De ce a fost fotorealismul atât de popular?

Fotorealismul a apărut ca un stil de pictură popular în anii 1960, New York și California. Artiștii au imitat precizia tehnică a fotografiei și atenția microscopică la detalii, creând imagini care au apărut în întregime făcută la mașină . Ideile sale s-au răspândit rapid în mare parte din Statele Unite și Europa și, deși a evoluat de-a lungul anilor, este încă un stil de pictură predominant astăzi. Dar ce a fost cu acest stil de pictură care a luat cu asalt lumea artei? A fost vorba pur și simplu de minuțios copierea fotografiilor în vopsea, sau era mai mult? Examinăm câteva dintre cele mai importante motive pentru care fotorealismul a luat stăpânire și modurile în care acesta a deschis noi moduri interesante de a gândi și de a crea artă.

1. Fotorealismul a fost despre precizie tehnică

Audrey Flack, Regina, 1975-1976, prin Galeria Louis K Meisel

Unul dintre conceptele cheie din jurul Fotorealismului a fost accentul pus pe precizie tehnică . Deși acesta a fost în principal un stil de pictură, artiștii și-au propus să îndepărteze complet orice urmă de mână, astfel încât rezultatul final a părut în întregime mecanic. Pentru a face viața și mai dificilă, artiștii care pictează în acest stil au căutat adesea provocări tehnice speciale, cum ar fi suprafața strălucitoare a sticlei, reflexiile în oglinzi sau invocarea luminii fotografice. În studiile sale „Vanitas”, artista americană Audrey Flack a pictat tot felul de suprafețe lucioase, de la oglinzi și blaturi de sticlă până la fructe proaspete și bijuterii.

2. Fotorealismul a depășit limitările fotografiei

Gerhard Richter, Brigid Polk, (305), 1971, prin Tate

Unii artiști fotorealişti au explorat utilizarea mai multor surse fotografice într-o singură pictură, iar acest lucru le-a permis să transcende perspectiva într-un singur punct găsită într-o fotografie individuală. Alții s-au concentrat pe o atenție incredibilă, cum ar fi porii pielii sau foliculii de păr care ar fi greu de capturat într-o singură imagine fotografică. Unul dintre cele mai cunoscute exemple este pictorul american Chuck Close Auto portret, o reprezentare vastă, care se profilează, a feței artistului pictată cu o focalizare clară. Pentru a se provoca și mai mult, Close și-a pictat și strălucirea ochelarilor și o țigară pe jumătate aprinsă atârnându-i de buze. artist german Gerhard Richter sa jucat mai departe cu granițele dintre pictură și fotografie, pictura imagini fotografice neclare pentru a le da o senzație picturală.

3. A celebrat Cultura Populară

John Salt, Automobil roșu/verde, 1980, prin Christie’s

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Mulți artiști fotoreal au fost strâns aliniați Arta pop, aproprierea de imagini din cultura populară și din viața normală, cum ar fi reclame în reviste, cărți poștale, vitrine și scene de stradă. La fel ca Pop Art, Fotorealismul a luat o postmodern abordare. A respins idealurile elitiste, utopice de înaltă modernism și abstractizare , conectând arta înapoi cu lumea reală și cu experiențele oamenilor normali. Artistul britanic Malcolm Morley a realizat picturi bazate pe cărți poștale vechi ale navelor oceanice, în timp ce artistul american Richard Estes a pictat furnirul strălucitor al fațadelor magazinelor și al mașinilor care treceau pe stradă. Din această școală de gândire a apărut un stil inexpresiv, cu un accent deliberat pe subiecte aparent banale, banale, care au fost pictate într-o manieră plată, detașată, dar cu o îndemânare incredibilă. Picturile artistului britanic John Salt cu magazine de hardware și mașini vechi bătute demonstrează această componentă a fotorealismului.

4. Au explorat noi tehnici

Chuck Close, Autoportret, 1997, prin Galeria de Artă Walker

Pentru a crea o astfel de precizie, fotorealistii au adoptat o serie de tehnici. Multe procese utilizate, în mod normal rezervate pictorilor comerciali, cum ar fi proiectoarele de lumină pentru a mări fotografiile pe pânză și aerografele, care le-au permis artiștilor să creeze impecabil, efecte mecanizate care ascundea complet orice urmă de mână care a făcut-o. Alții au lucrat cu grile, așezând un model grilaj peste o fotografie mică și copiend cu fidelitate fiecare pătrat mic al grilei bucată cu bucată. De-a lungul carierei sale a folosit grile îndeaproape și a comparat acest proces metodic cu tricotarea, construind un design mai mare rând cu rând. În arta sa ulterioară, Close a făcut acest proces mai explicit, mărind fiecare celulă grilă și adăugând alungite și cercuri abstracte.