Nuditatea feminină în artă: 6 picturi și semnificațiile lor simbolice

grande odalisque ingres și birth venus botticelli

Nuditatea și arta au fost legate încă de la începutul umanității. Nuditatea feminină în artă, divină sau muritoare, a devenit un simbol fascinant și șocant. Timp de secole, artiștii au fost acuzați, absolviți, marginalizați din cauza subiectelor, dar în același timp au câștigat admirație, glorie și acceptare. Aruncă o privire la aceste șase picturi fundamentale cu nuduri feminine și află mai multe despre de ce au devenit atât de importante pentru istoria artei.



Nuditatea feminină în artă de-a lungul timpului

nuditate feminină în studioul de artă courbet artist

Atelierul artistului; O adevărată alegorie care rezumă șapte ani din viața mea artistică și morală de Gustave Courbet , 1854-55, via Musée d'Orsay, Paris

În vremuri străvechi, artiștilor nu aveau voie să picteze nuditatea în artă, decât dacă erau așa înfățișând figuri mitice sau ființe supranaturale. Până în secolul al XIX-lea, a devenit o regulă ca nudurile feminine din pictură să aibă un prototip. Corpul uman gol a oferit legătura cheie între un set de idei, credințe și valori. Artista ar putea, așadar, să folosească forma nudului ca pretext pentru a aspira la frumusețea feminină sau pentru a consolida ideologiile dominante ale societății moderne.





Ca nud feminin, femeia este corp, este natura opusă culturii masculine care, la rândul ei, este reprezentată de însuși actul de transformare a naturii, adică modelul sau motivul feminin, în formele ordonate și culoarea unui artefact cultural, a unei opere. de arta.

1. a lui Tizian Venus din Urbino , 1538

pictura titian venus urbino

Venus din Urbino de Titian , 1538, via Galleria degli Uffizi, Florența

Venus din Urbino este unul dintre al lui Tizian cele mai cunoscute tablouri și o referire la Venus adormită a lui Giorgione, care a fost creat cu două decenii mai devreme. In orice caz, Titian a ales să-și transfere Venus într-o scenă a vieții de zi cu zi, creând o legătură între figura unei zeițe cu cea a unei femei obișnuite. Pictura a fost comandată de ducele de Urbino, Guidobaldo Della Rovere, ca un cadou de noroc pentru mireasa sa.



Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

În perioada denumită Înalta Renaștere, înfățișarea unei femei goale într-un tablou era foarte provocatoare, dacă nu era o zeiță antică. Ceea ce demonstrează influența acestei picturi este capacitatea sa de a inspira pe unii dintre cei mai mari artiști. Maestrul venețian pictează nudul feminin într-un mod care recunoaște dorințele privitorului masculin. În această lucrare de artă, Titian, într-adevăr, a stabilit noi reguli de compoziție pentru nudul feminin, a dezvăluit rolul sexualității în artă și a promovat mesaje sociale și politice.

Tizian își plasează Venus într-un cadru de zi cu zi, într-un interior palațial splendid. În felul acesta leagă ideea unei femei divine cu cea a unei femei obișnuite. Figura reprezintă Venusul căsătoriei. Ea este reprezentarea perfectă a femeii clasice renascentiste care simbolizează dragostea, frumusețea și fertilitatea. Pare destul de calmă și încrezătoare în nuditatea ei, ca simbol atât al sexualității, cât și al inocenței. Semănând cu poza lui Venus castă , ea ține mâna stângă acoperindu-și vintre.

Multe elemente în această pictură se referă la imaginile nupțiale și decorațiunile dormitoarelor după nunți. Florile de trandafir în mâini și mirtul din fereastră este o alegorie a vieții de cuplu; câinele, încovoiat în picioare simbolizează fidelitatea, în timp ce burta feminină rotunjită este simbolul etern al nașterii și al continuării vieții.

2. a lui Jean Auguste Dominique Ingres marea odaliscă, 1814

Doamne, intri cu un tablou măreț

La Grande Odalisque de Jean-Auguste-Dominique Ingres , 1814, via Muzeul Luvru, Paris



Să vedem cum a arătat Ingres nuditatea feminină în artă!Pictura a fost comandată inițial de Caroline Murat, regina Napoli și sora lui Napoleon, ca un cadou soțului ei. Opera de artă în sine este văzută ca o abatere de la neoclasicism. Pentru ce este cel mai important Ingres este senzualitatea figurii, arătând nuditatea feminină în artă într-un mod nou. La prima vedere, se pare că urmează tradiția nudului înclinat, ca Venus din Urbino a lui Titian. Deși Titian a pictat o femeie nudă într-un cadru clasic, Ingres a pictat o femeie într-un luxuriant Orientalist unu. Odalisca funcționează ca o fantezie franceză inspirată de Africa de Nord și Orientul Mijlociu .

A schimbat tema nudului mitologic într-una oriental imaginară. Acest lucru îl putem vedea prin draperiile de mătase, evantaiul cu pene de păun, turbanul, pipa de narghilea, perlele enorme și tonurile reci ale paletei. The trăsături alungite, precum brațele lungi și spatele, dezvăluie o influență manieristă, într-o încercare a pictorului de a da un sentiment de grație și eleganță. Subiectul picturii este odalisca – o concubină a unui om bogat din Orient. Prin plasarea femeii într-un Cadrul oriental , Ingres a reușit să înfățișeze un nud european cu un erotism sincer, care a fost făcut acceptabil de contextul văzut în pictură.



3. Rembrandt Danae , 1636

nuditatea feminină în artă pictura rembrandt danae

Danae de Rembrandt van Rijn , 1636, prin Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg, Rusia

maestru olandez Rembrandt van Rijn și-a creat capodopera mitologică, Danaë, ca o reprezentare eterică a nudității feminine în artă. Danae reprezintă a mitologic grecesc figură care a inspirat artiști din fiecare perioadă. Conform mitului , era o prințesă din Argos și tatăl ei a închis-o într-un turn pentru a se asigura că va rămâne virgină. Misterul creat în jurul frumuseții remarcabile a lui Danae l-a atras pe Zeus, care a fecundat-o transformându-se într-o ploaie de aur.

În pictura lui Rembrandt, Danäe este înfățișat foarte natural, întins pe pat gol. Ea devine conștientă de prezența divină, care ia forma unui aur cald Eros . Rembrandt a redat scena cât mai natural posibil, pentru a atrage atenția asupra personajului principal. Intimitatea atmosferei face ecou influențelor stilistice ale italianului Stil baroc .

Versiunea lui Rembrandt reprezintă imaginea unei femei naive și fermecate care anticipează sosirea iubitului ei. El a respins frumusețea ideală în favoarea unei forme mai realiste de femeie. Astfel, Danaë-ul lui pare mai nobil și mai fin decât nudurile formate ideal ale altor maeștri. El alege să sublinieze strălucirea ei fermecată și farmecul feminității ei, corpul curbat și burta rotundă. Pictura reprezintă Concepția lui Rembrandt : femeia sexuală nu este nici sfântă, nici păcătoasă, victimă sau seducătoare, ci participantă la deplina umanitate.

4. Venus și nuditatea feminină în artă a lui Sandro Botticelli

Nașterea lui Venus de Sandro Botticelli , 1485, via Galleria degli Uffizi, Florența

Apariția nudului feminin ca gen începe cu Renașterea . O icoană a Renașterii italiene și una dintre cele mai renumite și iubite picturi universal - Nașterea lui Venus de Sandro Botticelli . În acea perioadă, înfățișarea unei femei în plină nuditate, cu excepția Evei, a fost foarte inovatoare. Figura Venusului goală din această lucrare, care se naște în lumea reală ca femeie, nu este aleasă din punct de vedere simbolic pentru a sublinia smerenia corpului, ci pentru a afirma exteriorizarea erotismului feminin, care îmbină idealismul și sexualitatea. .

În mijlocul tabloului, zeița iubirii se ridică din apă. De fapt, pictura nu arată nașterea lui Venus, ci mai degrabă sosirea ei într-o scoică colosală. Poziționarea mâinilor îi transmite modestia. Zeița este arătată în postura Venus Pudica, acoperindu-și nuditatea cu mâinile și părul lung. Pictura este deschisă multor interpretări simbolice. De exemplu, legătura dintre nașterea lui Venus din ape și nașterea sufletului din apa Botezului. De asemenea, Venus este văzută ca personificarea Mamei, principiul feminin, care se manifestă în goliciunea sa, simbol al purității. Venusul lui Botticelli se îmbunătățește viziunea neoplatonică că frumusețea fizică este egală cu frumusețea spirituală. Contemplarea frumuseții fizice ridică mintea, la fel și frumusețea extraordinară a lui Venus în mintea privitorului.

5. Jean Fouquet's Fecioara cu Pruncul inconjurati de Ingeri, 1454-56

jean fouquet madonna fecioara copil ingeri pictura

Madona și Pruncul cu îngeri de Jean Fouquet , 1454 – 1456, prin Muzeul Național Prado, Madrid

Jean Fouquet este considerat unul dintre cei mai importanți pictori francezi din perioada dintre goticul târziu și timpuriu Renaştere . Pictura lui Fouquet Fecioară cu Pruncul înconjurat de îngeri este considerată o capodopera a secolului al XV-lea. Într-un cadru abstract, pictorul o înfățișează pe Fecioara Maria, în tonuri albe, așezată pe un tron ​​cu pruncul Iisus în poala ei. Sânul stâng al Fecioarei este lăsat descoperit, în timp ce fiul ei este complet gol. Tonurile palide au venit în contrast cu nuanțele strălucitoare de roșu și albastru ale îngerilor din jurul Fecioarei. Atunci, nuditatea feminină în artă a fost acceptată doar în portretele Mariei care îl alăptează pe Isus.

Există o abordare geometrică a figurii Fecioarei, cu capul ei oval și sânii perfect rotunjiți, care se referă la iconografia Madonei care alăptează. Fruntea alungită, coafura desenată, bărbia ascuțită, gâtul senzual și sânul gol sunt forme idealizate care reflectă moda curtenească a vremii și sexualitatea accentuată. Cu toate acestea, se crede că chipul Fecioarei este un portret idealizat al amantei regelui Carol al VII-lea al Franței, Agnes Sorel. Cunoscută pentru frumusețea și spiritul ei extraordinar, ea a umbrit-o pe soția regelui, Mary Anjou. Pictura pare să împace cele două tărâmuri ale existenței divine și muritoare prin reprezentarea nudului, care la acea vreme era aplicabilă doar în mod limitat.

6. ESTE celebrul lui douard Manet Prânz – Nuditatea feminină modernă în artă

nuditate feminină în artă manet prânz iarbă pictură

Prânz pe iarbă de Édouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Pictorul francez își exprimă stilul și interesul prin pictura sa revoluționară, Prânzul pe iarbă. La fel ca majoritatea operelor impresioniste, această operă de artă prezintă o scenă de zi cu zi: două subiecte de sex feminin și doi bărbați care împart un picnic într-o pădure. De-a lungul vremurilor, nuditatea feminină în artă a fost reprezentată sub formă de figuri mitologice sau frumuseți idealizate.

În acest tablou, Manet înfățișează o femeie goală, însoțită de doi bărbați, purtând îmbrăcăminte modernă. Este o parizienă modernă și nu o Venus divină născută nud în mod natural din mare. Era considerat vulgar ca o femeie obișnuită să fie văzută goală, arătând că poate fi îmbrăcată, dar a decis să nu o facă. Ea pare goală și nu s-a născut nud, luând în considerare hainele ei aruncate în prim plan. Se uită direct la privitor cu mâna pe bărbie. Corpul ei este puțin umbrit, făcând-o să pară plată pe pânză.

nuditatea feminină în arta manet olympia pictura

Olympia de Édouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Prin plasarea unei femei goale într-un cadru contemporan, Manet a rupt tradiția nudurilor feminine idealizate, cum ar fi Venus din Urbino de Titian sau Nașterea lui Venus de Botticelli .Pur și simplu nu s-a conformat normelor artistice. Acest lucru este evident într-un alt tablou, în care a înfățișat femeia goală într-o manieră modernă - Olimpia .Nudul lui Manet nu este un obiect, deoarece ea nu este acolo pentru a fi privită. Ea interacționează cu publicul, făcându-i să pună la îndoială natura intențiilor lor și rolul nudității feminine în artă. Manet își ilustrează viziunea cu această reprezentare a frumosului: a fi frumos înseamnă a fi natural.

Una peste alta, există interpretări diferite ale nudității feminine în artă, fără ca nimeni să poată surprinde un adevăr universal. De exemplu, modelul feminin este uneori prezentat cu haine și bijuterii luxoase și alteori goală cu proporții exuberant. Ceea ce este, probabil, mai valoros decât interpretarea este ceea ce emană o opera de artă și ceea ce o face atemporală. În cele din urmă, merită să ne întrebăm ce contează cel mai mult: o opera de artă care transmite mesaje diferite unei singure persoane sau o semnificație specifică pentru diferiți oameni.