3 dintre cele mai controversate tablouri din istoria artei

Critic de artă de Norman Rockwell

Originea lumii de Gustave Courbet

Originea Lumii , pictat în 1866 de artistul realist Gustave Courbet, este o icoană provocatoare a artei moderne. Niciodată nu a îndrăznit cineva să înfățișeze nuditatea într-un mod atât de direct și naturalist, răsturnând toate idealurile romantice care au definit estetica comună contemporană.

Originea lumii, Gustave Courbet, 1866, via Wikiart

Pictura fusese comandată de Khalil Bey, un diplomat și ambasador turco-otoman care locuia la Paris la acel moment. El a colecționat în principal imagini erotice, inclusiv lucrări de Ingres și alte pânze Courbet. Cu toate acestea, turcul, renumit pentru stilul său de viață generos, a fost nevoit să-și vândă colecția după falimentul personal. După aceea, pictura lui Courbet a intrat în subteran, schimbându-și proprietarii până când a ajuns în sfârșit în posesia psihanalistului Jacques Lacan. Dar nici măcar el nu ar îndrăzni să arate publicului Originea lumii. În schimb, l-a angajat pe cumnatul său, pictorul André Masson, să creeze un cadru dublu în spatele căruia să-l ascundă. În mod ironic, Masson a decis să facă un peisaj pe o ușă glisantă din lemn și a intitulat-o Originea Lumii .

Masking the Origin of the World de Courbet, comandat lui André Masson de Jacques Lacan

Ar dura mai bine de 100 de ani pentru ca tabloul să fie expus pentru prima dată la Muzeul Brooklyn în 1988. Pentru prima dată, publicul s-ar fi confruntat cu selectivitatea extremă a punctului de vedere al lui Courbet, cu decuparea nemiloasă care îndepărtează această imagine erotică din orice context care ar putea să o atenueze sau să o explice. Este o operă de artă extremă, pictată în așa fel încât privitorul să nu reziste să o privească. Vulva întredeschisă, chiar în centrul operei de artă, pare chiar să privească înapoi la privitor, prinzându-l în propriul său voyeurism.

Dar ce anume a făcut această pictură atât de controversată?

Să facem un pas înapoi. Gustave Courbet, născut în 1819 la Ornans, aproape de Besançon, este adesea privit drept artistul de pionier al secolului al XIX-lea care a respins tradiționalismul academic, provocând simțul stabilit al frumosului dictat de Salon de Paris în cel mai extrem mod. Nudurile lui au fost atât de scandaloase încât au fost primite chiar cu atenția poliției. Courbet a căutat neîncetat conflicte atât din punct de vedere artistic, cât și din punct de vedere social, cu scopul de a schimba gustul publicului și modul de a vedea . Lucrările sale realiste au influențat artiști mai tineri precum Édouard Manet, deschizând calea pentru viitor mișcare impresionistă .

Omul disperat (Autoportret), Gustave Courbet, 1843 – 1845, via Wikiart

Courbet a pictat în mod regulat nuduri feminine, uneori într-un stil libertin, Muzeul d’Orsay din Paris, care deține tabloul din 1995, scrie pe site-ul său, dar în Originea lumii, el a făcut îndrăzneală și sinceritate, ceea ce a conferit picturii sale o fascinație aparte. Descrierea aproape anatomică a organelor sexuale feminine nu este atenuată de niciun dispozitiv istoric sau literar...

Franchețea, crudă și brută, face ca această pictură să fie atât de provocatoare. Este în contrast direct cu titlul picturii, care conține o afirmație universală despre originea existenței umane. În timp ce lumea cuprinde realitatea și adevărul făcute de om, pământul, așa cum este descris în pictură, este compus din explicit și material. Lupta dintre acești doi – între lume și pământ – este ceea ce a fost numit The Originea operei de artă de filozoful german Martin Heidegger în 1936. Titlul idealist și reprezentarea realistă a motivului din pictura lui Courbet se află, fără îndoială, într-o relație tensionată unul cu celălalt. Acest efect a fost cel mai probabil intenționat de Courbet, care, de asemenea, respinge orice pretenție conform căreia opera de artă trebuie înțeleasă ca pură pornografie.

Marina Abramovic la Fondation Beyeler, 2014, prin Pinterest

În timpul unei vizite la Fundația Beyeler din Basel în 2014 , subliniază Marina Abramovic într-un video YouTube importanţa provocării în art. În afară de a pune întrebări despre spiritualitate, societate și politică, arta trebuie să poată prezice viitorul și, prin urmare, trebuie să fie profund tulburătoare, spune ea. Acum, suntem în viitor, iar pictura mai face la fel. Este încă tulburător, încă pune aceleași întrebări. Și încă nu este acceptat de multe societăți. Asta o face o lucrare atât de importantă și, prin urmare, are încă o viață lungă înainte.

Cel mai probabil, pictura nu va înceta să provoace discuții între istoricii de artă, artiști și public.

Olympia de Édouard Manet

Aproape în același timp cu pictura lui Courbet Originea lumii , artistul mai tânăr Édouard Manet și-a expus pictura Olimpia la Salonul Parisului în 1865, provocând unul dintre cele mai mari scandaluri din istoria artei.

Olympia, Edouard Manet, 1863, via Wikiart

Modelele lui Manet pentru pictura sa au fost Venus adormită de Giorgione și, chiar mai important, Venus din Urbino de Titian pe care Manet o copiase în timpul unei călătorii de studii. Ambele au fost pictate în timpul Renașterea italiană , iar ambele motive sunt femei goale. Chiar dacă Olympia lui Manet minte exact în același mod ca modelele sale din secolul al XVI-lea, aceasta a fost în cele din urmă principala cauză a scandalului.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Dar mai întâi, să analizăm asemănările izbitoare: atât Venuses, cât și Olympia sunt înclinate pe brațul drept și își sprijină mâna stângă în poală. In timp ce Venus adormită este plasat în fața unui peisaj, ambele Venus din Urbino și Olimpia sunt în interiorul unei case, stând treaz și privind înapoi la privitor. Fundalul este împărțit de o verticală, atrăgând în mod intenționat atenția asupra poalei figurii centrale. De asemenea, celelalte persoane prezentate în tablouri poartă haine, punând accent pe nuditatea lui Venus și a Olympiei. În plus, ambele femei poartă un brățar, iar ambele picturi conțin reprezentarea unui animal de companie. Referința lui Manet este evidentă.

Venus adormită, Giorgione, 1508 - 1510, via Wikiart

Înainte de expoziția de Olimpia , totuși, tradiționalul Salon de Paris nu fusese niciodată expus reprezentării unui nud non-mitologic sau non-oriental. Academia a cerut referiri la figuri din trecut și din mitologie sau la persoane care sunt scutite de idealurile morale occidentale pentru a accepta nuditatea în artă. Olimpia nu are, dimpotriva, nici un model anterior si nici un model oriental. Cu atât mai mult, face aluzie la antagonistul omonim al lui Alexandre Dumas din romanul său T el Doamna Cameliilor care tocmai fusese publicată cu câțiva ani înainte. În plus, numele Olympia era o poreclă populară pentru o prostituată la acea vreme.

Venus din Urbino, Titian, 1538 via Medium

Simbolismul din pictura lui Manet trebuie interpretat în acest context intenționat. În timp ce în Venus din Urbino a lui Titian, slujnicele sunt ocupate cu un cufăr de nuntă și un câine adormit se odihnește la picioarele lui Venus, făcând aluzie la loialitatea domestică, Manet a pictat în schimb o pisică neagră, semnificând promiscuitate și de obicei înțeleasă ca un semn rău. În plus, servitorul din pictura lui Manet predă un buchet de flori, care este considerat un cadou tradițional de la îndrăgostiți. După ce a precizat că Olympia este o prostituată, contactul ei vizual direct cu spectatorul devine profund controversat, deoarece acesta era un privilegiu care era de obicei acordat doar unui client. Cu Olimpia , Manet reuseste sa transfere responsabilitatea morala asupra privitorului.

Aspect al Salonului în ziua deschiderii, Honoré Daumier, 1857

Dar nu numai motivul a provocat scandal. Era și stilul de pictură al lui Manet. S-a abținut să aplice nuanțe detaliate între strălucitor și întuneric, făcând pictura să pară bidimensională. Gustave Courbet a comentat că totul părea foarte plat, fără nicio ușurare. Cu toate acestea, alți critici precum Émile Zola au lăudat modul radical de a picta al lui Manet. Abținându-se de la încercarea de a modela prin vopsea și de a crea o falsă tridimensionalitate, au văzut în el un adevărat revoluționar.

Furtuna de Giorgione

Artistul Giorgione este considerat a fi cel mai mare mister din istoria artei. Se știu puține despre anul nașterii sale, profesorii săi (deși influența lui Giovanni Bellini a fost atestat de mulți savanți) și clienții săi – în ciuda tuturor cercetărilor care au fost făcute asupra lui și asupra operei sale. Cu toate acestea, din moment ce Giorgione nu și-a semnat lucrările, nu putem spune cu certitudine câte picturi a realizat de-a lungul vieții.

Madonna cu Pruncul, Giovanni Bellini, 1510, via Wikiart

Giorgione s-a născut în jurul anilor 1477-8 la Veneția, cu numele Giorgio da Castelfranco. A inițiat stilul înaltă renaștere la Veneția și a devenit un pictor italian influent. Cea mai faimoasă lucrare a lui Furtuna incarnează stilul său de pictură misterios și capricios. Prezintă o scenă pastorală evocatoare, care este printre primele de acest gen din pictura venețiană

Ce face acest artist atât de fascinant, provocând o dezbatere de un secol?

Giorgione era un spirit liber. El a contestat convențiile creștine ale societății și idealurile antichității în timp ce a determinat lucrările colegilor artiști contemporani. Era suficient de liber pentru a-și crea propriile motive și pentru a le picta fără compromisuri. Începea să picteze fără țintă și își adapta treptat compozițiile până când își găsea în sfârșit o idee, dădea peste ceea ce căuta de fapt. Metoda lui de aplicare a culorilor a reprezentat și individualitatea lui. S-a abținut de la contururi riguroase, lucrând aproape exclusiv cu puterea inerentă a paletei sale de culori.

Furtuna, Giorgione, 1506 - 1508, via Wikiart

Datorită acestei libertăți artistice, lucrările pe care Giorgione le-a creat sunt supuse unui grad ridicat de ambiguitate. În Furtuna , care este expus în Galeriile Academiei din Veneția , Giorgione a descris două figuri care nu par a fi în întregime parte a compoziției. Este o femeie care alăptează un copil, pictată într-o nuanță de culoare mult mai deschisă decât cea din jur, astfel încât atenția să fie intenționată asupra lor.

Mai mult, și mai important, femeia se uită înapoi la privitor, liniștită, într-un mod complet senin. Se pare că nici măcar n-ar fi observat furtuna, fulgerul și tunetul care năvăli în spatele ei. De asemenea, ea nu l-a observat pe bărbatul care stă în colțul din stânga din față al tabloului, privind în direcția ei. Este ca și cum ea și copilul nu ar aparține doar realității picturii. În schimb, ea preferă să interacționeze cu lumea noastră. Ea se uită la noi, noi ne uităm la bărbat, bărbatul se uită la ea și așa mai departe.

Misterul și fascinația care se învârte în jurul lui Giorgione sunt la fel de nesfârșite ca și cercul în care artistul îi prinde pe spectatorii picturii sale. Poți încerca să o spargi. Sau puteți pur și simplu să vă bucurați și să vă răsfățați.