Cele mai notabile 10 opere de artă ale lui Gustav Klimt

Născut în 1867, Gustav Klimt a fost un disident artistic împotriva Academiei, un pionier al artei moderne și cel mai proeminent membru al Secesiunii de la Viena. Klimt, educat la Școala de Arte și Meserii din Viena, și-a petrecut cariera timpurie ca artist convențional. După ce arta sa a provocat o serie de scandaluri la Viena, s-a despărțit definitiv de cercurile artistice consacrate. S-a bucurat de succes internațional ca artist modern, în timp ce în Austria, sa susținut financiar ca portretist. Lucrările de artă ale lui Gustav Klimt au marcat tranziția de la convențiile academice care au fost urmate de secole către o artă mai abstractă. Folosirea lui de fundaluri plate, ornamente repetate și modele a deschis calea pentru artiști mai orientați spre experiment. Iată 10 dintre cele mai notabile opere de artă ale lui Gustav Klimt.

1. Gustav Klimt, Sarutul , 1908

Sărutul este unul dintre cei mai iubiți Operele de artă ale lui Gustav Klimt , regăsindu-se reprodus pe aproape fiecare produs imaginabil vândut oamenilor în secolul al XXI-lea. Pictura pe care toată lumea o adoră astăzi a fost terminată de artist în 1908. După ce Klimt și alți artiști s-au despărțit în cadrul deja sfidătoare Secesiunea vieneză , au organizat primul Expoziție de artă în iunie 1908 .

Expoziția a inclus câțiva artiști mai tineri și 16 lucrări de artă ale lui Klimt, dar Sarutul era în centrul atenției. După expoziție, pictura a fost achiziționată de către Ministerul Educației pentru Moderne Galerie (actuala Österreichische Galerie Belvedere).

Operele lui Gustav Klimt, în general, arată admirație pentru frumusețea feminină, dar și o anumită distanță între genuri, precum și relații sexuale tulburi între ele. Fața bărbatului nu poate fi văzută în timp ce o ține pe femeie în sus, cu mâinile strânse în jurul feței, într-un gest de tandrețe. Femeia se întoarce de la îmbrățișarea lui, oferindu-i bărbatului doar obrazul ei pentru un sărut. Mâinile ei arată aproape ca și cum ar fi încercat să se îndepărteze de îmbrățișare. Klimt a folosit ornamente simbolice și încărcate erotic, precum fluxurile de ornamente aurite asemănătoare spermatozoizilor din partea dreaptă jos, indicând momentul extazului climatic tocmai a trecut.

2. Tablouri pentru Universitatea din Viena, 1898-1900

În 1894, împreună cu Franz Matsch, Klimt a primit o comisie pentru o serie de picturi pentru Sala Mare a Universității din Viena. Partea lui Klimt din comisie a inclus trei picturi, Filosofie, Medicină și Jurisprudență, reprezentând diferitele facultăți. Când au fost prezentate publicului, toți i-au adus critici negative lui Klimt. Din păcate, picturile au fost în mod deliberat distrus de trupele SS în al Doilea Război Mondial .

Filozofie i-a deranjat pe critici prin prezentarea bărbaților și femeilor aflate în transă. Deși a fost respins la Viena, a câștigat medalia de aur la prima sa prezentare la Paris la Expoziția Mondială din 1900.

Prima apariție a neterminatului Medicament în anul următor a provocat controverse și mai mari. Este greu de deslușit cu exactitate ce a vrut să spună Klimt despre medicină în acest tablou. Masa corpurilor umane și a figurilor în vârstă indică suferința umană, dar accentul nostru principal este pe cele două figuri feminine din stânga jos și sus. Simbolul tradițional al șarpelui sugerează că femeia din partea de jos este personificarea Medicinii. Femeia goală din stânga ne atrage în vintre în timp ce își deschide brațele într-o parodie a crucificării.

Jurisprudenţă , văzută la acea vreme ca o piesă pornografică, arată trei femei sub apă într-o lume marină cu părul lung care curge sub umeri. Pictura este plină de emoție întunecată la fiecare pas cu opera de artă, în special cu caracatița care prinde masculul în prim plan, lăsând femeile să se sperie.

3. Judith și capul lui Holofernes , 1901

Creat în 1901, Judith și capul lui Holofernes este interpretarea lui Klimt a unei teme foarte populare în arta occidentală de atunci renasterea . Prima versiune a lui Judith este un arhetip Femeie fatală găsit în multe dintre lucrările ulterioare ale lui Klimt, simbolizând triumful erotic feminin asupra dominației masculine agresive.

Personajul biblic Judith deține capul generalului asirian decapitat, Holofernes; cu toate acestea, Klimt este în mod clar disprețuitor de narațiune și de modul tipic de a descrie această poveste. Fără cadru biblic și nici o sabie sângeroasă obișnuită și nici complicele lui Judith, Judith însăși preia cea mai mare parte a compoziției.

Chipul lui Judith emană un amestec încărcat de plăcere și perversie, privind seducător în afara tabloului. Modelul pentru Judith a fost socialistul vienez Adele Bloch-Bauer , subiectul altor două portrete finalizate în 1907 și 1912, precum și pentru opera de artă a lui Gustav Klimt Palas Atena . Adele a fost o femeie bogată și gazdă a unui renumit Salon la începutul secolului al XX-lea, al cărui soț i-a cerut inițial lui Klimt să picteze un portret al soției sale.

4. Alegoria sculpturii , 1899

Klimt s-a format ca pictor în tradiția clasică. Ca artist cu o educație academică, Klimt fusese ales de către burghezia liberală bogată ca decorator al clădirilor lor prestigioase. Astfel, după absolvirea școlii primare și gimnaziale, Gustav a fost admis la Școala de Arte și Meserii a Muzeului Regal Imperial de Artă și Industrie (Universitatea de Arte Aplicate din Viena) în 1876, la vârsta de 14 ani.

Până în 1896, Klimt a început deja să picteze corpul uman într-o manieră mai neconvențională și mai individuală. De exemplu, există o discrepanță interesantă între studiul anterior pentru Alegoria sculpturii și pictura pe deplin realizată. În studiu, părul sălbatic și liber care va caracteriza ulterior stilul lui Klimt este deja vizibil și există urme ale unei descrieri mai detaliate a părului pubian. Femeia se uită direct la privitor și adoptă o ipostază provocatoare de parcă ar fi fost surprinsă goală în dormitorul ei. Pictura, dimpotrivă, arată din nou o figură tradițională, poza ei fiind în mod clasic asemănătoare sculpturii, părul ei este împletit și părul pubian a dispărut.

5. Moarte și viață , 1911

Operele de artă ale lui Gustav Klimt trebuie luate în considerare în contextul artei simboliste și al tendinței sale pentru teme universale. La fel ca contemporanii săi artistici, lupta vieții și a morții a inspirat întotdeauna arta lui Klimt. Klimt a prezentat prima versiune a Moarte și Viață în 1911 la o expoziţie internaţională la Roma. Din nou, i s-a acordat premiul I. Nu a fost cu adevărat mulțumit de versiune, așa că a început să lucreze la corectarea acesteia în 1915.

Scheletul drapat într-un halat întunecat decorat cu cruci veghează asupra unui grup plutitor de figuri umane adormite, reprezentând Viața în dreapta. Viața cuprinde toate generațiile, de la bebeluș la femeie în vârstă. Spre deosebire de colegii săi mai simboliști și expresioniști, pictura lui Klimt este optimistă. Moartea poate fi capabilă să ia viața unor indivizi, dar Viața însăși continuă. Fundalul, probabil cândva de culoare aurie, fusese făcut gri de Klimt în 1915. În același an, Klimt a adăugat mai multe ornamente figurilor din pictură.

6. Portretul lui Emilie Flöge , 1902

O mare parte a operelor de artă ale lui Gustav Klimt este dedicată reprezentărilor femeilor. Gama lui de tipuri feminine este multifațetă și include femeia erotizată, demonizată Femeie fatală , creatura feminină alegorică și mitică a naturii și, în sfârșit, doamna idealizată a societății. Acest ultim tip i-a câștigat o reputație de pictor al portrete feminine distinse în sfârşitul secolului Viena.

Emilie Flöge este considerată până astăzi ca „muza” inspiratoare a artistului de renume mondial. Emilie Flöge a fost unul dintre cei mai influenți designeri de modă din Viena. A condus salonul Schwestern Flöge din 1904 împreună cu surorile ei Helene și Pauline. Inspirată de mișcări și tendințe noi, ea și-a urmat propriul drum artistic alături de Klimt. Ambii au fost reprezentanți importanți și creatori de tendințe, în special pentru Atelierul Wiener , fondată în 1903, și conceptul atelierului de opera de artă universală.

Portretul lui Emilie Flöge o arată pe tânăra atrăgătoare purtând o rochie cu design propriu. Multe dintre rochiile și țesăturile ei au fost concepute de Klimt special pentru salonul ei de modă. Utilizarea elementelor geometrice metalice în portret marchează începutul stilului „de aur” al lui Klimt, care va atinge punctul culminant cinci ani mai târziu, cu primul său portret al Adelei Bloch-Bauer.

7. Danae , 1907

O temă standard a pictorilor simboliști, așa cum am menționat anterior, a fost figura arhetipală a Femeie fatală . Printre cele aproximativ 4.000 de lucrări grafice lăsate în urmă de Gustav Klimt se numără numeroase reprezentări feminine extrem de erotice, care i-au adus artistului reputația de „erotist”. Majoritatea dintre ele nu au fost expuse în timpul vieții sale și nici nu au fost destinate să fie vândute. Ele au servit în primul rând drept studii pentru picturi și sunt o dovadă a explorării sale aproape obsesive a esenței „femininului”.

Danae este o figură din mitologia greacă. Fiica lui Acrisie, regele Argos, a fost închisă într-un turn de tatăl ei, după ce un oracol a prezis că fiul ei îl va ucide. Profeția s-a împlinit după ce Zeus a vizitat-o ​​pe Danae sub forma unei ploaie de aur și a impregnat-o. . Danae a născut curând Perseus , care l-a ucis accidental pe Acrisius cu un disc.

Ca tipic pentru operele de artă ale lui Gustav Klimt, el folosește vălul mitologiei pentru a masca o scenă esențial erotică. Klimt pune spectatorul în rolul unui voyeur. Suntem așezați claustrofob și intim aproape de femeia adormită, în timp ce aceasta este impregnată de ploaie de ornament auriu încărcat erotic.

8. Friza Beethoven , 1902

În clădirea Secesiunii din Viena , împreună cu o sculptură monumentală policromă de Max Klinger , această pictură murală a fost finalizată în 1902. Klimt a făcut din ea o sărbătoare a celebrului compozitor german Ludwig van Beethoven . Destinată inițial doar pentru cea de-a 14-a expoziție secesionistă din Viena, friza a fost pictată direct pe pereți și este acum expusă permanent astăzi.

Friza ilustrează dorința de fericire într-o lume suferindă și necontrolată în care ființele umane se luptă cu forțele externe malefice și slăbiciunile interne, așa cum sunt reprezentate în capodoperele simfonice ale lui Beethoven. Privitorul urmărește călătoria descoperirii într-un mod vizual și liniar spectaculos. Friza începe cu o femeie plutitoare Geni care caută Pământul înainte de a-l prezenta pe sinistru gigant care apare furtună, Typhon, cele trei fiice ale sale Gorgon și alte imagini reprezentând boala, nebunia, moartea, pofta și desfrânarea, afișate deasupra și în dreapta. Apoi apare un cavaler în armură strălucitoare, oferind speranță datorită ambiției și simpatiei sale pentru oamenii suferinzi.

Călătoria se încheie cu descoperirea bucuriei (cum este celebrată în Simfonia corală #9 a lui Beethoven) prin intermediul artelor, cu seninătatea portretizată în îmbrățișarea strânsă a unui sărut. Astfel, friza explorează dorința umană psihologică, satisfăcută doar prin căutarea individuală și colectivă și frumusețea artelor, cuplată cu dragoste și companie.

9. Cele trei vârste ale femeii , 1905

Această pânză din 1905 se referă la o temă recurentă a operei de artă a lui Gustav Klimt, găsită pentru prima dată în pictura din 1895. Dragoste . Înfățișează cele trei vârste ale unei femei: un copil, o domnișoară și o femeie în vârstă. Pictura a fost imediat recunoscută ca o mare realizare, câștigând Premiul la Esposizione d’Arte Internazionale din Roma în 1911.

În anul următor, a fost achiziționat de către Roman Galleria Nazionale d´Arte Moderna. Compoziția îmbină utilizarea revelatoare a aurului de către Klimt cu simboluri geometrice în diferite forme. Gama emoțiilor umane este transmisă cu introspecție psihologică în expresiile celor trei figuri. El folosește cu îndrăzneală premoniția dramatică a morții la bătrânețe, blânda protecție a tinerei și somnul mulțumit, aparent naiv, al copilului. Klimt arată încă o dată că în lupta eternă cu Moartea, Viața reușește să continue.

10. Gustav Klimt, Copacul vietii , 1909

În 1905, la periferia Bruxelles-ului, finanțatorul belgian Adolphe Stoclet l-a însărcinat pe Klimt să proiecteze un mozaic magnific pentru sala de mese a așa-numitului Palais Stoclet. Mozaicul bogat decorat se referă la stilul bizantin al picturilor, cum ar fi Sarutul si Portretul Adelei Bloch-Bauer . Astăzi, Palatul Stoclet , deținută în continuare de familia Stoclet, face parte pe bună dreptate pe lista site-urilor Patrimoniului Mondial UNESCO.

O parte din Friza Stoclet, terminată în 1911, este una dintre cele mai cunoscute opere de artă ale lui Gustav Klimt, Copacul vietii . Arborele este motivul dominant al celor două laturi ale sălii de mese dreptunghiulare. Copacul vietii are ramuri aurii, în formă de spirală, care umplu cea mai mare parte a planului imaginii. Restul este luat de flori, fluturi și păsări. Singura figurină în picioare este intitulată Aşteptare , și corespunde reprezentării unui cuplu îmbrățișat din dreapta intitulat Îmbrăţişare .