5 tablouri care au inspirat regizori celebri

Înainte de filme, existau doar imagini. Apoi au venit frații Lumière, care au arătat lumii cum un ansamblu complicat de alambicuri poate converge unul cu celălalt pentru a crea o formă de artă diferită de oricare alta. Pe măsură ce invenția lor revoluționară continuă să avanseze, mulți realizatori de film continuă să caute inspirație la artiști din epoci diferite. Iată cinci exemple despre modul în care istoria artei a influențat filmul.

1. Influența lui Caravaggio asupra marelui cineast Martin Scorsese

Probabil cel mai mare regizor al tuturor timpurilor, cunoștințele enciclopedice ale lui Martin Scorsese despre lumea artei sunt cu adevărat de neegalat. Deși este în mod normal asociat cu experiența sa în film și muzică, competența sa în arta clasică este, de asemenea, destul de evidentă în munca sa. Uneori este flagrant ca în 1993 Epoca Inocenței unde recreează cu grijă opera de artă, peisajul, arhitectura, designul interior și garderoba din New York-ul anilor 1870. Deși de cele mai multe ori el implementează aceste influențe mai subtil, așa cum este cazul primului său film substanțial Străzi medii .

Amplasat în New York-ul anilor 1970, filmul este despre animozitatea dintre tinerii italo-americani în timp ce aceștia merg pe linia dintre cetățenia onestoasă și loialitatea mafiei. Majoritatea scenelor se desfășoară în baruri în care personajele, și anume Robert De Niro, în rolul său de vedetă ca Johnny Boy, caută să-și plătească datoriile și să-și mărească împrumuturile. Aceste scene sunt concepute similar cu cele ale lui Caravaggio Convertirea Sfântului Pavel, Judith tăind capul lui Holofernes în ceea ce privește modul în care cadrele sunt încadrate și aprinse. În ciuda liniștii sale, pictura de la controversat artistul ilustrează clar povestea care a avut loc înainte, în timpul și după imagine. Același lucru se poate spune despre Străzi medii prin faptul că imaginile secvențelor de bare dezvăluie relațiile dintre personaje chiar înainte ca dialogul să înceapă.

Scorsese însuși admite acel Caravaggio a pătruns într-un fel în întregimea secvențelor de bare... El a fost acolo în felul în care mi-am dorit mișcarea camerei, alegerea modului de a pune în scenă o scenă. . Această abordare se aplică și modului în care ambii artiști folosesc violența în lucrările lor respective, deoarece nu este niciodată gratuită sau lipsită de gust. Ele subliniază autenticitatea momentului arătând a o privire rapidă a șocului spre deosebire de a insista asupra ei. Amprentele lui Caravaggio pot fi găsite în filmografia lui Scorsese.

2. Michael Mann Adaptare a Pacific de Andrew Colville

Spre deosebire de selecția anterioară, aceasta este un exemplu al modului în care o imagine pictată poate fi recreată pe ecranul argintiu datorită puterii absolute a esteticii sale. Nu mulți se gândesc la Michael Mann când vine vorba de marii regizori din toate timpurile, dar între filmul din 1981 Hoţ , 1985 Vanator de oameni , 1991 Ultimul dintre mohicani , și 2004 Colateral , filmografia lui poate fi la fel de eclectică ca oricare alta. Cu toate acestea, cel mai cunoscut film al său este epopeea crimei din 1995 Căldură iar cadrul său cel mai iconic este desenat direct din tabloul lui Andrew Colville intitulat Pacific .

Cea mai captivantă calitate a lucrării lui Colville este ambiguitatea sa intelectuală, deoarece îi face pe spectatori să pună o serie de întrebări în timp ce observă imaginea. Cine este acest barbat? Este un criminal? Aceasta este casa lui? Tocmai a folosit arma aia? În timp ce Mann nu a discutat niciodată public Pacific influența lui asupra Căldură , se vede că el este un admirator al misterioasei piese de artă.

În Căldură , care îl joacă pe Robert De Niro în rolul unui priceput jefuitor de bănci Neil McCaughley, Mann ia ceea ce ar fi o poveste obișnuită cu polițiști și hoți și o amplifică cu personaje detaliate care navighează în comportamentele lor umane. Acest lucru se arată devreme, când un McCaughley neliniștit se întoarce la casa lui de pe plajă după ce un nou partener de-a lui devine nesăbuit și abandonează echipajul; o eroare neobișnuită pentru un om de natura lui. Își pune arma și cheile pe o masă și se apropie de o fereastră cu vedere la Oceanul Pacific. Tocmai cu acest moment înghețat în timp, la fel ca Colville, Mann provoacă privitorul să se întrebe în același mod în care face McCaughley și să emită o judecată sinceră a complicatului său antagonist.

3. Influența lui Hippolyte Flandrin în filmele lui Paul Thomas Anderson

Similar cu Scorsese, mintea lui Paul Thomas Anderson (cunoscut sub numele de PTA în comunitatea cineastă) este bogată cu referiri la literatură, muzică și artă. Are tendința de a-și baza cinematografia pe piese de artă iconice, cea mai faimoasă fiind cu ușurință una din filmul său. Viciul inerent care recreează inteligent pe a lui Leonardo da Vinci Ultima cina pentru nu prea multe motive în afară de distracție. Cu toate acestea, este în capodopera sa din 2007 Va fi sânge că afinitatea lui pentru picturi se amestecă cu grație cu dragostea lui pentru film.

Studiu (Tânăr nud masculin așezat lângă mare) de Hippolyte Flandrin, a cărui lucrare a fost realizată în timpul Al doilea Imperiu Francez , este similar cu Pacific prin aceea că înfățișează o figură a cărei poveste este vagă. Fie că tânărul a naufragiat pe această plajă sau este doar lupul singuratic al haitei sale, angoasa lui este palpabilă. Moda în care Paul Thomas Anderson adaptează această imagine Va fi sânge este fascinant, deoarece îi permite protagonistului Daniel Plainview, interpretat de uimitor Daniel Day-Lewis, să reacționeze la vizual într-un mod care să informeze și reacția publicului. Figura tragică de pe plaja pitorească este deja o imagine puternică în sine, dar momentul în care apare în poveste (un accent cheie în piesa lui Flandrin) nu face decât să-i sporească puterea.

Paul Thomas Anderson este unul dintre acei regizori care nu vorbește prea mult cu presa despre filmele sale la lansare, o decizie admirabilă din partea sa, deoarece este la latitudinea spectatorilor să-i judece munca fără nicio explicație. La urma urmei, artiști precum Flandrin nu au fost nevoiți să acorde interviuri despre munca lor după ce aceasta a fost finalizată, așa că de ce ar trebui Paul Thomas Anderson?

4. Utilizarea de către Terrence Malick a realismului lui Andrew Wyeth

Dacă ar fi existat un regizor de seamă care ar fi putut fi cu ușurință un pictor impresionist într-o altă viață, cel mai probabil ar fi Terrence Malick. Cunoscut pentru procesul său anevoios de filmare, de la scrierea scenariului până la editarea finală, a spune că este un perfecționist ar fi o subestimare masivă. Dar pentru cât de precis este el ca vizualist, abordarea lui cu personajele este mai organică, deoarece adesea îi lasă pe actori să improvizeze modul în care se mișcă printr-o scenă.

Același sentiment derivă din a lui Andrew Wyeth frumos tablou Lumea Christinei care înfățișează o tânără întinsă pe un câmp înierbat. Este un alt exemplu în care privitorul trebuie să se întrebe cum și de ce a ajuns Christina în acest loc. În esență, fiecare personaj din fiecare film Malick are exact aceeași calitate - sentimentul că sunt întotdeauna, la figurat și uneori la propriu, conectați la Pământ.

În timp ce temele din Lumea Christinei se aplică tuturor lucrărilor lui Malick, influența sa este cea mai evidentă în drama romantică din 1978. Zilele Raiului . Filmul este despre călătorii din vestul mijlociu american la începutul secolului al XX-lea, unde toată lumea caută să lovească un fel de avere. Există o poveste captivantă în centrul ei, dar în cele din urmă cele mai impactante scene sunt momentele din felul de viață în care personajele pur și simplu trec prin peisajele expansive dincolo de ele și se conectează cu toată viața din jurul lor.

5. Utilizarea de către regizorul Stanley Kubrick a artei lui Dante Gabriel Rossetti

Aparent un savant artistic din ziua în care s-a născut, Stanley Kubrick a început să facă lungmetraje la vârsta fragedă de 23 de ani și a explorat o varietate de genuri diferite de-a lungul carierei sale desăvârșite. Din comedia absurdă a Dr. Strangelove , fantezia epică a 2001: O odisee a spațiului, spre oroarea viscerală Strălucirea, nu exista niciun tip de film pe care Kubrick nu ar fi putut face.

Având în vedere diversitatea materialului cu care sa amestecat Kubrick, el a fost forțat să se bazeze în mare măsură pe expertiza sa în arta tradițională pentru a-și influența opera. Cel mai evident exemplu în acest sens este drama din 1975 Barry Lyndon care se simte literalmente ca o serie de picturi din secolul al XVIII-lea care au prins viață, dar cel mai intrigant în ceea ce privește relația sa cu arta tradițională este filmul său final enigmatic. Ochii larg închiși care a fost finalizată cu doar câteva zile înainte de moartea sa prematură. Fiind unul dintre cele mai dificile filme ale sale de descifrat, spectatorilor le revine să scaneze atent fiecare cadru și să-i descopere misterele artistice.

Ochii larg închiși este despre un cuplu căsătorit interpretat de Tom Cruise și Nicole Kidman, care se confruntă cu pericolele de a scăpa din zonele lor de confort, conflictul lui Cruise implicând un cult sexual înfiorător. În timpul unei scene în care întâlnește o revelație într-o cafenea, există tablouri împrăștiate pe pereți, unul dintre cele mai proeminente fiind Astarte siriac de Dante Gabriel Rossetti . Nu numai că este un portret care seamănă vag cu aspectul personajului lui Kidman, dar temele sale de exotism și senzualitate pătrund pe tot parcursul filmului. Deși poate părea o simplă decorare a decorului, este mai bine să presupunem că selecția lui Kubrick a fost emfatică, deoarece nu există niciun detaliu în filmele sale căruia să nu i se acorde o atenție și o atenție deosebită.