Care este diferența dintre fotorealism și hiperrealism?

Atât fotorealismul, cât și hiperrealismul au fost stiluri de artă populare care au apărut din Statele Unite la mijlocul anilor 20.thsecol. În timp ce descrierile celor două stiluri se suprapun uneori, au existat diferențe distincte între ele. Fotorealisti au fost pe primul loc și s-au concentrat în mod special pe reproducerea surselor fotografice în vopsea. Hiperrealiştii de mai târziu au avut o gamă mai largă, lucrând în diverse medii, inclusiv pictură, sculptură şi tipărituri. De asemenea, le-a plăcut să creeze un impact emoțional mai mare. Să aruncăm o privire la unele dintre diferențele definitorii dintre aceste mișcări artistice.

Fotorealismul a fost un răspuns la fotografie

John Salt, Pontiac cu trunchi de copac, 1973, prin Christie’s

Fotorealism a apărut pentru prima dată ca un răspuns la gama copleșitoare de fotografie care se infiltra în societatea contemporană. Artiștii asociați cu stilul reacționau împotriva formelor anterioare de abstractizare expresivă și, în schimb, căutau modalități de a conecta arta înapoi la viața oamenilor obișnuiți. În loc să ne gândim la idei convenționale despre efectele trompe l’oeil și perspectiva, Fotorealisti au vrut să sublinieze obiectivitatea plată a imaginii fotografice și a obiectului pictat, legându-și ideile de Minimalisti din aceeași generație.

Fotorealismul a fost deadpan

Malcolm Morley, SS Amsterdam în fața Rotterdamului, 1966, prin Christie’s

O caracteristică cheie definitorie a Fotorealismului a fost accentul pus pe subiecte normale, banale sau banale, legându-l cuArta pop. Artiștii fotoreali au reprodus fotografii obișnuite cu vopsea într-un mod curat, clinic, aducând viața normală înapoi în sfera galeriei. Acest ton rece și detașat a fost o trăsătură importantă a fotorealismului și o reacție deliberată împotriva spiritualității înalte de mai devreme. Expresioniştii abstracti și Câmp de culoare pictori. Fotorealistii au vrut sa elimine orice urma de emotie din actul picturii, reducand-o la un proces complet clinic, functional si asemanator unei masini. Gândiți-vă la vitrinele magazinelor lui John Salt și la mașinile vechi bătute sau la picturile lui Malcolm Morley cu cărți poștale cu nave de croazieră generice.

Hiperrealismul a dus realitatea la extrem

Jeff Koons, Loopy, 1999, prin Christie’s

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

În timp ce multă artă fotorealistă se referea la crearea de imagini banale, neîntrerupte din viața normală, hiperrealismul a fost mult mai bombastic, umfland reprezentările realității până la extrem. Arta pictorului american Chuck Close a fost o punte între cele două stiluri de fotorealism și hiperrealism. El a luat precizia minusculă și subiectele tipice de zi cu zi ale fotorealismului (în cazul lui chipuri umane) și le-a ridicat impactul cu scari enorme și o atenție impresionantă și concentrată la detalii. În iconicul său Big Auto portret, 1967-68, putem vedea chiar pori și fire individuale de păr.

Câțiva ani mai târziu, artist american Jeff Koons a demonstrat o interpretare contemporană a hiperrealismului cu tabăra lui, grandioasă EasyFun-Ethereal Serie. Acest grup de picturi s-a bazat pe colajele pe computer ale artistului realizate din fragmente de reviste, care au fost redate meticulos în vopsea de către asistenții fideli ai studioului lui Koons. Atât Close, cât și Koons au lucrat cu un sistem grilaj bine aranjat pentru a-și mări imaginile fotografice în vopsea. Cu toate acestea, în timp ce Close și-a făcut el însuși toată arta, Koons a angajat echipe mari de asistenți pentru a depersonaliza și mai mult procesul.

Sculptură inclusă în hiperrealism

Duane Hansen, Femeie care mănâncă, 1971, prin Muzeul de Artă American Smithsonian

O trăsătură definitorie a hiperrealismului care îl diferențiază de fotorealism a fost dezvoltarea sa în trei dimensiuni. Sculptorii cheie care au lucrat în stilul hiperreal au fost artiștii americani Duane Hanson și John De Andrea. Sculptura hiperreală era în general figurativă, iar artiștii făceau interpretări uimitor de realiste ale oamenilor obișnuiți. Ei au reușit să obțină astfel de reprezentări realiste făcând modele pe întregul corp de modele din viața reală și turnându-le cu rășină din fibră de sticlă, polivinil sau bronz, înainte de a fi pictate manual.

Duane Hanson a pus accentul fotorealistilor pe viața obișnuită și normală și l-a aplicat oamenilor din America, surprinzându-i în viața lor în moduri aparent plictisitoare, cum ar fi cumpărăturile, curățarea, mâncarea sau vizitarea obiectivelor turistice. Dar când sunt portretizate într-un mod atât de real, ei capătă o calitate de uimire și uimire – sculpturile sale sunt atât de realiste încât sunt adesea confundate cu oameni adevărați.

Ron Mueck a șocat publicul cu hiperrealismul său

Ron Mueck, O fată, 2006, prin Galeriile Naționale din Scoția

Sculptorul australian Ron Mueck și-a realizat sculpturile umflate, hiperreale, ale trupurilor umane încă din anii 1990. El a șocat publicul din întreaga lume făcând modele uimitor de realisteoameni cu trăsături de caracter exagerate, cum ar fi fețele alungite, corpurile slăbite. Unii dintre oamenii lui sunt mici, în timp ce alții sunt uriași. Bebeluşul său uriaş nou-născut, intitulat O fata, 2006, este un exemplu clasic de hiperrealism în cea mai bună formă. La peste 5 metri lungime, sculptura nu scutește niciun detaliu, arătându-ne momentul exact în care copilul a intrat în lume, cu pielea ridată, pete de sânge și un cordon ombilical proaspăt tăiat. Mărirea unui nou-născut la o asemenea scară evidențiază uimirea terifiantă și miraculoasă din jurul nașterii, chiar dacă se întâmplă în fiecare zi.