acel culoar rotund de piersici al lui ar fi primul lucru care trebuie să plece. Da, putem privi, dar nu atingem în acest caz. Pentru mai multă inspirație, căutați hashtag-ul best museum bum (#bestmuseumbum). A fost în tendințe la începutul acestui an ca curatorii concediați au concurat în timpul blocării Covid-19 .

Dar să revenim la subiectul important al îngrijirea colecţiilor muzeelor . Acest lucru se concentrează în primul rând pe conservarea operelor de artă și a obiectelor notabile pentru anii următori. Se realizează prin punerea în aplicare a unor proceduri pentru a preveni deteriorarea și a încetini rata de deteriorare a operelor de artă și a obiectelor. Din păcate pentru noi, cel mai comun mod în care funcționează într-o colecție poate fi deteriorat este prin eroare umană. Totuși, chiar și fără incidente, pur și simplu prin manipulare și atingere, putem deteriora cu ușurință o lucrare. Uleiurile naturale și excrețiile din pielea noastră (oricât de mult ne spălăm pe mâini) sunt suficiente pentru a păta paginile unei cărți, sau o imprimare sau un desen antic.

Vom experimenta vreodată arta muzeului ca sculpturile lui Barbara Hepworth?

Făcând selfie în fața lui Van Gogh Noapte înstelată la MoMA , 2017, prin The New York Times

În ciuda riscurilor, asta este important ca colectiile sa fie gestionate. Atât în ​​scopul practic de a muta obiecte în jurul unui muzeu, dar și ca un instrument suplimentar pentru educație. Având în vedere acest lucru, multe muzee organizează acum sesiuni cu scopul de a manipula (unele dintre cele mai puțin delicate) obiecte din colecția lor.

Muzeele și politica muzeelor ​​sunt vitale pentru păstrarea moștenirii noastre umane și naturale. Și uneori este prea ușor să uităm că avem și un rol de jucat. Deci in concluzie, in general,nu, nu ar trebui să ne atingem de artă. Dar atunci când căutăm, nu ar trebui să uităm niciodată că o anumită artă a fost, și uneori încă poate fi, apreciată de mai mult decât de unul dintre simțuri.