Senzualitate grotescă în Reprezentările formei umane ale lui Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918) este cunoscut pentru picturile și desenele sale viscerale, dintre care multe prezintă nuduri masculine și feminine împletite și angajate în poziții sexuale deschise. Alchimia lui de explicit și grotesc este înfățișată cu o frumusețe contorsionată care cu greu poate fi articulată. Folosirea unei palete cenușii, asemănătoare unui cadavru, pentru a portretiza momente de confruntare de sexualitate, senzualitate și conștientizare de sine, face din reprezentările sale ale corpului uman una dintre cele mai provocatoare din istoria artei moderne occidentale. Schiele răsucește anatomia figurilor sale pentru a dezvălui o urâţenie . În opera lui Schiele, forma umană este brută, dezamăgitoare și plină de contradicții fascinante.

Destabilizarea senzualității convenționale în artă a lui Egon Schiele

Fotografie cu Egon Schiele la biroul lui

Deși abia a trăit 30 de ani, Egon Schiele a devenit un artist modern extrem de influent. Într-o perioadă în care mulți artiști doreau să păstreze frumusețea formei umane și a naturii prin artă, artistul austriac nu s-a sfiit să-și înfățișeze figurile în poziții interesante. Există o controversă cu privire la faptul dacă reprezentările sale erau împuternicitoare pentru subiecții săi sau egoiste pentru fanteziile artistului, dar un cuvânt pare să apară omniprezent în literatura de specialitate care descrie opera sa, cuvântul grotesc . Grotesc, care este definit în mod obișnuit ca, ciudat și neplăcut, mai ales într-un mod prostesc sau ușor înfricoșător , mai poate însemna îndepărtându-se semnificativ de la natural, de așteptat sau de tipic.

Adesea echivalăm acest termen cu cuvintele brut sau neplăcut , dar cuvântul se poate referi și la ceva care nu întrunește anumite așteptări sociale sau estetice. Schiele a fost maestrul alterării corpului uman suficient pentru a destabiliza ideile preconcepute despre cum ar trebui să arate un corp nud, în special pentru publicul din timpul său. Cu toate acestea, după o inspecție ulterioară, nu se poate nega frumusețea complexă a lucrării sale, care continuă să atragă și să încurce deopotrivă experții și iubitorii de artă.

Expunerea timpurie la condiția umană tulbure

Îmbrățișare pereche de Egon Schiele, 1915 prin ArtMajeur

Schiele s-a născut în 1890 dintr-un tată german și o mamă germano-cehă în Austria. Tatăl său ar fi suferit de probleme grave de sănătate mintală. A frecventat și bordelurile locale. În cele din urmă, a murit de sifilis când Schiele avea 15 ani, ceea ce unele surse o atribuie fascinației timpurii a artistului pentru sexualitatea umană. La un an după moartea tatălui său, Schiele a intrat la Academia de Arte Frumoase din Viena. După trei ani, a părăsit școala nemulțumit pentru că a considerat programa rigidă și conservatoare.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Împreună cu alți câțiva colegi de clasă, a început nou grup de artă (New Art Group) prin care a cunoscut un critic pe nume Arthur Roessler. Roessler l-a prezentat pe artist unor membri marcanți ai scenei culturale vieneze. La acea vreme, inteligența din Viena era obsedată de idei legate de sex și moarte. Aceasta a fost Viena a lui Sigmund Freud și a artiștilor din Secesiunea vieneză ca Gustav Klimt . Mai târziu, Klimt a devenit mentorul lui Schiele și i-a oferit primele modele. Astfel, practica artistică a lui Schiele s-a dezvoltat într-un mediu plin de energie frenetică concentrată pe înțelegerea profunzimii complexe ale psihicului uman.

Elemente vizuale care creează grotescul senzual

Nud feminin văzut din spate de Egon Schiele, 1915 prin Koones

Culoarea și lumina erau instrumente puternice în arsenalul lui Schiele. A folosit culorile cu moderație pentru a evidenția aspecte ale corpului care erau considerate tabu de către predecesorii săi și de mulți dintre contemporanii săi. În unele lucrări, el folosește culori vibrante pe părul vopsit sau pe îmbrăcămintea rară a figurilor sale, înfățișând pielea în culori ascuțite, de cele mai multe ori bej cu note de albastru deschis și roșu. În unele lucrări, el folosește culori mai strălucitoare acolo unde pielea se întâlnește cu oasele, pentru a evidenția subțirea subțire a corpului. Acest lucru poate fi văzut în lucrări precum Nud feminin văzut din spate (1915) unde Schiele evidențiază fiecare articulație din coloana vertebrală a femeii cu o pensulă de un roșu intens.

Utilizarea și manipularea luminii a fost un alt instrument vizual care s-a oferit viziunii lui Schiele asupra corpului uman. La nivel material, hârtia pe care a folosit-o, aspră și adesea decolorată în mod voit, a conferit lucrării sale o calitate palidă, îmbătrânită, care o făcea fragilă la lumina directă. Artistul era cunoscut și pentru conturarea figurilor, dându-le un fel de aură eterică. Cu toate acestea, din aceste corpuri iluminate, există întuneric psihologic care provine din utilizarea unghiurilor dure și a culorilor dezamăgitoare. Aceasta este doar una dintre multele contradicții ale operei lui Schiele: întunericul omului psihic într-un remorcher tensionat cu apariţia şi folosirea luminii.

Anatomia unui stil revoluționar

Autoportret de Egon Schiele, 1910 prin Wikimedia Commons

Nu este nevoie de un ochi instruit pentru a vedea complexitățile prezente în arta lui Schiele, multe dintre acestea putând fi considerate reflectări ale poziției sale în societatea artistică și intelectuală vieneză. Atât senzualitatea, cât și grotescul există în același corp în aproape toate reprezentările sale ale formei umane. Cuplurile care se angajează în îmbrățișări senzuale și tandre sunt descrise cu trăsături subțiri, aproape slăbite. Expresiile faciale exagerate transformă cea mai simplă postură într-o lectură complexă a lumii interioare a subiectului. Femeile în tinerețe par palide și distorsionate, aproape scheletice.

Genul și sexualitatea sunt, de asemenea, fluide, mulți experți identificând androginia în reprezentările sale despre bărbați și femei. Cu excepția lucrărilor ca Autoportret cu vestă de păun în picioare (1911), subiectele lui Schiele sunt de obicei suspendate într-un gol, fără fundal care să indice adâncimea dincolo de marginile figurii în sine. În toate aceste elemente estetice, există o estompare și o destabilizare a mai multor categorii morale și estetice.

Trebuie remarcat faptul că aceste elemente nu se limitează la reprezentările lui Schiele ale altora. În majoritatea lucrărilor sale, el întoarce privirea spre el însuși . Autoportretele lui sunt la fel de tulburătoare și grotești, dacă nu mai mult decât portretele lui despre alții. Deci, întrebarea rămâne: de ce să înfățișați forma umană, inclusiv pe a sa, într-un format atât de brut?

Femeie culcată cu ciorapi verzi (cunoscută și sub numele de Adele Harms) de Egon Schiele, 1917 via Cultura Colectiva

Schiele nu numai că a contrazis standardele artistice acceptate ale zilei, dar a obligat telespectatorii să accepte coexistența mai multor dintre aceste categorii largi. Moartea și sexul, binele și răul, lumina și întunericul, decăderea și viața, violența și tandrețea, dragostea și neîncrederea, toate merg cap în cap în fiecare piesă pe care a produs-o. Această tensiune creează o frumusețe sublimă, aproape prea copleșitoare și, pentru unii, rușinos de acceptat. Schiele a ținut o oglindă comunității sale și ia forțat să vadă contradicții îndrăznețe împletite într-o masă zvârcolită de defecte umane și senzualitate brută. Rezultatul este revigorant și care provoacă gândirea, chiar dacă munca este inițial greu de înțeles la valoarea nominală. Aceasta este senzualitate grotescă la cel mai bun mod.

Împuternicirea reprezentărilor erotice sau explorări autoservitoare ale sexualității?

Bărbat și femeie (Îmbrățișare) de Egon Schiele, 1917, prin Wikimedia

Există o conversație în curs între cei interesați de opera lui Schiele despre semnificația din spatele reprezentărilor lui Schiele ale figurilor nud, în special ale nudurilor feminine. Această discuție merge mână în mână cu o discuție despre Cum el a descris aceste figuri. Pe de o parte, există un argument că aceste lucrări de artă tulburătoare, dar erotice, sunt împuternicitoare pentru subiecții pe care i-a descris. El a fost unul dintre singurii artiști ai timpului său care a arătat femei în poziții extrem de erotice, reclamând astfel un spațiu pentru femei pentru a-și exprima sexualitatea.

Pe de altă parte, există pretenții că aceste reprezentări au fost făcute pentru propria împlinire sexuală a artistului. Aceste argumente creează o zonă gri când vine vorba de moștenirea lui Schiele. În timp ce unii îl consideră un campion al sexualității deschise și al distrugerii barierelor, alții îl consideră ca valorificând accesibilitatea sa la modele vii pentru a produce opere de artă erotice care i-au satisfăcut propriile fantezii. Un răspuns ar putea fi că el a fost motivat de ambele motive și asta face ca înțelegerea și studierea lucrării sale să fie la fel de neliniștitoare ca și vizualizarea acesteia.

Moștenirea lui Egon Schiele

Fotografia lui Egon Schiele, 1914 prin Artspace

Sfârșitul vieții lui Schiele a fost incontestabil tragic. Și-a pierdut soția Edith și copilul nenăscut din cauza gripei spaniole în 1918, cu doar trei zile înainte de a contracta aceeași boală fatală. In ciuda pandemic , Schiele a continuat să deseneze și să picteze până la sfârșitul vieții. Deși a trăit doar 28 de ani, impactul pe care l-a avut asupra istoriei artei occidentale este atemporal. Schiele a fost unul dintre cei mai influenți artiști ai modernismului vienez și a contribuit la așezarea bazei altor mișcări de artă modernă care urmau încă să vină.

Mai important, Schiele a schimbat modul în care publicul a înțeles vizual conceptele de sex, dragoste, frumusețe, moarte și conștientizare de sine. Poate că ar fi mai potrivit să nu-l etichetăm deloc pe Schiele drept artist modern. Poate ar trebui să luăm o notă de la însuși Schiele care a spus odată: Nu cred că există așa ceva ca arta modernă. Este doar artă și este eternă . Cu siguranță, moștenirea lui Schiele demonstrează asta etern arta poate fi creată dacă atinge anumite părți ale psihicului uman, în special acele părți ale minții pe care mulți nu au îndrăznit să le viziteze înainte.