Modurile de a vedea ale lui John Berger: Recontextualizarea artei

John Berger susține că a vedea nu este o activitate neutră sau pasivă, ci o decizie activă. Relația noastră cu istoria a fost mistificată de clasele conducătoare pentru a-și justifica rolul în societate și modul în care au ajuns acolo. Acest lucru a dus la o viziune deconectată asupra istoriei, una care este sterilizată, decontextualizată și jefuită din „unghiul său de vizionare”. Pentru Berger, un tablou sau chiar o fotografie dezvăluie un subiect care merita, în acel moment, să fie surprins de o persoană care are o relație directă cu scena.
Mai exact, Berger analizează mistificarea în interpretarea artistică în care operele de artă sunt separate de contextul lor social, a legăturilor dintre artist/artă și sunt explicate prin elemente ale compoziției lor, ca și cum valoarea unei piese de artă ar putea fi decodificată prin analiza. stil, culoare, contrast, perspectivă și așa mai departe. Acest tip de cadru aistoric împiedică orice explicație alternativă. Motto-ul mistificării este cel al „condiției umane”, cel al adevărurilor atemporale despre oameni, care fac obiectul clasicilor.
John Berger despre reproducerea imaginii

Cu mass-media, picturile și operele de artă care până de curând puteau fi văzute doar la locul lor specific de expunere, au fost acum multiplicate și răspândite la populație prin intermediul camerelor și televizoarelor. Această reproducere reproduce nu numai opera de artă, ci și multiplică sensul acesteia și contextul în care este experimentat sensul, de la un sens unificat într-un context, la o ruptură de sensuri, toate în contexte diferite.
Contextul este televizorul, imaginea de fundal din spatele acestuia, poziția relativă a privitorului, luminozitatea televizorului, mediul, calitatea pixelilor și așa mai departe. Odată reprodusă, aceeași opera de artă nu este niciodată experimentată în același mod.
În filmul de exemplu, care ar putea include o fotografie a unui tablou, tabloul devine un vehicul pentru a susține concluzia regizorului pentru povestea care este spusă. Nu mai este o opera de artă de sine stătătoare, ci este încorporată într-un alt context și flux care îi transformă sensul inițial. Într-un film imaginile se succed și indică ceva dincolo de expunerea lor individuală. Filmul are o dimensiune a timpului care nu există în tabloul în sine. Filmul se desfășoară.
Suntem înconjurați de reproduceri: ele formează un limbaj, un circuit care ne învăluie. Autoritatea picturii originale este deplasată, fracturată, înmulțită. O mulțime de instituții încă se agață de ea, de autoritatea originalului. Ele reprezintă ierarhiile tradiționale de valori și de clasă. Persistența operelor de artă statice, imobile expuse în mari colecții și muzee își propune să sublinieze nobilimea bogaților față de celelalte clase care nu se mai pot situa în istorie.
Egalitatea obiectelor

Berger afirmă că „picturile în ulei au făcut aparențelor ceea ce a făcut capitalul relațiilor sociale. A redus totul la egalitatea obiectelor”. Totul a fost pătruns și scufundat în oceanul inevitabil al comercializării care dădea oricărei activități, oricărui obiect, o anumită valoare de schimb pe care proprietarul obiectului o putea obține pentru el în piață.
Potrivit lui Berger, în niciun alt domeniu nu este atât de evidentă decalajul de calitate dintre diferitele picturi ca în picturi, unde lucrările mediocre sunt prezentate observatorului în egală măsură cu capodoperele, fără nicio explicație cu privire la ceea ce le diferențiază. Perioada picturii în ulei corespunde ascensiunii pieței deschise de artă. Multe picturi în ulei au fost pur și simplu finalizate doar pentru ca pictorul să obțină comisionul la care avea dreptul, nu pentru că ar fi vrut cu adevărat să exprime ceva cu pictura. Arta devine o meserie la fel ca oricare alta, compunerea unei sonate sau desenarea unui tablou devine același act ca a purta cărămizi sau a controla traficul.
Pictura în ulei celebra o nouă formă de bogăție care se ivi în Europa: nu numai bogăția divină a regilor, ci și cea a capitalismului dinamic. Trebuia să reflecte puterea banilor, o putere care se reflectă asupra actului existenței picturii în sine. Ca atare, materialismul static al picturilor în ulei împiedică propriile sale capacități de simbolism. Fiecare simbol care cade în spațiul său de reprezentare este aplatizat și dezbrăcat de caracterul său metafizic, deoarece pictura în ulei trebuie să facă totul accesibil, material, deschis contactului fizic.
Sensul clasicilor

Când ne gândim la literatură, picturi, compoziție muzicală, sculpturi ne gândim imediat la ceea ce se poate numi „ Clasicii ”. Se spune că o lucrare clasică este atemporală și recunoscută universal pentru calitatea sa înaltă. Chiar și oamenii cărora nu le place în mod deosebit un clasic pot vedea de ce clasicul este un clasic.
„Până de curând – și în anumite medii și astăzi – o anumită valoare morală era atribuită studiului clasicilor. Aceasta pentru că textele clasice, indiferent de valoarea lor intrinsecă, au furnizat straturilor superioare ale clasei conducătoare un sistem de referințe pentru formele propriului comportament idealizat”
Genul unor astfel de clasici nu intenționează să teleporteze spectatorul într-o nouă experiență, ci să le înfrumusețeze pe cele pe care spectatorul le-a experimentat deja, îndreptându-l către un mod de a trăi în egală măsură cu moralitatea claselor conducătoare, morala care ea însăși este o glorificarea caracteristicilor bogaților care prin puterea lor capătă o dimensiune morală. Comportamentul celor bogați devine nobil, iar comportamentul săracului este văzut ca ticălos sau în cel mai bun caz umil.
Aici, în special, pictura în ulei stabilește o relație cu proprietatea care a afectat chiar și peisajele. Pictura peisajului nu se mai făcea pur și simplu fără un fundal comercial în minte. Peisajele naturale au fost înlocuite cu peisaje de proprietate, de terenuri deținute de mândri proprietari care aveau capacitatea de a comanda astfel de picturi de la început. Vopseaua în ulei era perfectă pentru asta, deoarece putea înfățișa pământul cu toată substanțialitatea lui. Proprietarii ar avea șansa de a se bucura să se vadă reprezentați ca proprietari de pământ puternici.
Integrarea subversiunii

Când ne gândim la cineva ca Martin Luther King și miscarea Drepturilor Civile , în conștiința colectivă nu le considerăm radicale. Ceea ce cereau era cu siguranță bunul simț, rezonabil și în limitele liberalismului. Adevărul este că la vremea respectivă aceste mișcări se confruntau cu o represiune severă din partea statului, iar sprijinul nu era atât de răspândit pe cât ne-am dori să credem.
Istoria mișcărilor radicale subversive este revizuită în cadrul societăților liberale și se face să pară că actele lor nu au fost deloc revoluționare, că au funcționat în cadrul sistemului însuși. Pe scurt, sunt turtite. Aceasta este contradicția din societățile liberale de astăzi, care au fost modelate de nesupunere radicală. Dacă neascultarea a avut succes, ea este integrată pentru a da impresia că a funcționat în logica sistemului. Privind retrospectiv, oamenii care s-au angajat în nesupunere revoluționară sunt văzuți ca niște eroi care luptă pentru drepturile lor, dar totuși, astăzi, ei ne spun că orice neascultare ulterioară nu trebuie încurajată.
Berger face aceeași observație despre artiștii care subminează regulile tradiției lor artistice. În timp ce, în timp ce erau în viață, erau adesea neglijați și săraci, retrospectiv le apreciem geniul și originalitatea. Acum, ei fac parte din tradiție.
Criticul de status quo aplatizează tot ceea ce este subversiv despre artă și încearcă să găsească geniul artistului în compoziția de culoare, perspectivă, virtuozitate și, de asemenea, elemente aistorice ale operei lor de artă lipsite de orice context subversiv. Artiștii excepționali sunt reutilizați și făcuți să se încadreze în limitele tradiției, creând ideea că nu se răzvrăteau împotriva limitărilor rolului artistic tradițional, ci că lucrează în logica acestuia.
John Berger despre reclame și a fi insuficient

Pentru Berger, cea mai comună imagine cu care ne confruntăm astăzi este imaginea publicitară. Potrivit lui, aceste imagini nu pur și simplu concurează între ele pe piața consumatorilor, ci, în același timp, transmit un mesaj unificat: mesajul că consumul este parte integrantă a fericirii și mulțumirii. Reclamele produc glamour și insuficiență, dezechilibrul dintre starea actuală și starea potențială care se poate întâlni doar prin consumul produsului care este promovat. Imaginea publicitară nu vinde pur și simplu o anumită plăcere de a fi bucurată prin obiect. Vinde o identitate, o reconstrucție a relațiilor sociale și a locului nostru în ele, vinde un mod de a fi văzut de ceilalți.
„Imaginea publicitară îi fură dragostea pentru ea însăși așa cum este și i-o oferă înapoi pentru prețul produsului.”

Acest lucru este unic pentru sistemul nostru de producție, potrivit lui Berger. Niciodată până acum nu ne-am confruntat cu o asemenea concentrare de imagini care încearcă să semnifice insuficiența noastră. Chiar și atunci când nu ne uităm la anunțul specific sau la conținutul său specific, mesajul care ne lipsește rămâne cu noi în mod inconștient. Suntem atât de obișnuiți să fim adresați de aceste imagini încât nu le mai înțelegem efectul asupra noastră.
Aceste imagini aparțin prezentului și totuși, ele ne orientează către un viitor. Acest lucru produce un efect ciudat. Chiar și după ce nu mai vedem imaginile, mai avem impresia că imaginile încă trec pe lângă noi, ca niște trenuri expres, așteaptă să fie văzute. Stăm pe loc, statici, iar imaginile sunt dinamice. În timp ce imaginile concurează între ele pentru a fi văzute de consumator, ele îi oferă totuși un mesaj unificat prin limbajul lor comun. Le spune că trebuie să fie în permanență la curent cu cele mai noi produse, cu cele mai recente imagini și că nu se poate sta nemișcat.