Ce este simbolismul? De la Femmes Fatales la exotism

Utilizarea simbolurilor poate fi găsită în aproape fiecare perioadă stilistică din istoria artei. Ceea ce face diferită mișcarea simbolistă din secolul al XIX-lea este utilizarea simbolurilor în contexte noi, nefamiliare. În loc să transmită un conținut definitiv, simbolurile au devenit ambigue, oscilând între sensul literal și cel figurat. Într-un articol publicat în Parisian Le Figaro în 1886, Jean Moréas, un poet de origine grecească care trăiește în Franța, oferă ideea de bază a unei mișcări de artă pe care a numit-o „simbolism”. În ea, Moréas scrie:

„Trăsătura esențială a artei simboliste constă în a nu fixa niciodată conceptual sau exprima direct o idee… aparițiile reale de orice fel, nu devin ele însele vizibile în această artă, ci sunt simbolizate prin urme subtil perceptibile, prin afinități ascunse cu ideile originale…”

Pe scurt, simbolismul este arta de a evoca idei care nu sunt reprezentate în mod explicit pentru ca privitorul să le citească.

Apariția simbolismului în Europa

Cronologia simbolismului în arta vizuală este greu de definit, deoarece s-a dezvoltat independent în multe țări europene și chiar în lucrările artiștilor individuali. Ca atare, este mai bine înțeles ca un curent spiritual specific care a cuprins imaginația muzicienilor, poeților și artiștilor vizuali. Acest curent a fost declanșat de provocările puse de viziunea modernistă asupra lumii. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, optimismul progresului legat de industrializare se risipise. Controlul total proclamat și așteptat al naturii de către știință și tehnologie a fost expus ca o iluzie, determinând apariția unui front larg împotriva materialismului și pozitivismului.

Într-un reflex la asta criză de credinţă şi pesimism cultural , s-au făcut numeroase încercări de o nouă interpretare a lumii, ducând adesea la un nou tip de spiritualitate. Enigmaticul, misticul și ocultul au fost văzute cu o nouă dorință. Artei a primit un nou sens în noua viziune asupra lumii, iar artiștii au avut un rol unic. În simbolism, lumea aparențelor era acum interpretată ca un simbol al unei realități mai profunde și arta ca un mediator între diferitele niveluri. Într-un fel de evadare, lumile fantastice subiective de vis au apărut ca contra-imagini ale lumii reale.

Subiect și mijloace de exprimare

Subiectul simbolismului este tot ceea ce duce la frontierele normalității și realității, cum ar fi fervoarea religioasă, intoxicarea, visul, dragostea și moartea. Pentru astfel de subiecte, simboliștii trebuiau să folosească o mare varietate de expresii pentru a manifesta lucruri și figuri care nu ar putea apărea niciodată în realitate. Permutările naturaliste și stilistice au fost modalități comune de exprimare a acestor senzații. a lui Arnold Böcklin Autoportret cu moartea cântând la lăutări înfățișează o scenă în care „irealul” (scheletul cu o vioară care se apropie) este la fel de real ca portretul artistului.

Simboliștii au amestecat diverse stiluri și forme istorice, cum ar fi cel al lui Gustave Moreau Salomee , care a dansat într-un templu cu simboluri cultice creștine și indiene antice. Permutarea stilistică a luat forma unei combinații de forme naturale și abstracte. Din nou, Moreau și-a înconjurat figura umană înfățișată în mod realist cu pete de culoare libere. La Viena, Gustav Klimt a așezat portrete ușor stilizate în vârtejuri de ornament auriu.

Simboliştii îşi acoperă subiecţii şi îi fac vagi, căutând frumuseţea în fenomenele care elud percepţia vizuală. Aranjamentele spațiale și proporțiile naturale au fost contrare esteticii academice clasice. Spațiul nedefinit sau nedeterminat, adesea fără perspectivă liniară, este folosit ca o înveliș în care sunt plasate ideile. Lumina și culoarea au devenit forme de expresie în mod independent, divorțate de subiectul imaginii. Paleta monocromă sau redusă conferă imaginii o anumită stare de spirit sau atmosferă. De aceea, imaginile simboliste eludează percepția normală, de zi cu zi, ca în lucrările lui Odilon Redon . Artistul francez a evitat să folosească culori în lucrările sale înainte de anul 1900, deoarece acestea reprezentau lumea reală, în timp ce lucrările sale vizualizau o lume nevizibilă, asemănătoare unui vis.

Rolul artistului în simbolism

De-a lungul secolului al XIX-lea, rolul artistului schimbat continuu. Vechea idee romantică a artistului singuratic a cunoscut o renaștere în simbolism la sfârșitul secolului al XIX-lea. Experiența artistului de a fi înțeles greșit a făcut această figură arhetipală cu atât mai atrăgătoare. Statutul de cult al artiștilor zilei a rezultat în fenomenul „prinților” artiști precum Alexander Cabanel sau Franz von Lenbach.

Pe acest fundal se aflau biografiile lui Arnold Böcklin și Hans von Marees. Poveștile lor personale au devenit prototipuri pentru o nouă atitudine, în care mitul geniului singuratic și neînțeles a căpătat treptat o conotație pozitivă. Artistul a devenit un luptător și reformator care a primit o justificare întârziată. Artistul nu mai vrea să joace rolul cetățeanului de succes. Este un erou a cărui legitimare este validată prin experiențe extraordinare. Înstrăinarea și greutățile, împreună cu cunoașterea viselor, coșmarurilor, Erosului și a morții, au sporit sensul imaginii artistului. În calitate de creatori ai imaginii, artiștii au jucat un rol central ca văzători și mediatori între aceste experiențe și publicul, deja receptiv la aceleași valori.

Relația dintre sexe

Relația dintre sexe a fost o temă comună tratată de simboliști în multiple aspecte, de la pubertate până la complexul de castrare. Morala strictă contemporană, care a dus la reprimarea dorinței și a instinctelor sexuale, și-a găsit expresie în diferite reprezentări ale femeii . Idolatrarea femeilor a luat forma unor figuri feminine înconjurate de flori și ornamente. În alte cazuri, inocența feminină pare pusă în pericol, vizualizată adesea prin mitul lui Perseus care eliberează Andromeda, ca în filmul lui Edward Burne-Jones. Stânca destinului .

Imaginea lui Femeie fatală a fost unul dintre cele mai comune subiecte ale artiștilor simboliști. Franz von Stuck a pictat cel puțin 11 versiuni ale unei figuri feminine nud, cu un șarpe încolăcit în jurul ei, dându-i dreptul fie Fără sau Senzualitate . Femeile sunt frecvent legate de animale în miturile clasice. O fată înconjurată de lebede, făcând aluzie la mitul lui Zeus și Leda, a fost un motiv folosit în mod repetat în simbolism. Această temă include, de asemenea, hibridul dintre o femelă umană și un tigru, leu sau panteră, care adesea reprezintă căderea bărbaților. Ea este o Sfinx care pune ghicitori pe care să le rezolve bărbaților și le devorează atunci când eșuează.

Natura: Paradis și o casă pentru Dionysos

Pentru a contrabalansa pesimismul cultural, noțiunea de inocență paradisală a fost exprimată în viziuni ale Epocii de Aur sau pur și simplu în scene idilice, naturale. Imaginile au fost plasate într-un cadru natural neatins, populat de figuri umane nud. Artiștii și-au imaginat o lume de armonie dezirabilă, cu totul spre deosebire de lumea reală decadentă. Asemenea idei se găsesc în lucrările lui Puvis de Chavannes, Hans von Marees și Arnold Böcklin. Artistul elvețian John Segantini a descris viața țărănească în munții elvețieni, subliniind unitatea ființelor umane cu natura.

Peisaje în arta simbolistă ar putea fi mai mult decât un cadru pentru paradis. Ele ar putea lua un caracter simbolic complex, ca în Peisajele ciudate ale lui Böcklin care erau proiecții interne ale artistului. Folosind surse literare tradiționale, artistul a recreat lumea fantastică mitică. Aceste picturi au un puternic sentiment de tragedie și culminează în Insula Morților , care amintește de o scenă de înmormântare a insulei din istoria Greciei antice. Silueta izolată învăluită în alb se îndreaptă cu spatele la privitor în timp ce se deplasează cu o barcă spre stâncile și plopii giganți ai insulei. Pasagerul este reimaginat ca un simbol puternic menit să evoce privitorului sentimentul de dor de nespus și de dorințe ascunse.

Exotismul în simbolism

Interesul european pentru arta și cultura non-occidentală accelerat cu acces mai ușor la ținuturile „Estice”. Pe măsură ce tot mai mulți europeni au călătorit dincolo de rutele educaționale stabilite ale Marelui Tur, experiențele lor în străinătate le-au influențat gusturile de acasă. Alte influențe au venit din controlul masiv imperial european asupra Africii și Asiei. Până la mijlocul secolului, multe forme și motive ornamentale non-occidentale și-au găsit drum în vocabularul artelor vizuale europene. a lui Gustave Moreau Salomeea dansând înaintea lui Irod demonstrează cum Elemente „exotice” au pătruns în arta simbolistă . Dansatorii algerieni contemporani, îmbrăcați în voaluri transparente și bijuterii bogate, au inspirat silueta Salomei. Cele mai obișnuite surse ale sale de imagini exotice au fost revistele periodice contemporane Magazin pitoresc și Turneu mondial . De exemplu, una dintre ilustrațiile lor cu liderii religioși tibetani a fost folosită pentru coroana lui Irod.

Moreau a respins noțiunea de realism istoric și decor și și-a oferit imaginației, hrănită de o mare varietate de imagini, libertatea de a concepe expresii vizuale ale ideilor sale. A exploatat o acumulare de documente pentru a-și crea propriul repertoriu vizual. În modelele japoneze și indiene, el a găsit justificare pentru utilizarea îndrăzneață a unei palete de roșu pur, violete, verzi și albastru intens.

Visele și moartea în simbolism

O altă retragere din realitatea cotidiană este experimentată în somn și vis. Ele nu aduc neapărat un sentiment de eliberare, ci predau psihicul puterilor întunecate ale inconștientului. Francisco Goya și-a dat seama de acest lucru în anii 1790 în a lui Somnul ratiunii produce monstri . Henry Fuseli a pictat o serie de imagini care arată o femeie adormită cu un mic demon cocoțat la sân, tulburându-i somnul cu coșmaruri. Tema se repetă în a lui Ferdinand Hodler Noapte . Ea arată, printre alte figuri, un bărbat înspăimântat, întins gol și care se dă înapoi la vederea figurii umbrite ghemuite peste organele sale genitale.

Moarte ca sfârșitul vieții, ca răscumpărarea sufletului sau dizolvarea lui în neant, a fost o imagine răspândită încă din epoca romantică. Caspar David Friedrich a descris adesea cimitirele ca locuri de pace și refugiu. Giovanni Segantini a continuat tema în lucrări precum tripticul Natura – Viață – Moarte. Simboliștii au descris adesea circumstanțele morții și ale morții. Franz von Stuck, James Ensor și Oscar Zwintscher au înregistrat chiar și momentele după ce un cadavru a devenit livid. Miturile din jurul morții au primit adesea o formă picturală: Ophelia care se îneacă, Orfeu murind după ce a pierdut Euridice și Trei Sorți în procesul de tăiere a firului vieții. Mulți artiști simboliști au asociat chiar imaginea morții cu autoportretele lor, ridicând întrebarea despre sensul și utilizarea vieții lor.