Minunile artei optice: 5 caracteristici definitorii

Vedere instalație Peter Kogler la Galerie Mitterand , 2016; cu Epoff de Victor Vasarely, 1969; și relativitatea de M.C. Escher, 1953

Iluziile optice i-au fascinat pe artiști de secole, dar abia din anii 1960 termenul de Artă optică sau Op Art a devenit recunoscut ca o mișcare de artă verificabilă în sine. Această formă de practică artistică explorează minunile magice ale iluziilor optice, emoționând simțurile și perturbând percepțiile noastre fiziologice și psihologice cu modele ciudate care induc umflarea, deformarea și estomparea sau creează iluzii terifiante de adâncime, lumină și spațiu. Vizionarea acestor lucrări de artă poate fi o experiență cu adevărat uluitoare, ridicându-ne din lumea obișnuită și în tărâmurile suprarealului și fantasticului. În acest articol examinăm cinci dintre cele mai comune caracteristici care au definit arta optică în timpurile moderne și contemporane. Dar mai întâi, să aruncăm o privire asupra evoluției istorice a artei optice și a artiștilor care au deschis calea pentru practicanții de astăzi.

Istoria artei optice

Ambasadorii de Hans Holbein cel Tânăr , 1533, prin The National Gallery, Londra

Deși ne-am putea gândi la modelele și culorile nebunești ale Artei optice ca fiind un fenomen contemporan, efectele optice au fost o componentă vitală a istoriei artei încă din perioada Renașterii. Unii ar putea spune chiar că descoperirea perspectivei liniare la începutul Renașterii a fost primul efect optic care a apărut în artă, permițând artiștilor să creeze iluzie optica de adâncime și spațiu ca niciodată. Camera obscura a fost, de asemenea, un instrument popular printre artiștii renascentiste , permițându-le să atingă niveluri uimitoare de realism prin proiectarea vieții reale pe pânză printr-o lentilă pinhole. Unii chiar au experimentat cum a camera intunecata ar putea crea efecte ciudate, de anamorfoză în munca lor, cum ar fi Hans Holbein cel tânăr pictura celebră enigmatică Ambasadorii, 1533, în care un craniu distorsionat întins pe primul plan poate fi văzut numai dintr-un unghi lateral.

Intrarea în Port de Georges Seurat , 1888, în Colecția Lillie P. Bliss și Muzeul de Artă Modernă, prin The New York Times

În secolul al XIX-lea, artiștii puntilisti Georges Seurat iar Paul Signac a experimentat cu efectele optice ale culorii, explorând modul în care modelele de puncte minuscule în culori pure, neamestecate, plasate unul lângă altul, s-ar putea „amesteci” în ochi când sunt văzute de la distanță. În picturile lui Seurat, aceste puncte strălucitoare au format o „ceată de căldură” amețitoare și fascinantă care a dizolvat granițele dintre obiecte și spațiul din jurul lor.

Alți artiști și ilustratori ai aceleiași epoci s-au jucat cu dualitate suprarealistă, în care o singură imagine ar putea conține două puncte de referință diferite, cum ar fi NOI. Hill’s Tânără Femeie Bătrână , și a lui Edgar Rubin Vază, 1915 – imagini ca acestea erau jocuri de salon populare, mai degrabă decât opere de artă serioase. Dar unul dintre cei mai fascinanti artiști care a adus astfel de idei în lumea artei a fost graficianul olandez M.C. Escher, ale căror lucrări de artă iscusite și imposibil de suprareale ilustrează un univers amețitor de complex de modele teselate și realități alternative.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

relativitatea de M.C. Escher , 1953, prin New Hampshire Public Radio

La mijlocul secolului al XX-lea a fost o explozie a interesului pentru arta optică în toată Europa și nu numai; artiștii au fost atrași din ce în ce mai mult de lumea științei, a culorii și a opticii într-un moment în care se făceau progrese în domeniul computerelor, aerospațiului și televiziunii. Până în anii 1960, arta optică a apărut ca o mișcare de artă în sine, artiști precum Bridget Riley, Victor Vasarely și Jesus Rafael Soto făcând experimente îndrăznețe în domeniul opticii, fiecare cu propriile limbaje distincte ale geometriei abstracte.

Arta optică a apărut în conformitate cu arta cinetica, cu ambele stiluri împărtășind fascinații cu tehnologia și mișcarea, dar Arta optică s-a concentrat mai mult pe forme de artă bidimensionale decât tridimensionale. În vremurile contemporane, totul s-a schimbat, deoarece artiștii de astăzi au extins efectele optice amețitoare într-o gamă largă de contexte, de la spații de galerie până la străzile orașului. Deci, cum arată exact Arta optică? Iată cinci dintre caracteristicile definitorii care alcătuiesc această arenă fascinantă, împreună cu unele dintre cele mai celebre opere de artă din lume.

Geometrie ciudată

Epoff de Victor Vasarely , 1969, prin Christie’s

Modelele geometrice sunt o componentă importantă în cea mai mare parte a artei optice, permițând artiștilor să experimenteze modul în care aranjamentele complexe de linii, culori și modele pot pulsa sau se umfla de pe o suprafață plană. Așa cum este influențat de realitățile alternative ale lui M.C. Escher, diverși artiști Op ai anilor 1960, s-au jucat și cu modele repetate, trăgându-le sau întinzându-le în direcții noi îndrăznețe. Pionierul pictor francez Victor Vasarely a realizat modele uimitoare de-a lungul anilor 1960 și 1970, care par să se extindă de la suprafața plană spre exterior în spațiul de dincolo, așa cum se vede în Epoff, 1969. Cunoscut uneori drept „bunicul” artei operaționale, pictura sa inovatoare este acum renumită în întreaga lume pentru ingeniozitatea lor tehnică și inventiva. El a observat celebru: A experimenta prezența unei opere de artă este mai important decât a o înțelege.

Progresie policromă de Jean-Pierre Yvaralh , 1970, prin Christie’s

Fiul lui Vasarely, Jean-Pierre Yvaral, a călcat pe urmele tatălui său în anii 1970 și 1980, creând scheme complexe de culoare și lumină care par să fredoneze cu energie strălucitoare. Liniile curgătoare orizontale și verticale sugerează valuri de mișcare ondulante, în timp ce modulațiile subtile și pâlpâitoare ale luminii creează efecte vizuale strălucitoare și amețitoare, așa cum se vede în Progresie, policromă, 1970.

Circulaţie

Schimb de Bridget Riley , 1963, prin Sotheby’s

Mișcarea a fost o caracteristică cheie a artei optice încă din anii 1960, diverși artiști explorând cum să inducă mișcarea pe o suprafață plană prin aranjamente dinamice de formă și culoare. Artista britanică Bridget Riley este una dintre cele mai cunoscute – de-a lungul anilor 1960 și 1970, a fost fascinată de efectul optic izbitor al modelelor alb-negru cu contrast ridicat, explorând modul în care liniile ondulate balansate și modelele apropiate, repetate, puteau invoca senzația de ondulare a circulaţie. Picturile ei erau atât de puternice din punct de vedere vizual încât puteau provoca umflături, deformări, străluciri, vibrații sau chiar instabilitate, imagini ulterioare și leșin. Ulterior, Riley a continuat să experimenteze cu culoarea, inspirându-se din efectele „heat-haze” ale lui Georges Seurat, realizate prin plasarea culorilor complementare una lângă alta, o practică pe care a încorporat-o în modelele ei geometrice caracteristice.

Spirales 1955 (din portofoliul Sotomagie) de Iisus Rafael Soto , 1955, prin Christie’s

Artistul venezuelean Jesus Rafael Soto a fost, de asemenea, fascinat de invocarea mișcării în artă, experimentând modul în care formele și liniile care se intersectează ar putea induce efecte vizuale neclare și dezorientate atât în ​​forme bidimensionale, cât și tridimensionale. În seria sa spirale, 1955, mișcarea este creată prin suprapunerea unor cercuri albe concentrice peste o serie de cercuri negre. Ovalele aplatizate negre opuse cu alungite albe și înalte provoacă frecare și o blură radială dacă cercurile au început să se rotească în mișcare.

Iluzia Profunzimii

Galeria Marion, murală Panama până în 1010 , 2015, via Arch Daily

Un alt trop popular pentru artiștii Op este iluzia de profunzime, un efect care este uneori atât de extrem încât induce sentimente puternice de vertij. Această ramură a artei optice este un fenomen mai recent, care a apărut într-o varietate de contexte, de la colțurile străzilor până la pereții galeriei. Artistul de graffiti german anonim, cunoscut sub numele de 1010, face arestare instalatii in situri de arta publica care extind geometria distorsionată a lui Vasarely. Pe pereții plate, el creează iluzia unor tuneluri cavernoase sau peșteri care ne atrag către ei cu straturi stivuite de culori strălucitoare și iluminare dramatică clarobscur, trăgându-ne către centrul lor întunecat și misterios.

Vantage de Aakash Nihalani , 2014, via Colosal Magazine

Artistul american Aakash Nihalani realizează, de asemenea, instalații îndrăznețe, uluitor de luminoase, care par să deschidă spațiu pe un plan altfel plat. Lucrând cu forme geometrice simple, pictate cu contururi de desene animate și panouri luminoase acide de culoare, fulgerele sale imaginare, cutiile, ferestrele și întrerupătoarele de lumină creează noi porți în pereții albi. Aceste elemente îi însuflețesc cu un sentiment de distracție jucăuș, ridicol și extrem de supradimensionat. El aduce uneori elemente tridimensionale, construite, așa cum se vede în Vantage, 2014, unde o dâră de simulare de electricitate realizată din lemn vopsit unește cei doi pereți opuși ai galeriei.

Ciocnire de culori și imprimare

Dimensiune (în spate) de Jen Stark , 2013, prin Revista de instalare

Bazându-se pe moștenirea lui Bridget Riley și a lui Victor Vasarely, mulți dintre artiștii Op actuali se joacă cu disonanța zguduitoare creată de juxtapunerea culorilor și imprimeurilor în conflict într-o singură operă de artă. Artista americană Jen Stark este recunoscută pe scară largă pentru aranjamentele sale fantastic de luminoase de model și culoare, care preiau influența sistemelor vizuale de creștere a plantelor, evoluție, infinit, fractali și topografii. Construite în straturi tridimensionale, lucrările ei invită vizionarea din mai multe unghiuri, încurajându-ne să ne mișcăm în jurul lor pentru a crea efecte vizuale pâlpâitoare și strălucitoare, așa cum se vede în Dimensiune (în spate), 2013.

Cromointerferență spațială de Carlos Cruz Diez , 2018, la Buffalo Bayou Park Cistern, prin The Houston Chronicle

Artistul latino-american Carlos Cruz Diez a adus și arta optică în tărâmuri tridimensionale, explorând modul în care expozițiile caleidoscopice de culori modelate ne pot transforma înțelegerea spațiului. Precum și crearea expansive instalații de artă publică pictate cu modele Op Art pline de viață, el a realizat și labirinturi de lumină colorată pe care le numește cromosaturații, cufundând spațiile galeriei în afișaje prismatice de model strălucitor. Scriitorul Holland Cotter descrie vizionarea lucrărilor: Senzația este ușor dezorientatoare, amețitoare, ca și cum gravitația ar fi fost alterată.

Lumina si Spatiul

La Villette in Suites de Felice Varini , 2015, via Colosal Magazine

Calități evazive ale luminii și spațiului au fost încorporate în multe dintre cele mai puternice lucrări Op Art de astăzi, în special în practica artistului elvețian Felice Varini. La fel ca artiștii operaționali din generațiile anterioare, el se joacă cu limbajele geometrice ale cercurilor concentrice, liniilor ondulate și modelelor repetate, dar scoate aceste noțiuni în lumea reală, extinzându-se în exterior prin spații uriașe, larg deschise. Pictat cu culori vii, sintetic luminoase, pe spații gri, industrializate, modelele sale pâlpâitoare aduc lumină, culoare și viață în spații altfel plictisitoare sau monotone trecute cu vederea. La fel ca anamorfoza din secolul al XVI-lea a lui Hans Holbein, dungile de culoare pictate cu grijă ale lui Varini se unesc doar atunci când sunt privite dintr-un anumit punct de vedere, așa cum se vede în La Villette in Suites, 2015.

Viitorul artei optice

Vedere instalație Peter Kogler la Galerie Mitterand , 2016, via Galerie Mitterand, Paris

Privind spre viitor, multe dintre cele de azi artiștii contemporani explorează cum tehnologie digitala poate îmbunătăți sfera și gama artei optice, continuând să se extindă în spațiul tridimensional. Un prim exemplu este artistul austriac Peter Kogler, care aduce linii și modele uimitor de complexe, deformate în medii captivante și atotcuprinzătoare, care par să se umfle și să bată în și în afara pereților plati. Proiectate pe computer, modelele sale unice au luat o mare varietate de formate, inclusiv printuri, sculptură, mobilier, tapet, corpuri de iluminat, colaje și instalații digitale de dimensiunea unei camere. Viziunile sale fantastic de suprareale sunt ca și cum ar fi aruncat o privire într-un viitor necunoscut, unde putem păși direct în tărâmurile realității virtuale.