Cum frăția prerafaelită a șocat lumea artei: 5 picturi cheie

The Awakening Conscience de William Holman Hunt, 1853; cu Beata Beatrix de Dante Gabriel Rossetti, 1864–70

Una dintre cele mai cunoscute mișcări de artă din toate timpurile, Frăția Prerafaelită este renumită în întreaga lume pentru stilul său distinctiv și recunoscut instantaneu - femei cu părul de flacără, culori strălucitoare, costume arthuriene și încurcături sălbatice de peisaj rural pictate în detalii microscopice. Stilul este atât de înrădăcinat în istoria culturală astăzi, încât este greu de imaginat cât de radicali și subversivi au fost cândva. Dar în vremea victoriană, ei erau băieții răi ai lumii artei britanice, îngrozind publicul cu o estetică nou-nouță care nu semăna cu nimic pe care nimeni nu a mai văzut-o înainte.

Plictisit și frustrat de arta clasică dominantă și derivată din jurul lor, Frăția Prerafaelită a revenit în trecutul medieval pentru un mod de lucru mai simplu și mai autentic. Natura a fost o forță motrice, pe care au căutat să o reproducă cu maximă atenție la detalii. De asemenea, au definit un nou brand de frumusețe feminină, înlocuind nudurile clasice idealizate înclinate cu femei stridente și împuternicite sexual din lumea reală, reflectând vremurile în schimbare în care trăiau.

Cine au fost Frăția Prerafaelită?

Portretul Arnolfini de Jan van Eyck , 1434, prin The National Gallery, Londra

Fondatorii Frăției Prerafaelite s-au întâlnit pentru prima dată ca studenți la Academia Regală din Londra în 1848. Dante Gabriel Rossetti William Holman Hunt , și John Everett Millais toți au fost la fel de neimpresionați de metodele de predare înrădăcinate de la Academie, care i-au încurajat să copieze operele de artă clasice și renascentiste prin memoriu, inclusiv portretele și pictura de gen. Rafael . După ce am văzut a lui Jan van Eyck Portret Arnolfini, 1434, și a lui Lorenzo Monaco Retabloul San Benedetto, 1407-9 expus la Galeria Națională din Londra, ei au dezvoltat în schimb un gust deosebit pentru arta medievală și a Renașterii timpurii făcute înainte sau înainte de Rafael, care se concentra pe lucrul din observație directă cu culori strălucitoare și strălucitoare și o atenție incredibilă la detalii.

Calul Sărit de John Constable , 1825, prin Academia Regală de Arte, Londra

Găsirea adevărului în natură a fost un concept fundamental în arta prerafaelită, o idee care a fost informată parțial de simpla onestitate a artei medievale și, de asemenea, de scrierea unui eminent teoretician al artei. John Ruskin, care a încurajat activ artiștii să meargă în natură pentru a găsi adevăratul sens al artei. The Romantic pictori John Constable și JMW Turner a avut, de asemenea, o influență puternică asupra prerafaeliților, cu celebrarea lor în admirația sublimă și minunea naturii.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Cu aceste idei bine puse la punct, Frăția Prerafaelită a fost fondată în secret la Londra de Millais, Rossetti și Hunt în 1848, iar de-a lungul anilor grupul lor mic va atrage un cerc mai larg de adepți pasionați, inclusiv Ford Madox Brown și Edward. Burne-Jones. În manifestul lor fondator, ei și-au descris scopurile: să aibă idei autentice de exprimat, să studieze natura cu atenție, astfel încât să știe să le exprime, să simpatizeze cu ceea ce este direct, serios și sincer în arta anterioară, cu excluderea a ceea ce este convențional și auto-parad și învățat din memorie și, cel mai indispensabil dintre toate, pentru a produce imagini și statui foarte bune. Această declarație a rezumat rebeliunea lor deliberată împotriva tradițiilor ferme ale Academiei Regale care dominau arta britanică victoriană, o atitudine care avea să schimbe pentru totdeauna cursul istoriei artei. Să aruncăm o privire mai atentă prin cele mai influente picturi care au stârnit o furtună și au făcut din Frăția Prerafaelită numele cunoscute pe care le cunoaștem astăzi.

1. John Everett Millais, Hristos în casa părinților Săi, 1849

Hristos în Casa Părinților Săi de John Everett Millais , 1849, via Tate, Londra

Deși ar putea părea surprinzător astăzi, Millais a provocat un șoc și groază larg răspândit când a dezvăluit acest tablou la Academia Regală în 1850. Ceea ce i-a respins atât de mult pe vizitatorii galeriei a fost realismul crud și crud al lucrării, care îi înfățișa pe Fecioara Maria și pe Isus ca reali. oameni obișnuiți cu unghii murdare, haine uzate și piele încrețită, mai degrabă decât norma stabilită pentru idealizarea figurilor sfinte. Millais a făcut eforturi extreme pentru a portretiza un realism atât de viu, bazându-și decorul pe un adevărat atelier de dulgher și folosind ca modele pentru oile din fundal capete de oaie de la o măcelărie.

Unul dintre cei mai proeminenti critici ai acestei opere a fost scriitorul Charles Dickens, care a condamnat portretizarea lui Millais a Mariei ca fiind atât de oribilă în urâțenia ei, încât s-ar remarca de restul companiei ca un monstru... Lucrarea a demonstrat atitudinea deliberat provocatoare și confruntatoare a Frăției Prerafaelite față de Academia Regală, respingând toate formele de clasicismul idealizat în favoarea adevărului rece, dur.

2. John Everett Millais, Ophelia, 1851

Ofelia de John Everett Millais , 1851, via Tate, Londra

Una dintre cele mai iconice picturi ale tuturor timpurilor, Ophelia lui Millais a devenit adesea imaginea afișului pentru întreaga mișcare prerafaelită. Millais o surprinde pe Ophelia din Hamlet al lui Shakespeare care tocmai s-a înecat într-un pârâu, pictând modelul și sălbăticia înconjurătoare cu niveluri uimitoare, aproape fotografice de realism. Subiectele shakespearian au fost populare printre artiștii acestei perioade, dar niciodată înainte nu au fost pictate cu o acuratețe atât de reală sau cu culori atât de uimitor de vii, pe care criticii le-au descris ca fiind stridente, acuzându-l pe Millais că a furat atenția de la lucrările atârnate în jurul ei.

Millais a pictat mai întâi fundalul, lucrând în aer liber pe o porțiune de râu în Surrey, luni de zile, pentru a surprinde detaliile minuscule ale vieții vegetale. Modelul feminin adăugat mai târziu a fost Elizabeth Siddall, una dintre cele mai populare muze ale grupului care a venit să o caracterizeze pe femeia prerafaelită cu pielea ei palidă și părul roșu aprins, iar mai târziu s-a căsătorit cu Rossetti. Millais a convins-o să pozeze într-o baie de apă pentru perioade lungi de timp, astfel încât să poată picta în fiecare detaliu din viață, cum ar fi strălucirea lucioasă a ochilor ei și textura părului ei ud, dar procesul obositor l-a determinat pe Siddall să se contracte. un caz sever de pneumonie, o poveste care adaugă picturii o mai mare intensitate emoțională.

3. Ford Madox Brown, Miei drăguți Baa, 1851

Mieii drăguți Baa de Ford Madox Brown , 1851, în Muzeul și Galeria de Artă din Birmingham, prin Art UK

Judecând după standardele de astăzi, această pictură ar putea părea o portretizare idilică a vieții rurale, dar în societatea victoriană, a fost considerată una dintre cele mai scandaloase și scandaloase picturi realizate vreodată. Ceea ce a făcut-o atât de șocant a fost realismul său puternic luminat și culorile strălucitor de îndrăznețe, pe care Brown le-a obținut pictând întreaga scenă în aer liber cu modele din viața reală. Pictura a făcut o rupere bruscă de scenele idealizate, imaginare de fantezie și evadare, care tipifica arta vremii, conectând arta înapoi cu adevărul rece al vieții normale, obișnuite. Privind în urmă, pictura este acum recunoscută ca un precursor important al picturii en plein air din Realiști și impresionişti asta ar urma, după cum a observat criticul de artă din secolul al XIX-lea RAM Stevenson: Întreaga istorie a artei moderne începe cu acea imagine.

4. William Holman Hunt, Conștiința trezită, 1853

Conștiința Trezită de William Holman Hunt , 1853, via Tate, Londra

Această scenă interioară misterioasă este încărcată cu drame și subtexte ascunse – ceea ce la început ar putea părea a fi un cuplu căsătorit singur într-un spațiu privat este de fapt un aranjament mult mai complex. Studierea mai detaliată a lucrării dezvăluie cum tânăra de aici se află într-o stare de dezbracare parțială și nu poartă verigheta, sugerând că este fie amantă, fie prostituată. O mănușă căzută pe podea implică disprețul neglijent al bărbatului față de această tânără, dar acest lucru este contracarat de expresia ciudată și luminată de pe chipul femeii și de limbajul ei tensionat al corpului.

Văzute împreună, aceste referințe sugerează că ea a văzut dintr-o dată calea spre mântuire, în timp ce grădina plină de lumină din depărtare indică către un nou tip de libertate și mântuire. Frăția Prerafaelită era bine conștientă de schimbarea statutului cu care se confruntă femeile din clasa muncitoare din epoca victoriană, care câștigau o mai mare autonomie prin creșterea locurilor de muncă în urma revoluției industriale. În această tânără înaltă și încrezătoare, Hunt indică un viitor mai luminos al mobilității sociale, independenței și egalității de șanse.

5. Dante Gabriel Rossetti, Beata Beatrix 1864–70

Fericită Beatrix de Dante Gabriel Rossetti , 1864–70, via Tate, Londra

Inspirația pentru acest portret fantomatic și eteric a venit de la poetul medieval a lui Dante text La Vita Nuova (Viața nouă), în care Dante scrie despre durerea lui la pierderea iubitei sale Beatrice. Dar Rossetti modelează Beatrice în acest tablou pe soția sa, Elizabeth Siddall, care murise de o supradoză de laudanum cu doi ani mai devreme. Prin urmare, pictura acționează ca un memorial puternic al lui Siddall, înfățișând-o ca pe un spirit melancolic al cărui păr roșu este înconjurat de un halou de lumină. În prim plan, un porumbel roșu este un sinistru purtător al morții, aruncând o floare galbenă în poala modelului. Expresia ei este una de transcendență, în timp ce închide ochii și își îndreaptă capul spre cer de parcă ar anticipa venirea morții și a vieții de apoi.

Tragedia acestei lucrări caracterizează o obsesie victoriană pentru melancolie și moarte, dar poartă și un mesaj de speranță – în multe dintre picturile Frăției Prerafaelite, femeile care erau fie pe moarte, fie moarte simbolizează moartea stereotipurilor feminine de modă veche. și renașterea trezirii libertății, sexualității și puterii feminine.

Moștenirea Frăției Prerafaelite

Plopi pe Epte de Claude Monet , 1891, via Tate, Londra

Frăția Prerafaelită a modelat, fără îndoială, cursul istoriei artei, deschizând calea pentru o întreagă secesiune de mișcări artistice. The Mișcarea Arts & Crafts a dezvoltat în continuare accentul prerafaelit pe rusticarea medievală și o legătură profundă cu natura, în timp ce mișcarea estetică din anii 19 mai târziu.thsecolul a fost o progresie naturală față de prerafaeliți, cu poeți, artiști și scriitori concentrându-se pe valorile estetice peste teme socio-politice. Mulți au susținut, de asemenea, că prerafaeliții au fost în fruntea francezilor impresionişti prin încurajarea tehnicilor de pictură în aer liber pentru a surprinde efectele dramatice ale luminii în aer liber. În cultura populară, Frăția Prerafaelită a modelat o mare parte a imaginilor vizuale din jurul nostru, de la J.R.R. Romanele lui Tolkein la stilul distinctiv al cântăreței Florence Welch și la moda flotantă și eterică a lui Alexander McQueen, John Galliano și The Vampire's Wife, demonstrând cât de durabil și atrăgător continuă să fie stilul lor.