Artă textilă: Top 6 artiști pe care ar trebui să-i cunoști

Acul există de foarte mult timp, dar ideea că cusutul și broderia pot fi considerate artă este destul de nouă. De-a lungul istoriei, arta textilă a fost văzută ca o formă mai mică de artă în comparație cu pictura sau sculptura. Era un hobby potrivit pentru femei, dar nu ceva care aparținea unei galerii. Oricât de apăsătoare, a oferit și un spațiu pentru explorare creativă. Această natură dublă a cusăturii și broderii a inspirat artiștii feminiști din SUA și Marea Britanie să înceapă să-și exprime ideile politice prin arta textilă în anii 1970 și 1980. În zilele noastre, lucrările de material ale unor mari artiști precum Louise Bourgeois pot fi găsite în muzee și galerii de pe tot globul.

1. Arta textilă a lui Louise Bourgeois (1911-2010)

Isteric de Louise Bourgeois , 2001, prin Art Forum

Puține artiste de sex feminin s-au ridicat vreodată la același nivel de celebritate internațională ca Louise Bourgeois . Deși există mai multe motive pentru lipsa artistelor de sex feminin în istoria artei și chiar muzeele și galeriile contemporane, influența burghezului asupra lumii artei mai largi este de netăgăduit. Cu o carieră de șapte decenii și două continente, artista de origine franceză a fost una dintre cele mai prolifice forțe creative ale timpului ei. Cele mai faimoase lucrări ale ei aparțin a ceea ce Rosalind Krauss a numit câmpul extins al sculpturii, dar a fost și o pictoră desăvârșită, tipografie și, cel mai important, pentru noi aici, artistă textilă. Bourgeois este adesea asociat cu Suprarealism , iar ea a expus de mai multe ori cu expresioniști abstracti, dar ea nu a fost niciodată oficial membru al vreunei mișcări și stilul ei artistic a fost foarte unic.

În sculpturile sale la scară largă și arta instalațiilor, Bourgeois a experimentat diverse materiale care nu au fost considerate artistice până în a doua jumătate a secolului XX. Cauciucul, siliconul, lâna și firul apar în întreaga opera lui Bourgeois, care a fost puternic influențată de experiențele ei din copilărie.

Artistul s-a născut în 1911 la Paris, Franța. Părinții ei dețineau un atelier de restaurare a tapiserii antice, așa că Bourgeois a avut experiență de primă mână în lucrul textil, deși ea a mers la început să studieze matematica la Sorbona. Până în 1938, ea și-a terminat studiile în artă și și-a deschis propria galerie la Paris. În același an, și-a întâlnit partenerul de o viață, istoricul de artă Robert Goldwater, și s-a mutat cu el la New York, unde cariera ei artistică va continua să prospere.

Louise Bourgeois de Robert Mapplethorpe , 1982 (tipărit în 1991), prin Tate Museum, Londra

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Cu toate acestea, amintirile lui Louise Bourgeois despre timpul petrecut în atelierul părinților ei și relațiile lor complexe de familie nu au încetat să-i inspire lucrările. Idei care fuseseră dezvoltate datorită descoperirii lui psihanaliză arată în majoritatea lucrărilor ei – noțiunile de subconștient, sexualitatea copilăriei, dorința, tandrețea, durerea, maternitatea și moartea sunt proeminente în opera ei. The imaginea păianjenului , cel mai faimos descris în sculptură publică la scară largă Maman din 1999, a fost explicată de însăși Louise Bourgeois ca fiind o reprezentare a mamei ei: inteligentă, subtilă, deliberată și răbdătoare. Această interacțiune dintre țesut și maternitate este, de asemenea, un aspect important al lucrărilor sale textile.

După ce a fost în contact strâns cu textilele încă de la început, Louise Bourgeois a simțit o legătură emoțională cu țesăturile de diferite tipuri, iar cusutul era o activitate restauratoare, vindecătoare. Ea a adunat diverse resturi de material textil de-a lungul vieții, transformându-le în cele din urmă în profund intime și uneori autobiografică opere de artă. În desenele ei apar materiale textile, ilustrate cusute manual cărți de material textil , și sculpturi figurative. În timp ce piesele ei de artă textilă bidimensională erau în principal abstracte, geometrice și contemplative, ea sculpturi moi erau foarte organice și adesea chiar explicite în relația lor cu corpul, sexualitatea și reproducerea.

Petrecând decenii încercând să-și deconstruiască propria copilărie, viața intimă și subconștientul, Louise Bourgeois a avut un efect profund la o scară mult mai mare – deschizând calea pentru generații de artiști care vor continua să exploreze nu numai diferite tipuri de materiale, ci și diferite tipuri de subiecte în artă. Deși nu era membră a niciunui grup sau mișcare, Louise Bourgeois a fost o figură esențială în arta feministă, arta textilă și sculptura contemporană.

2. Anii Albers (1899-1994)

Tapiserie de Anni Albers , 1948, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Născută Annelise Fleischmann Anni Albers a fost un artist textil și tipografier german-american, unul dintre primii care a perturbat binarul obișnuit dintre artă și meșteșuguri. Fiind o tânără interesată de pictură, Albers a fost descurajată să urmeze arta de Oskar Kokoshka, dar, în ciuda acestui fapt, s-a înscris la Școala Bauhaus în Weimar în 1922. La acea vreme, școala nu era foarte liberală când era vorba de educația artistică a femeilor , iar Albers a fost împiedicată să intre în atelierul pe care și-l dorea împreună cu soțul ei Joseph Albers .

Inițial neinteresată de ceea ce ea credea a fi atelierul prea feminin și simplu de țesut, Albers a înțeles curând întregul potențial al acestei forme de artă tactilă. Arta textilă avea să devină principala ei formă de expresie timp de patru decenii, iar lucrările ei ar ajunge să deschidă calea pentru ca alți artiști textile să câștige recunoaștere și să exploreze în continuare mediul. Expoziția retrospectivă a lui Albers din 1949 la Muzeul de Artă Modernă din New York a fost prima expoziție din acea instituție dedicată exclusiv unui artist textil. Chiar și practica ei de imprimare ulterioară a fost profund influențată de cunoștințele pe care le-a câștigat din țesut, ea litografii abstracte având o asemănare ciudată cu modelele geometrice ale tapisiilor.

Atât lucrările de tapiserie, cât și imprimeurile lui Albers au fost inspirate de Bauhaus și de apropierea ei de artiști precumPaul Kleeși Walter Gropius . Cu un simț delicat pentru textura și calitățile haptice ale materialelor, Anni Albers a încorporat fire naturale și sintetice, metal și plastic în lucrarea sa, creând atât tapiserii la scară mare, cât și la scară mică, cu modele geometrice, contrast ridicat și simetrie adesea echilibrată. Desenele ei au fost atent studiate și schițate în pregătirea lucrării, iar această atenție la detalii și simțul echilibrului poate fi urmărită de la lucrările ei timpurii textile până la explorările ei mature ale litografiei și serigrafiei.

3. Judith Scott (1943-2005)

Fără titlu de Judith Scott , 2002, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

The povestea lui Judith și Joyce Scott este una dintre cele mai captivante povești din lumea artei. Născută cu sindromul Down, sculptoarea acum apreciată la nivel internațional Judith Scott a fost separată de geamăna ei fraternă Joyce la vârsta de șapte ani. Din cauza unei pierderi nediagnosticate a auzului în copilăria timpurie, artista a fost etichetată ca ineducabilă și trimisă departe de familia ei la o instituție privată de îngrijire. Întrucât nu exista o înțelegere mai profundă a dizabilității și a sănătății mintale la acea vreme, Judith Scott a petrecut peste trei decenii separată de sora ei, lipsită de orice stimulare educațională sau estetică. În 1985, însă, sora ei Joyce a devenit tutorele ei legal și a decis să o aducă acasă la ea din California. Doi ani mai târziu, Judith a fost înscrisă la Centrul de artă pentru creșterea creativă în Oakland, unde și-a descoperit în cele din urmă talentul pentru arta fibrelor.

Ața, lâna, pânza și obiectele găsite au devenit un limbaj nou descoperit pentru Judith Scott, iar ea a început curând să creeze sculpturi elaborate de țesături la scară largă. Centrul de Artă și-a recunoscut imediat talentul și i-a oferit spațiul și libertatea de a folosi toate materialele disponibile pentru coloratul ei totemuri asemănătoare coconului și abstracțiuni mari . De parcă ar avea în sfârșit mijloacele pentru a-și exprima gândurile și sentimentele, Judith Scott a lucrat la sculpturile sale cinci zile pe săptămână până la sfârșitul vieții, producând în total aproximativ 200 de piese. Lucrările ei pot fi găsite acum în multe muzee și galerii din întreaga lume, asociate cu mișcări precum arta străină sau Art Brut . Moștenirea lui Judith Scott, totuși, are implicații mai profunde pentru lumea artei în general, punând din nou câteva întrebări esențiale despre cine are acces la artă și la crearea artei.

4. Chiharu Shiota (1972)

Călătorie incertă de Chiharu Shiota , 2019 prin intermediul site-ului web Chiharu Shiota

Chiharu Shiota este un artist japonez contemporan activează în domeniul artei spectacolului și instalației. Ea este cel mai larg recunoscută pentru utilizarea firului roșu și negru instalații imersive . Însemnând conexiuni și relații umane, linii lungi de fir roșu sunt țesute în pânze și împletite cu diverse obiecte precum uși, chei, rochii, cărți sau bărci, creând spații abstracte, dar evocatoare, în sălile de galerie și muzee.

Născută la Osaka, artista japoneză a studiat la Kyoto, Canberra și mai târziu la Berlin, unde a avut șansa să lucreze și să învețe de la artistul de instalații german. Rebecca Horn , precum și pionier al artei performanței Marina Abramović . Shiota a câștigat atât recunoașterea publică, cât și aprecierea criticii pentru lucrările sale deja în anii 2000, dar a ajuns la faimă internațională după ce a expus pentru pavilion japonez la cea de-a 56-a Bienala de la Veneția în 2015.

Pline de simbolism și semnificații poetice subtile, piesele de artă textilă ale lui Chiharu Shiota explorează subiectele memoriei, emoției, intimității, feminității, trecutului și moștenirii. Cel mai mare spectacol solo al lui Shiota vreodată, Sufletul Tremură , organizat de Muzeul de Artă Mori, face în prezent turul lumii. Expoziția prezintă unele dintre cele mai realizate lucrări ale ei, cum ar fi Călătorie incertă , In liniste , Reflecția spațiului și timpului , și Conectarea Amintiri Mici . În timp ce rețelele ei semnate de fire joacă un rol în fiecare instalație, fiecare lucrare tratează diferite calități ale experienței umane, de la corpul feminin până la trecerea timpului.

5. Sheila Hicks (1934)

Stâlpul de anchetă/Coloana suplimentară de Sheila Hicks , 2013-2014, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Sheila Hicks este un artist american cu sediul între Paris, Franța și New York. Ea este cunoscută în special pentru textilele ei sculpturale mari, viu colorate, tapiserii experimentale și abordarea inovatoare a țesăturii și a artei țesăturilor. La fel ca Chiharu Shiota și Louise Bourgeois, cariera artistică a lui Hicks a fost modelată de călătoriile în alte părți ale lumii. Născută în SUA în urma prăbușirii de pe Wall Street, și-a petrecut cea mai mare parte a copilăriei pe drumuri, alături de tatăl ei în căutarea unui loc de muncă. A devenit interesată de țesut ca formă de expresie culturală în timpul anilor petrecuți la Universitatea Yale și, în cele din urmă, a primit o bursă Fulbright pentru a studia tehnicile antice de țesut în Chile. Ea a petrecut mulți ani atât în ​​Chile, cât și în Mexic, învățând de la meșteri tradiționali din textile și ținând ateliere proprii. Pentru Hicks, țesutul și arta textilă reprezintă un limbaj universal care transcende geografiile și granițele.

Culeagând cunoștințe tradiționale din diferite părți ale lumii, Sheila Hicks și-a dezvoltat propriul stil unic, care cuprinde culori îndrăznețe, materii prime și abordări inovatoare. Piesele ei timpurii de artă textilă, cum ar fi Blue Letter (1959) au fost predominant tapiserii bidimensionale cu suprafețe plate de culoare și diferite tehnici de țesut, în timp ce lucrările ei ulterioare au devenit din ce în ce mai sculpturale. Instalația ei colosală Escalada dincolo de ținuturile cromatice expusă în Bienala de la Veneția din 2017 și-a arătat atât experiența de antropolog călător/textil, cât și pictor academic interesat de teoria culorilor. Stâlpul de anchetă (2013-2014) a depășit, de asemenea, granițele dintre artă textilă, sculptură și instalație imersivă , prin juxtapunerea firelor moi, libere, cu elementele arhitecturale ale clădirii muzeului. Inspirate de practicile indigene, lucrările ei sunt acum prezente în colecțiile marilor muzee din SUA până în Europa și Asia.

6. Arta textilă a lui El Anatsui (1944)

Fără titlu de El Anatsu i, 2017, prin intermediul site-ului El Anatsui

El Anatsui este un sculptor și gravor din Ghana cu sediul în Nigeria, cel mai frecvent asociat cu artiștii din Grupul Nsukka . Deși nu lucrează direct cu aceleași tipuri de materiale ca și alți artiști textile, El Anatsui încorporează cusutul în practica sa. Lucrările care au adus acest artist african în atenția publicului internațional sunt proiectele sale de artă textilă la scară largă, cum ar fi tapiserii/tapete fabricat din capace de sticle de aluminiu și particule de metal similare legate între ele prin sârmă de cupru.

În practica sa, El Anatsui combină interesul pentru cunoștințele și meșteșugurile tradiționale africane, cum ar fi țesutul și sculptura în lemn, cu tradițiile occidentale de sculptură abstractă și imprimare. Instalațiile sale cu vârf de sticle au fost expuse în întreaga lume occidentală în instituții precum Muzeul Metropolitan de Artă, Muzeul Brooklyn și Bienala de la Veneția, schimbând unele dintre concepțiile greșite despre arta și artiștii africani. Materialele găsite și reciclate au fost prezente în lucrările sale încă din anii 1990, în încercarea de a sublinia inegalitățile culturale, economice și de mediu ale societății contemporane și traiectoria ei consumeristă. Ele sunt, de asemenea, legate de istoria Africii, expansiunea colonială europeană și consecințele acesteia, de la comerțul cu sclavi până la apariția romului în Africa. În ciuda naturii robuste a materialelor, practica de a coase fiecare element împreună creează tapiserii flexibile, colorate și dinamice care pot fi expuse în diferite circumstanțe și iterații. Lucrări precum Bleeding Takari II și Ink Splash (2007) au același aspect vizual de țesătură ondulată ca și cum ar fi fost făcute din fir sau lână.