Cât de mult datorează Picasso artei africane?

Maestrul spaniol Pablo Picasso este considerat unul dintre cei mai mari artiști ai secolului XX. Lucrările sale au schimbat cursul istoriei artei pentru totdeauna. Dar cât de mult din modernismul lui Picasso a fost construit pe arta venită din diaspora africană și de ce influența sa incontestabilă asupra operei artistului nu este încă recunoscută pe scară largă? Citiți mai departe pentru a afla mai multe despre relația dintre arta africană și piesele lui Picasso.
Arta africană și Picasso

Pablo Picasso , prin Atlantic
Până la sfârșitul secolului al XIX-lea și ca rezultat direct al imperialismului, mii de obiecte africane au ajuns în Europa. Departe de a fi considerate opere de artă, erau considerate artefacte ale cuceririlor coloniale și nu aveau valoare economică mică sau deloc. Dar la începutul anilor 1900 cuPicassoconducând drumul, estetica artei africane a devenit o sursă de inspirație profundă pentru Scoala din Paris , care căutase moduri noi și radicale de reprezentare. Picasso a văzut în figurația africană o profunzime religioasă și un scop ritual care l-au surprins și l-au mișcat. Utilizarea sa sofisticată a planurilor plate și conturarea îndrăzneață nu semăna cu nimic pe care artistul a mai întâlnit-o înainte.
Dar în timp ce arta africană l-a avut asupra lui Picasso și asupra nașterii Cubism în ansamblu, a fost examinată neobosit, lucrările care au inspirat o întreagă mișcare sunt rareori examinate în sine. În schimb, arta non-occidentală este adesea privită ca instrumentul care a permis artiștilor europeni precum Gauguin , Braque , iar Picasso să aducă la iveală o revoluție picturală, un instrument care a fost rapid neglijat de îndată ce aceasta a fost realizată. Artizanii africani făceau abstractie de figura umană de secole. Deci, cât de mult din ceea ce l-a stabilit pe Picasso ca unul dintre părinții fondatori ai artei moderne a fost împrumutat de la un continent despre care știa foarte puține?
Arta africană în Europa: intriga și dispreț

Galeriile Etnografice , British Museum, 1908. Fotografie de Donald Macbeth, prin The British Museum, Londra
Până de curând, adaptarea lumii artei occidentale a culturii vizuale tradiționale africane era denumită Primitivismul , termen care acum este considerat depășit datorită conotațiilor sale problematice. La începutul secolului al XX-lea, elita europeană credea că Africa și Oceania sunt ținuturi primitive pline de misticism și sălbăticie. În același timp, mulți și-au însușit aceste culturi pentru propriul lor câștig artistic și social, fascinat de o fantezie exotică a non-occidentului . Dar foarte puțini aveau o înțelegere sofisticată a culturilor și în mare parte a artiștilor africani fără nume de la care împrumutau.
Vă place acest articol?
Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul
Mulțumesc!
Palatul Trocadero , sediul Muzeului de Etnografie între 1878 – 1935. Carte poștală, circa 1900, prin Muzeul Civilizațiilor Europene și Mediteraneene
Coloniile franceze au inclus Sudanul francez, Senegal, Coasta de Fildeș, Dahomey și Niger. Obiectele jefuite din aceste teritorii au fost aduse și prost expuse în galeriile notoriu murdare și degradate ale muzeelor precum Muzeul de Etnologie Trocadero, acum Muzeul Omului , la Paris și muzeu britanic în Londra. Măștile ceremoniale, sculpturile și sculpturile totemice care au fost răspândite în întreaga Europă au provenit din mai multe regiuni răspândite pe un întreg continent, dar au ajuns să fie generalizate ca tribal artă. Ele puteau fi găsite la piețele de vechituri și în casele de amanet, dar se știa puțin despre creatorii lor sau despre semnificația din spatele creării lor.
Europa a fost atât fascinată, cât și șocată de obiectele africane , privindu-le spiritualitatea cu un amestec de intriga si dispret. Este important de remarcat faptul că, spre deosebire de arta occidentală, aceste obiecte au fost create mai degrabă având în vedere funcția, decât arta. În timp ce funcția lor varia în funcție de regiune și religie, ei au jucat (și, în multe cazuri, continuă să joace) un rol important în ceremoniile și ritualurile care sărbătoresc religia, statutul social și ritul de trecere.
Întâlnirea artei africane a lui Picasso

Achiziția lui Henri Matisse, o figurină creată de poporul Vili din Congo , al XIX-lea–începutul secolului al XX-lea, prin BBC
În primăvara anului 1907, Henri Matisse era pe cale să-l viziteze pe scriitorul și colecționarul american Gertrude Stein în casa ei din Paris, când s-a oprit în ceea ce se numea „magazin de curiozități” pentru a cumpăra o mică sculptură africană. Picasso, care era și el în vizită la Stein când a sosit Matisse, a fost imediat captivat de sculptura care a fost identificată ulterior ca o figură Vili din ceea ce este acum Republica Democrată Congo. Artistul, despre care se știa că era extrem de superstițios, credea în puterea magică și transformatoare a obiectelor. Conform Max Jacob , poet francez și prieten de viață al lui Picasso, spaniolul a strâns micuța sculptură în mâini toată noaptea , inspirat de trăsăturile sale alungite, formele raționalizate și scopul spiritual.
Întâlnirea a aprins ceva profund în Picasso, de douăzeci și cinci de ani, care ieșise recent din Perioadele albastru și trandafir și căuta cu seriozitate o sursă de inspirație care să-l catapulteze în prim-planul avangardei. La câteva zile după ce a descoperit sculptura Vili, artistul a vizitat Muzeul Trocadero împreună cu un coleg artist și un prieten Andre Derain .
Picasso avea să recunoască mai târziu această vizită ca punct de cotitură în traiectoria sa artistică: Un miros de mucegai și neglijență m-a prins de gât. Eram atât de deprimat încât aș fi ales să plec imediat, a spus Picasso despre Trocadero. Dar m-am forțat să rămân, să examinez aceste măști, toate acele obiecte pe care oamenii le creaseră cu un scop sacru și magic, pentru a servi drept intermediari între ei și forțele necunoscute și ostile care îi înconjurau, încercând astfel să-și depășească temerile, dând le culoare și forma. Și atunci am înțeles ce înseamnă cu adevărat pictura. Nu este un proces estetic, este o formă de magie care stă între noi și universul ostil, un mijloc de a prelua puterea, de a impune o formă atât terorilor, cât și dorințelor noastre. În ziua în care am înțeles asta, mi-am găsit drumul.
Doamnele din Avignon și cubismul

Doamnele din Avignon de Pablo Picasso , 1907, via MoMA, New York
Orice istoric de artă vă va spune că iconicul 1907 al lui Picasso Doamnele din Avignon a fost fundamentală pentru dezvoltarea cubismului. La scurt timp după ce artistul a vizitat Trocadero, a revăzut o compoziție la care lucrase în studioul său din Montmartre. Lucrarea în desfășurare a portretizat lucrători sexuali nud într-un bordel pe care îl frecventa pe Carrer d’Avinyó din Barcelona, Spania. Pictura finală în ulei, care are aproape doi metri și jumătate înălțime și puțin peste doi metri lățime, înfățișează cinci femei cu corpuri fațetate, unghiulare, care par să nu fie aproape conștiente de prezența celeilalte.
Fețele celor două figuri centrale au fost inspirate de interesul lui Picasso pentru înghețat, arhaic busturi sculpturale ale Iberia sa natală , în timp ce femeia din colțul din dreapta sus seamănă cu măștile puternic stilizate ale Tribul Dan din Coasta de Fildeș . Folosite în mod obișnuit pentru protecție și ca modalitate de a comunica cu spiritele, măștile Dan sunt considerate sacre și se pot distinge prin frunțile înalte, bărbia ascuțită și gurile năucitoare. În dreapta jos a tabloului, Picasso pictează o femeie a cărei față este definită de nasul triunghiular și sprâncenele răsturnate. Trăsăturile ei geometrice arată o asemănare izbitoare cu a Mbuya Masca poporului Pende , folosit de obicei pentru a semnifica sfârșitul ritualurilor de circumcizie.

Doamnele din Avignon , 1907, detaliu al feței de femeie din dreapta sus, via MoMA, New York; lângă Mască de față Dan din lemn , al XIX-lea-mijlocul secolului al XX-lea, prin The Metropolitan Museum of Art, New York; lângă Doamnele din Avignon , 1907, detaliu al feței femeii din dreapta jos, via MoMA, New York; și Mască Mbanga , Central Pende, Bandundu, Republica Democratică Congo prin Apollo Magazine
Doamnele din Avignon a însemnat o ruptură radicală de naturalismul care definise arta occidentală încă din Renaștere, deraiând noțiunile despre cum ar fi trebuit să arate arta. Femeile bidimensionale ale lui Picasso au fost văzute ca nefeminine, comportamentul lor de confruntare o îndepărtare completă de reprezentarea tradițională a frumuseții feminine. Lucrarea a fost primită negativ atât de artiști, cât și de critici, iar lucrătorii sexuali amenințători au fost văzute ca promiscue și improprii pentru saloanele din Paris. Picasso a rulat pânza, considerată scandaloasă chiar și în cercul său cel mai apropiat, și a păstrat-o în studioul său pentru anii următori.
În următorii câțiva ani, Picasso a continuat să împrumute din arta africană, producând o serie de desene, acuarele și sculpturi în care a continuat să reducă trăsăturile feței la forme geometrice simple în stilul esteticii occidentale și centrale din Africa. În Cap de femeie (Studiu pentru nud cu draperii ), de exemplu, a conturat puternic fața subiectului și a creat volum folosind hașura încrucișată grea, umbrită în mai multe direcții.
Aceste experimente l-au condus pe Picasso, împreună cu George Braque , la cubism — mișcarea radicală care a subliniat distincția dintre pictură și realitate. Folosirea de către arta africană a formelor simplificate și a perspectivelor fragmentate i-a inspirat pe artiști să renunțe la modelarea realistă a figurilor, respingând noțiunile de lungă durată conform cărora scopul artei era să imite lumea naturală. Cubismul a fost monumental în impactul său și a devenit punctul de plecare pentru multe mișcări abstracte, cum ar fi futurismul, constructivismul și neoplasticismul.
Negarea influențelor africane și a artei lui Picasso

Studiu pentru Cap de Nud cu Draperie de Pablo Picasso, 1907, via Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, lângă Mască Fang Ngil , Gabon, prin Christie’s; lângă Bustul unei femei de Pablo Picasso , 1932, via MoMA, New York; și Lwalwa Mask, Republica Democratică Congo , prin Sotheby’s
In conformitate cu Muzeul de Artă Nasher, Picasso a început să colecteze măști africane, sculpturi și instrumente muzicale la scurt timp după prima sa vizită la Trocadero, adunând peste o sută de lucrări până la moartea sa. O fotografie făcută de fiul său Claude în 1974, la un an după moartea artistului, arată amploarea colecției sale de artă africană. Această colecție a fost ulterior răspândită către diverși membri ai familiei, vândută la licitații și donată muzeelor.
În timp ce istoricii de artă tind să fie de acord că există asemănări izbitoare între opera lui Picasso și arta provenită de pe continentul african, mulți susțin că împrumutul lui de la aceste culturi nu a fost neapărat intenționat. În timp ce Picasso a recunoscut impactul inițial pe care arta africană l-a avut asupra viziunii sale ca artist, el a negat mai târziu că opera sa a fost inspirată de aceasta.
Când a fost vorba de explicarea alegerilor stilistice pe care le-a făcut când a pictat Doamnele din Avignon, de exemplu, Picasso a avut grijă să sublinieze natura iberică, mai degrabă decât cea africană, a lucrării. Deși acest lucru s-a datorat parțial naturii extrem de patriotice a artistului, ridică, de asemenea, întrebarea: și-a însușit Picasso doar cultura vizuală africană pentru propriul său câștig artistic, fără nicio atenție pentru culturile din care se inspira?

Picasso în 1908 în atelierul său în Montmartre, Paris, prin intermediul The Guardian
Potrivit savantului postcolonial Simon Gikandi , Picasso era îndrăgostit de ideea a ceea ce el considera primitiv și tribal, dar există foarte puține dovezi că ar fi arătat interes pentru africani ca oameni și producători de cultură. Deși artistul a fost deschis cu privire la forța spirituală pe care a experimentat-o când a întâlnit pentru prima dată obiecte africane la Trocadero, și-a exprimat și iritația față de influența pe care continentul a avut-o asupra lui.
Gikandi susține că, deși istoria artei recunoaște că Africa a jucat un rol în dezvoltarea modernismului, este la fel de rapid trimisă în spațiul primitivismului, un loc în care nu prezintă niciun pericol pentru puritatea artei moderne.
Contribuția pe care a avut-o Picasso la dezvoltarea cubismului și modernismului este incontestabilă. Dar când examinăm aceste momente critice din istoria artei, este crucial să ne gândim la nenumăratele moduri în care artizanii africani au oferit ingeniozitate și monumentalitate fără precedent lucrării artistului. Folosirea radicală de către Picasso a bidimensionalității, a geometriei feroce și a planurilor plate a fost posibilă doar pentru că sculptorii și sculptorii africani stăpâniseră arta abstracției de secole. În loc să studiem adoptarea africanicității de către Europa ca un simplu alt gest de avangardă în cronologia istoriei artei occidentale, poate că este timpul să lăsăm lucrările de artă care au inspirat o mișcare să ocupe centrul scenei.