De 9 ori istoria artei a inspirat creatorii de modă

istoria artei modei

Linda Evangelista într-o rochie „Warhol Marilyn” de Gianni Versace, 1991; cu rochia The Mondrian de Yves Saint Laurent, colectia toamna/iarna 1965; și o rochie din colecția resort de Alexander McQueen, 2013



De-a lungul istoriei, moda și arta au mers mână în mână, creând un amestec grozav. Mulți designeri de modă au împrumutat idei de la mișcările artistice pentru colecțiile lor, permițându-ne să interpretăm moda ca o formă de artă. În principal, arta ne servește pentru a exprima idei și viziuni. Ca o odă rafinată istoriei artei, mai jos sunt nouă piese de artă purtabile concepute de designeri de modă vizionari dinSecolului 20.

Madeleine Vionnet: un designer de modă care a canalizat istoria antică

victoria înaripată a Samotraciei

Victoria înaripată a Samotraciei , secolul al II-lea î.Hr., prin Luvru, Paris





Născut în nord-centrul Franței în 1876, doamna Vionnet era cunoscut drept arhitectul croitorilor.În timpul șederii sale la Roma, a fost fascinată de arta și cultura civilizațiilor grecești și romane și inspirată de zeițele și statuile antice.Pe baza acestor lucrări de artă, ea și-a modelat stilul estetic și a combinat elemente de sculptură și arhitectură grecească pentru a da o nouă dimensiune corpului feminin. Cu priceperea ei de maestru de rochii cu drapaj și croi în prejudecăți , ea a revoluționat moda modernă. Vionnet a apelat adesea la piese de artă precum victoria înaripată a Samotraciei pentru colecțiile ei creative.

Asemănarea dintre capodopera deelenisticartă și muza lui Vionnet este izbitor.Drapatura adâncă a țesăturii în stilul chitonului grecesc creează benzi verticale de lumină care curg în josul figurii.Sculptura a fost creată ca un omagiu adus lui Nike, zeița greacă a victoriei și este admirat pentru reprezentarea realistă a mișcării. Draperiile fluide ale designului lui Vionnet seamănă cu mișcarea țesăturii ondulate care se lipește de corpul lui Nike.Rochiile pot fi ca niște ființe vii cu suflet, la fel ca trupul. Ca Victoria înaripată a Samotraciei , Vionnet a creat rochii care trezesc ființele umane. Clasicismul, atât ca filozofie estetică, cât și ca filozofie de design, i-a oferit lui Vionnet capacitatea de a-și transmite viziunea în armonie geometrică.



rochie friza in basorelief madeleine vionnet

Rochie friză în basorelief de Madeleine Vionnet , fotografiat de George Hoyningen-Huene pentru Vogue franceză, 1931, prin Condé Nast

Vionnet a fost, de asemenea, fascinat de mișcările de artă modernă, cum ar fi Cubism . Ea a început să se încorporeze forme geometrice în creațiile ei și a dezvoltat o metodă diferită pentru a le tăia, numită tăierea părtinitoare. Desigur, Vionnet nu a pretins niciodată că ea a inventat tăietura, ci numai și-a extins utilizarea . Pe măsură ce femeile au făcut progrese mari în lupta pentru drepturile lor la începutul secolului al XX-lea, Vionnet și-a apărat libertatea eliminând corsetul victorian de lungă durată din îmbrăcămintea zilnică a femeilor. Prin urmare, ea a devenit un simbol al femeilor eliberarea de constrângerea bustierelor , șia lansat în schimb țesături noi, mai ușoare, care erauplutind pe corpurile feminine.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Valentino și Hieronymus Bosch

grădina desfătărilor pământești

Grădina deliciilor pământești de Hieronymus Bosch , 1490 – 1500, via Muzeul Prado, Madrid

Pierpaolo Piccioli este designerul principal al lui Valentino. Operele de artă religioasă din Evul Mediuatrage foarte mult la el.Punctul de plecare de inspirație pentru el este momentul de tranziție de la Evul Mediu la Renașterea de Nord. A colaborat cu Zandra Rhodes și împreună au conceput o colecție inspirată în primăvara anului 2017. Piccioli a vrut să conecteze cultura punk de la sfârșitul anilor ’70 cu umanismul și arta medievală, așa că a mers înapoi la a lui rădăcinile și Renașterea, găsindu-și inspirația în al lui Hieronymus Bosch pictura Grădina deliciilor pământești .



Faimosul pictor olandez a fost unul dintre cei mai noti reprezentanţi ai Renaşterii de Nord în cursul secolului al XVI-lea. În Grădina Desfătărilor Pământești pe care Bosch l-a pictat înaintea Reformei, artistul a vrut să înfățișeze Raiul și creația omenirii, prima ispită cu Adam și Eva și Iadul, anticipând păcătoșii. În panoul central, oamenii par să-și satisfacă poftele într-o lume în căutarea plăcerii. Iconografia lui Bosch se remarcă prin originalitate și senzualitate. Întreaga pictură este interpretată ca o alegorie a păcatului.

Valentino gradina deliciilor pamantesti

Modele pe pistă la prezentarea de modă Valentino Spring Summer 2017 în timpul Săptămânii Modei de la Paris , 2016, Paris, prin Getty Images



În lumea modei , pictura a câștigat popularitate deoarece diverși designeri de modă au fost fermecați de motivele sale. Îmbinând epocile și estetica, Piccioli a reinterpretat Simbolurile lui Bosch prin rochii plutitoare transparente, în timp ce Rhodes a creat imprimeurile romantice și modelele brodate, cu un cap subtil la opera de artă originală. Culorile au fost cu siguranță o parte a mesajului pe care designerii de modă doreau să-l transmită. Astfel, colecția de rochii de vis plutitoare se bazează pe paleta de culori nordică de verde măr, roz pal și albastru robin.

Dolce & Gabbana și barocul lui Peter Paul Rubens

pictura în oglindă Rubens Venus

Venus în fața oglinzii de Peter Paul Rubens , 1615, prin Colecțiile domnești din Liechtenstein, Viena; cu Colecția de modă Dolce & Gabbana pentru toamna/iarna 2020 fotografiată de Nima Benati , prin site-ul Nima Benati



Peter Paul Rubens a pictat femeile cu măiestrie, cu dragoste, erudiție și sârguință .’ El și-a prezentat-o Venus în fața oglinzii ca simbol suprem al frumuseții. Rubens și-a descris în mod excepțional tenul deschis și părul deschis, care contrastează cu roaba cu pielea închisă. The oglinda este simbolul suprem al frumuseții , care încadrează femeia ca un portret, subliniind în același timp subtil goliciunea figurii. Oglinda pe care Cupidon o ridică pentru zeiță dezvăluie reflectarea lui Venus, ca reprezentare a dorinței sexuale. Rubens, care a fost unul dintre fondatorii arta baroc , și conceptul său în care culorile sunt mai importante decât liniile, a influențat mai mulți designeri de modă printre care Dolce & Gabbana. The Stilul baroc deviat de la spiritul de Renaştere , a abandonat liniștea și netezimea și a urmărit în schimb eleganța, entuziasmul și mișcarea.

pace îmbrățișând multe peter paul rubens

Pacea îmbrățișând o mulțime de Peter Paul Rubens , 1634, via Yale Center for British Art, New Haven; cu Colecția de modă Dolce & Gabbana pentru toamna/iarna 2020, fotografiată de Nima Benati , prin site-ul Nima Benati



Creatorii de modăDomenico Dolce și Stefano Gabbana a vrut să creeze o campanie care să laude latura senzuală, dar și romantică a frumuseții feminine. Peter Paul Rubens a fost cea mai potrivită sursă de inspirație. Creațiile iconicului duo au ajuns să fie în mare armonie cu arta pictorului flamand. În această colecție, modelele au pozat cu mare noblețe, arătând de parcă tocmai ar fi sărit dintr-unul dintre tablourile lui Rubens. Peisajul a fost conceput pentru a aminti de oglinzile baroc și detaliile de broderie. Gratia figurilor si paleta de culori pastelate puneau in evidenta perfect rochia roz de brocart. Alegerea creatorilor de modă de a include modele diverse, cu atât mai mult a promovat tipul de corp din acea epocă. Liniile curbate folosite de Dolce și Gabbana au fost împotriva discriminării diferitelor tipuri de corp în industria modei.

anne din austria dolce gabbana

Portretul Annei de Austria de Peter Paul Rubens , 1621-25, via Rijksmuseum, Amsterdam; cu Modelul Lucette van Beek pe pista Dolce & Gabbana, toamna 2012 , fotografiat de Vittorio Zunino Celotto, prin Getty Images

Colecția de femei Dolce și Gabbana pentru toamna 2012 prezintă multe caracteristici ale arhitecturii baroce italiene. Această colecție coincide perfect cu caracteristicile extrem de ornamentate ale Stilul baroc sicilian . Creatorii de modă s-au concentrat pe arhitectura barocă așa cum se vede în Bisericile Catolice din Sicilia. Punctul de referință a fost pictura lui Rubens Portretul Annei de Austria . In ea portret regal , Ana din Austria este reprezentată purtând modă spaniolă. a lui Anne rochia neagră este decorată , cu benzi verticale de broderie verde si detalii aurii. Mâneca în formă de clopot, cunoscută sub numele de Spaniol Great-Maneca este, de asemenea, o semnătură în stil spaniol, precum și gulerul din dantelă cu volane. Rochiile și pelerinele concepute cu artă, realizate din textile de lux, precum dantelă și brocart, au furat spectacolul Dolce și Gabbana.

Istoria artei și a modei: manierismul lui El Greco și Cristobal Balenciaga

cardinalul grec

Fernando Nino de Guevara de El Greco (Domenikos Theotokopoulos), 1600, prin The Met Museum, New York

Christopher Balenciaga ar putea fi descris ca un adevărat maestru al modei care a reformat moda femeilor în secolul al XX-lea. Născut într-un mic sat din Spania, el a transferat esența istoriei artei spaniole în desenele sale contemporane. De-a lungul carierei sale, Balenciaga a fost impresionat de Renașterea spaniolă . A căutat adesea inspirație în regalitatea spaniolă și membrii clerului. Balenciaga a transformat piesele ecleziastice și hainele monahale ale epocii în capodopere de modă purtate.

Una dintre marile sale inspirații a fost manieristul El Greco, cunoscut și sub numele de Dominikos Theotokopoulos. Uitandu-ma la El Greco's Cardinalul Fernando Nino de Guevara , există o asemănare între pelerina Cardinalului și designul Balenciaga. Pictura îl înfățișează pe cardinalul spaniol, Fernando Niño de Guevara, din timpul lui El Greco în Toledo. Ideile lui El Greco au fost derivate din neoplatonismul Renașterii italiene, iar în acest portret, el îl prezintă pe cardinal ca simbol al harului lui Dumnezeu . Manierismul este prezent pe tot tabloul. Se remarcă în figura alungită cu capul mic, în membrele grațioase dar bizare, în culorile intense și în respingerea măsurilor și proporției clasice.

palton roșu balenciaga

Un model care poartă o haină roșie de seară de Cristóbal Balenciaga, Paris Fashion Week, 1954-55, prin Google Arts and Culture

Pasiunea lui Balenciaga pentru îmbrăcămintea istorică este evidentă în acest palton de seară extravagant din colecția sa din 1954. Avea viziunea și capacitatea de a reinventează formele în moda contemporană . Gulerul exagerat al acestei haine reproduce caracterul largi al pelerinei Cardinalului. Culoarea roșie a hainelor cardinalului simbolizează sângele și dorința lui de a muri pentru credință. Culoarea roșu viu a fost considerată extraordinară de celebrul designer, deoarece prefera adesea combinații de culori îndrăznețe și nuanțe strălucitoare. Marea sa inovație a fost eliminarea taliei și introducerea liniilor fluide, tăieturi simple și mâneci trei sferturi. Făcând acest lucru, Balenciaga a revoluționat moda feminină.

Designerul a introdus și mânecile lungi de brățară, care le-au permis femeilor să-și etaleze bijuteriile. În cursul anilor 1960, în timp ce introducerea progresivă a femeilor în industria muncii se întâmpla, Balenciaga a avut ideea de a oferi confort, libertate și funcționalitate femeilor pe care le îmbrăca. A promovat rochii largi, confortabile, care contrastau cu siluetele strânse ale vremii.

Simbolismul lui Alexander McQueen și Gustav Klimt

Klimt alexander mcqueen

Împlinire de Gustav Klimt , 1905, via MAK – Muzeul de Arte Aplicate, Viena; cu Rochie din colecția resort de Alexander McQueen , 2013, prin Revista Vogue

pictor austriac, maestru al Simbolism , și fondator al Vienei Secesiune circulaţie, Gustav Klimt a marcat istoria artei secolului XX. Picturile și estetica lui artistică au fost mult timp un inspirație pentru creatorii de modă . Printre alții precum Aquilano Rimoldi, L’Wren Scott și Christian Dior, designerul care l-a referit direct pe Klimt a fost Alexander McQueen. În colecția resort pentru colecția de primăvară/vară din 2013, a proiectat piese unice care par a fi inspirate din opera pictorului . Privind la rochia neagră fluidă, cu modelul auriu care se repetă deasupra – ar putea veni în minte un anumit tablou. McQueen a adoptat modele abstracte, geometrice și mozaic în tonuri de bronz și auriu, încorporându-le în design-ul său.

În 1905, Gustav Klimt a pictat Împlinire , o reprezentare a unui cuplu prins într-o îmbrățișare tandră, devenită simbol al iubirii. Pictorul austriac este renumit pentru picturile sale aurii dar și pentru amestecul perfect de abstractizare și culoare prezent în aceste lucrări. Toate mozaicurile au tonuri aurii bogate, cu decorațiuni caleidoscopice sau derivate din natură, care au avut un mare impact asupra modei. Această pictură este vibrantă datorită formelor geometrice contrastante dintre hainele celor doi îndrăgostiți. Îmbrăcămintea bărbatului include pătrate negre, albe și gri, în timp ce rochia femeii este decorată cu cercuri ovale și motive florale. În felul acesta, Klimt cu măiestrie ilustrează diferența dintre masculinitate și feminitate .

Christian Dior, The Designer of the Dreams, Și a lui Claude Monet Picturi impresioniste

gradina artistilor giverny

Grădina artistului de la Giverny de Claude Monet , 1900, prin Muzeul de Arte Decorative, Paris

Fondatorul Impresionism și unul dintre cei mai mari pictori francezi din istoria artei, Claude Monet a lăsat în urmă o mare operă artistică. Folosindu-și casa și grădina de la Giverny pentru inspirație, Monet a surprins peisajul natural în picturile sale. Mai exact, în tabloul numit Grădina Artistului din Giverny, a reușit să manipuleze peisajul natural după nevoile sale. Contrastul căii noroioase maro și culoarea vibrantă a florilor completează scena. Celebrul impresionist alegea adesea floarea de iris pentru culoarea ei violet pentru a da efectul unui soare strălucitor. Acest tablou este plin de viață, deoarece florile înfloresc și îmbrățișează primăvara. Petalele de trandafiri și liliac, iris și iasomie fac parte dintr-un paradis colorat, redate pe o pânză albă.

rochie miss dior christian dior

Rochie Miss Dior de la Christian Dior Haute Couture , 1949, prin Muzeul de Arte Decorative, Paris

În același spirit, Christian Dior , un pionier al couture-ului francez, a pus o amprentă imensă asupra lumii modei care se resimte și astăzi. În 1949, a conceput o colecție Haute Couture pentru sezonul primăvară/vară. Unul dintre punctele culminante ale acelei expoziții a fost iconicul domnisoara Dior rochie, in intregime brodata cu petale de flori in diferite nuante de roz si violet. Dior a ilustrat perfect cele două lumi ale artei și modei și a imitat estetica lui Monet în această rochie funcțională. Obișnuia să petreacă mult timp în mediul rural, desenând colecțiile în ale lui grădină în Granville , la fel cum a făcut Monet. În felul acesta, el a definit stilul elegant „Dior”. , încorporând paleta de culori și modelele florale ale lui Monet în creațiile sale.

Yves Saint Laurent, Mondrian și De Stijl

rochie rosie albastra galbena piet mondrian

Compoziție cu roșu, albastru și galben de Piet Mondrian, 1930, prin Kunsthaus Zurich Museum; cu Rochia Mondrian de Yves Saint Laurent , colecția toamnă/iarnă 1965, prin Met Museum, New York

Mondrian a fost unul dintre primii artiști care au pictat artă abstractă în secolul al XX-lea. Născut în Olanda, în 1872, a început o întreagă mișcare de artă numită Stilul . Scopul mișcării a fost să combină arta modernă și viața . Stilul, cunoscut și sub numele de Neoplasticism, a fost o formă de artă abstractă în care folosind doar principii geometrice și culori primare, cum ar fi roșu, albastru și galben, era combinată cu neutre (negru, gri și alb). Stilul inovator al lui Mondrian de la începutul anilor 1900 i-a făcut pe creatori de modă să reproducă acest tip pur de artă abstractă. Cel mai bun exemplu de pictură De Stijl este Compoziție cu roșu, albastru și galben .

Ca iubitor de artă, designerul de modă francez Yves Saint Laurent a încorporat picturile lui Mondrian în creațiile sale haute couture. Prima dată a fost inspirat de Mondrian când a citit o carte despre viața artistului pe care mama sa i-a dăruit-o de Crăciun.

rochii mondrian ysl

Rochii Mondrian la Muzeul de Artă Modernă de Yves Saint Laurent, 1966, prin Khan Academy

Yves Saint Laurent chiar a spus: „Mondrian este puritate și nu poți merge mai departe în pictură. Capodopera secolului XX este un Mondrian.

Designerul și-a arătat aprecierea față de Mondrian în colecția sa de toamnă din 1965, cunoscută sub numele de Colecția Mondrian . Inspirat de liniile geometrice și culorile îndrăznețe ale pictorului, el a prezentat șase rochii de cocktail care i-a marcat stilul iconic și epoca anilor șaizeci în general. Fiecare din rochii Mondrian variau puțin, dar toate aveau în comun forma simplă în linie A și lungimea până la genunchi fără mâneci care flatau orice tip de corp.

Elsa Schiaparelli și Salvador Dali

schiaparelli de acolo

Trei tinere suprarealiste ținând în brațe pielea unei orchestre de Salvador Dalí ,1936, prin The Dali Museum, St. Petersburg, Florida

Născut în 1890 într-o familie aristocratică cu sediul la Roma, Elsa Schiaparelli și-a exprimat curând dragostea pentru lumea modei. Va începe să-și dezvolte stilul revoluționar inspirat de futurism, dadaist , și Suprarealism . Pe măsură ce cariera ei a progresat, ea conectat cu suprarealiști și dadaiști cunoscuți precum Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp , și Jean Cocteau. Ea a colaborat chiar și cu artistul spaniol Salvador Dali. Absurditatea sa estetică și suprarealistă l-a făcut pe Dali cel mai faimos pictor al Mișcarea suprarealismului .

lacrimi imbraca schiaparelli

Rochia cu lacrimi de Elsa Schiaparelli și Salvador Dali , 1938, prin Victoria and Albert Museum, Londra

Una dintre cele mai mari colaborări în istoria modei a fost cea a lui Dali și Elsa Schiaparelli. Această rochie a fost creată împreună cu Salvador Dali , ca parte a colecției Circus a lui Schiaparelli din vara anului 1938. Rochia face referire la pictura lui Dali, în care el înfățișa femei cu carnea ruptă.

dali si schiaparelli

O fotografie a lui Salvador Dalií și Elsa Schiaparelli , c.1949, prin Muzeul Dalí

Pentru artiștii suprarealişti, căutarea femeii ideale era sortită eşuării , întrucât idealul exista doar în imaginația lor, și nu în realitate. Intenția lui Dali, totuși, nu a fost înfățișează femei în mod realist, astfel încât corpurile lor nu sunt deloc plăcute din punct de vedere estetic. Schiaparelli a vrut să experimenteze acest joc de ascunde și dezvăluire a corpului, dând iluzia de vulnerabilitate și expunere. Rochia cu iluzia lacrimilor a fost realizat din crep de mătase albastru pal, iar imprimeul a fost proiectat de Dalí pentru a semăna cu cele trei femei din pictura sa. Lacrimile dezvăluie partea inferioară roz a țesăturii, cu un roz mai închis dezvăluit în găuri.

Creatori de modă și artă pop: Gianni Versace și Andy Warhol

diptic marilyn andy warhol

Dipticul Marilyn de Andy Warhol , 1962, via Tate, Londra

The Arta pop era probabil cea mai influentă perioadă pentru creatorii de modă și artiștii din istoria artei. Andy Warhol a fost pionier într-o combinație de cultură pop și modă care l-a făcut un iconic simbol al mișcării Pop Art . În anii șaizeci, Warhol a început să-și exerseze tehnica de semnătură cunoscută sub numele de serigrafie.

Una dintre cele mai vechi și, fără îndoială, cele mai faimoase lucrări ale sale a fost Dipticul Marilyn . Pentru această lucrare de artă, s-a inspirat nu numai din cultura pop, ci și din istoria artei și pictorilor expresionismului abstract. Warhol a capturat cele două lumi a lui Marily Monroe, viața publică a starului de la Hollywood și realitatea tragică a Norma Jeane, femeia care s-a luptat cu depresia și dependența. Dipticul întărește vibrația în stânga, în timp ce în dreapta se estompează în întuneric și obscuritate. În încercarea de a prezinta o societate a consumismului si materialismului , el a descris indivizii ca produse mai degrabă decât ființe umane.

rochie evanghelist versace warhol

Linda Evangelista într-o rochie „Warhol Marilyn” de Gianni Versace , 1991

Designerul italian Gianni Versace a avut o prietenie de lungă durată cu Andy Warhol. Ambii bărbați au fost fermecați de cultura populară. Pentru a-l comemora pe Warhol, Versace i-a dedicat Colecția de primăvară/vară din 1991. Una dintre rochii prezenta imprimeurile Marilyn Monroe ale lui Warhol. El a încorporat pe fuste și rochii maxi portrete viu colorate, serigrafiate ale lui Marilyn și James Dean, care provin din anii 1960.