Ascensiunea mișcării femeilor: 7 piese de artă feministă pe care ar trebui să le cunoașteți

artă feministă cindy sherman sanja ivekovic

Femei de hârtie de Sanja Iveković, 1976-77 (stânga); cu Untitled Film Still #3 de Cindy Sherman, 1977 (dreapta)



În anii 1970, femeile istorice de artă, cum ar fi Linda Nochlin, au organizat expoziții feministe precum cea din 1976. Femei Artiste 1550-1950 în LACMA. Acest tip de expoziție a arătat lipsa de cunoștințe despre femeile artiști în istoria artei și excluderea acestora din majoritatea colecțiilor muzeale. În acest timp, teoria feministă a artei a început să se dezvolte ca practică. Artiștile feministe au folosit diferite strategii în munca lor pentru a ridica întrebări despre poziția politică, socială și culturală a femeilor în societate. Când ne uităm la arta lui Cindy Sherman, Barbara Kruger sau Judy Chicago, nu există un stil anume, ci o abordare artistică diversă. Iată 7 opere de artă feministe importante pe care ar trebui să le cunoști!





1. Arta feministă a lui Cindy Sherman: 69 Fotografii fără titlu

film fără titlu încă 10 cindy sherman

Fotografie fără titlu #10 de Cindy Sherman , 1978, via MoMA, New York

Cindy Sherman este o celebră artistă americană născută în 1954. Majoritatea lucrărilor ei constă în portrete în care de obicei întruchipează un personaj. Serialul ei larg lăudat numit Fotografii fără titlu constă din fotografii alb-negru realizate la sfârșitul anilor șaptezeci. În această serie, Sherman pozează în personaje fictive din filmele anilor 1950 și ’60. Multe fotografii din serie arată ca fotografii luate din scene de film când ceva neplăcut sau înfricoșător este pe cale să se întâmple.



Pentru a înțelege seria lui Cindy Sherman și arta feministă în general, trebuie să ne uităm Laura Mulvey eseul fundamental al lui despre privirea masculină. În eseul ei din 1975 Plăcerea vizuală și cinema narativ , Mulvey a analizat modul în care camera privește femeile în cinematograful de la Hollywood. Ea a catalogat-o drept ceva numit privirea masculină – o privire care obiectivează femeile. Prin privirea masculină, personajele feminine sunt fetișizate și portretizate ca pasive.

cindy sherman film fără titlu 3

Film fără titlu #3 de Cindy Sherman , 1977, prin MoMA, New York

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Prin urmare, Cindy Sherman interpretează personajele feminine stereotipe pe care Hollywood-ul vrea să le vedem. Artista arată feminitatea de la Hollywood din anii 1950 ca o mascarada. Când își creează arta feministă, Sherman folosește machiaj, peruci, recuzită, ipostaze și expresii faciale pentru a arăta că ceea ce vedem pe ecranul de argint este o construcție. Chiar dacă Sherman se folosește pe ea însăși ca model, fotografiile nu sunt neapărat înțelese ca autoportrete, deoarece artista se pozează ca un personaj imaginat.

2. Fetele Guerilla: Femeile trebuie să fie goale pentru a intra la MET. Muzeu?

Muzeul de fete guerrillere

Femeile trebuie să fie goale pentru a intra la MET. Muzeu? de Guerilla Girls , 1989, via Tate, Londra



Fetele Guerilla se descriu drept artiști activiști feminiști. Grupul este format din mulți membri anonimi. Operele de artă feministe ale Guerilla Girls seamănă cu postere și panouri publicitare prin care comunică mesaje politice importante. Prin aspectul simplu, dar eficient al textelor și sloganurilor, Guerilla Girls își propune să arate modul în care femeile sunt discriminate în lumea artei. Ei nu vorbesc doar despre lipsa femeilor artiste reprezentate, ci și despre lipsa artistelor de culoare reprezentate.

În piesa lor din 1989 Femeile trebuie să fie goale pentru a intra la MET. Muzeu? Guerilla Girls a subliniat diferențele uriașe dintre numărul de femei artiste prezentate în The Met Museum și numărul de nuduri feminine din picturile pe care le puteți vedea acolo. Lucrarea prezintă o versiune modificată a picturii Marea Odaliscă de pictorul neoclasic francez Jean-August-Dominique Ingres . În loc de capul lui Odalisque, vedem o mască de gorilă. Piesa a fost creată inițial pentru New York City Public Art Fund, dar ulterior au respins-o. Așadar, pentru ca lucrarea să fie văzută de un număr mare de oameni, Guerilla Girls a închiriat spații publicitare în autobuzele orașului New York. Lucrările lor de artă feministe ar trebui să crească gradul de conștientizare cu privire la disparitățile de gen existente în diferite industrii creative.



3. Barbara Kruger: Fără titlu ( Este o lume mică, dar nu dacă trebuie să o curățați)

barbara kruger untitled clean small world

Fără titlu ( Este o lume mică, dar nu dacă trebuie să o curățați) de Barbara Kruger , 1990, via MOCA, Los Angeles

Barbara Kruger este o altă artistă care folosește sloganuri în piesele sale de artă feministă. Influențat de cultura de consum și mass-media, Kruger decodifică mesajele pe care le primim constant prin diferite puncte de vânzare. Prin textele ei imagine, Kruger pune întrebări despre cine creează coduri de comportament, opresiune, cultură și identitate.



Unele dintre sloganurile ei sună ca niște comenzi. Aproape evocă sentimentul că cineva puternic ne spune cum ar trebui sau nu ar trebui să ne comportăm. Kruger a spus că ea crede în imagini și cuvinte care au puterea de a ne spune cine suntem și cine nu suntem, cine putem fi și cine nu vom putea fi niciodată.

În arta ei, Kruger indică limbajul și imaginile patriarhale. Piesele ei explicit feministe ca Corpul tău este un câmp de luptă sau Privirea ta se lovește de o parte a feței mele arată femeile preluând drepturi asupra corpului lor.



În piesa ei Este o lume mică, dar nu dacă trebuie să cureți aceasta, Kruger abordează stilul de viață suburban al Americii postbelice. Celebra feministă Betty Friedan a scris despre problemele gospodinelor americane și despre problema care nu are nume în cartea ei Mistica feminină . Femeile care fac majoritatea treburilor casnice sunt încă o problemă, așa că piesa lui Kruger este relevantă atunci când ne uităm la societatea contemporană, nu doar la trecut.

4. Opera de artă feministă seminală a lui Judy Chicago: Cina

cina judy chicago

Cina de Judy Chicago , 1979, prin Muzeul Brooklyn

Judy Chicago instalarea lui Cina este una dintre cele mai cunoscute piese de artă feministă. Această instalație de artă constă dintr-o masă plină cu ceramică, textile și porțelan care comemorează femei celebre de-a lungul istoriei. Așezat ca un triunghi, masa are 39 de farfurii, fiecare dintre ele reprezentând o anumită femeie. Unele dintre femeile așezate la masă sunt Georgia O’Keeffe, Virginia Woolf, Emily Dickinson, Elizabeth I, Theodora și Sappho. De asemenea, plăcile ar trebui să semene cu organele genitale feminine. Alte 999 de nume de femei sunt scrise cu aur pe podeaua de marmură de sub masă.

A fost nevoie de patru ani pentru a crea piesa în toate detaliile sale fine. Instalația a făcut furori când a fost deschisă pentru prima dată la Muzeul de Artă Modernă din San Francisco în 1979 și 100.000 de oameni au venit să o vadă.

Piesa lui Chicago arată, de asemenea, broderii și alte practici de artă care au fost catalogate istoric drept feminine și, prin urmare, de mai puțină valoare decât pictura și sculptura.

Cina este o piesă de artă puternică și masivă care onorează și celebrează femeile, sexualitatea lor și importanța lor istorică. Această instalație de artă este expusă permanent la Muzeul Brooklyn, așa că dacă călătoriți în New York City, nu ratați șansa de a o vedea.

5. Colajul lui Mary Beth Edelson: Câteva artiste americane vii/Last Supper

femei americane vii artiste ultima cina

Câteva artiste americane vii/Last Supper de Mary Beth Edelson , 1972, via MoMA, New York

O altă operă iconică a artei feministe este Mary Beth Edelson ‘s Câteva artiste americane vii/Last Supper . În versiunea ei de a lui Leonardo da Vinci Cina cea de Taină Edelson a schimbat chipurile lui Iisus Hristos și ale apostolilor cu chipuri ale artistelor. În loc de chipul lui Hristos, vedem chipul lui Georgia O’Keeffe . În afară de O’Keeffe, Edelson a inclus și artiști precum Agnes Martin, Helen Frankenthaler, Lee Krasner , Alma Thomas și Yoko Ono . Sub imaginile alb-negru ale fiecărei figuri, Edelson a scris numele persoanei pe care o vedem. Ca Judy Chicago în piesa ei Cina , Edelson este cea care le oferă femeilor locul lor meritat la masă. Există și mai multe fotografii ale femeilor artiste în jurul imaginii principale, fiecare numerotată și respectiv numită.

Edelson a folosit și alte picturi din istoria artei, precum cea a lui Ingre The Baie turceasca și ale lui Rembrandt lucrare celebră Lecția de anatomie a doctorului Nicolaes Tulp pentru intervențiile ei artistice. Punctele de vedere feministe sunt prezente chiar și în titlurile operelor sale de artă. De exemplu, versiunea ei a portretului de grup al lui Rembrandt se numește Moartea Patriarhiei / A.I.R. Lecția de anatomie . Prin însuşirea unor opere de artă celebre precum Ultima cina, Edelson pune la îndoială poziția femeilor atât în ​​istoria artei, cât și în biserică.

6. Videoclipul Marthei Rosler: Semiotica Bucătăriei

semiotica bucătăriei martha rosler

Semiotica bucătăriei de Martha Rosler , 1975, via MoMA, New York

Martha Rosler este un artist american care lucrează în diferite medii artistice, cum ar fi fotomontajul, instalația, video, performanţă , sculptură și arta digitala . Principalele teme ale operei ei sunt războiul și genul.

Piesa ei faimoasă, Semiotica bucătăriei, este o performanță video de 6 minute care satirizează emisiunile de gătit. Piesa analizează modul în care televiziunea reprezintă genul.

În videoclip, Rosler își pune un șorț imitând o gospodină și enumeră diferite ustensile de bucătărie, recitându-le de la A la Z. În timp ce numește obiectele, Rosler se desfășoară pentru camera în mod teatral și agresiv. Artista face o parodie din bucătărie, care este de obicei văzută ca un spațiu feminin din casă. Rosler, prin urmare, folosește parodia ca strategie pentru a deconstrui ideea de spațiu gender. Lucrarea funcționează și ca referință la Iulia Copil , o personalitate de televiziune renumită pentru emisiunea ei de gătit Bucătarul francez . În loc de un Copil vesel și vesel, Rosler se desfășoară la fel de serios și furios.

Rosler abordează, de asemenea, probleme legate de rolurile de gen, spațiile domestice și politica în celebrele ei fotomontaje din serie. Casa frumoasă (aducerea muncii acasă) .

7. Arta feministă iugoslavă în Sanja Iveković Femei de hârtie

femei de hârtie sanja ivekovic

Femei de hârtie de Sanja Iveković , 1976-77, via MACBA, Barcelona

Sanja Iveković este un artist croat născut în 1949. Iveković a făcut parte dintr-un grup de tineri artiști iugoslavi numit Noua practică de artă care a apărut după protestul studentei din 1968. În lucrarea ei, Iveković abordează adesea probleme feministe, diferențe de gen și probleme de reprezentare a femeilor în mass-media.

În seria ei 1976-77 numită Femei de hârtie, Iveković a folosit reclame în reviste care prezintă diferite femei frumoase. În versiunea lui Iveković a reclamelor, femeile sunt prezentate ca fiind rupte, tăiate și zgâriate pe piele. Artistul arată frumusețea ca un concept tulburător în care se află durerea și agresivitatea.

Puteți observa și punctele ei de vedere feministe în lucrări precum Dulce Violență sau Jurnal . În Jurnal imagini cu femei machiate complet sunt afișate pe o parte, în timp ce hârtie de țesut și tampoane de bumbac folosite sunt poziționate în stânga. Obiectele murdare de unică folosință din dreapta arată că standardele de frumusețe sunt ceva care se construiește folosind anumite produse.

La fel ca multe alte artiști feministe, Iveković arată că standardele stereotipe ale frumuseții feminine se pot simți, de asemenea, restrictive și agresive. Pentru Iveković, mass-media este în cele din urmă violentă față de femei și ea recunoaște această durere și violență prin intervențiile ei asupra imaginilor originale ale revistei.