8 opere de artă celebre din Mișcarea tinerilor artiști britanici (YBA)
Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva care trăiește de Damien Hirst, 1991 (stânga); cu Păstrează „frumusețea” de Anya Gallaccio, 1991 – 2003 (centru); și Sfânta Fecioară Maria de Chris Ofili, 1996 (dreapta)
Tinerii artiști britanici (YBA) sunt un grup de tineri artiști care au apărut în anii 1980. Damien Hirst , Tracey Emin ,și Garry Hume sunt doar trei dintre numele care au devenit celebre în cursul mișcării. Nu a existat niciodată un manifest sau o asociație oficială a Tinerilor Artiști Britanici. Mai degrabă, circumstanțele externe și un consens artistic au unit grupul. Mulți dintre tinerii artiști britanici au studiat la Colegiul Goldsmith din Londra și și-au expus lucrările în Galeria Saatchi din colecționar de artă Charles Saatchi . Așa-numita expoziție Freeze, curatoriată de studentul de artă în vârstă de 22 de ani, Damien Hirst, este, din perspectiva actuală, adesea citată ca nașterea grupului.
Mișcarea tinerilor artiști britanici (YBAM): Scopul provocarii
Consensul artistic al Mișcării Tinerilor Artisti Britanici a fost o voință comună de a provoca. Cu cadavre de animale, pornografie și opere de artă realizate din obiecte de zi cu zi și materiale găsite, artiștii s-au poziționat politic – atât în cadrul unei societăți conservatoare, cât și în lumea artei din anii 1980 și 1990. Un alt aspect important al formării YBAM este abordarea sa antreprenorială de a-și prezenta și comercializa munca. Faptul că în spatele lucrărilor postmoderne a existat mai mult decât o provocare pură a fost dovedit nu în ultimul rând de nominalizări și de acordarea renumitului Premiu Turner mai multor YBA.
Vă prezentăm aici 8 opere de artă celebre ale Tinerilor Artiști Britanici.
1. Damien Hirst, Imposibilitățile fizice ale morții în mintea cuiva care trăiește (1991)
Imposibilitățile fizice ale morții în mintea cuiva care trăiește de Damien Hirst , 1991, prin The Independent
a lui Damien Hirst Imposibilitățile fizice ale morții în mintea cuiva care trăiește (1991) cunoscut și sub numele de Rechinul este probabil cea mai faimoasă operă de artă a grupului YBA. Când tânărul artist a creat lucrarea în 1991, a șocat mulți spectatori. Opera de artă arată un rechin tigru în formaldehidă. Lucrarea prezintă moartea într-un mod neconvențional și explicit. Așa cum deja sugerează și titlul, Damien Hirst trimite privitorul și la propria sa moarte, sau mai degrabă la imposibilitatea de a-și imagina propria moarte – chiar și cu un animal mort în fața lui.
Vă place acest articol?
Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul
Mulțumesc!Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva care trăiește de Damien Hirst , 1991, prin Fineartmultiple
În acest sens, rechinul tigru, în ciuda cunoștințelor despre el, nu pare neapărat mort, dar într-un fel și viu. După ce rechinul a început să se descompună după mai bine de un deceniu, animalul a trebuit să fie înlocuit în 2006. Odată cu schimbul animalului și prin schimbarea operei de artă, artistul a provocat întrebări cu privire la originalitatea unei opere de artă.
2. Tracey Emin, Patul meu (1998)
Patul meu de Tracey Emin , 1998, prin Christie’s
Patul meu (1998) este o lucrare a artistei Tracey Emin care a generat multe controverse. Cu piesa, care a fost expusă la Tate Gallery în 1999, Tracey Emin și-a adus propriul pat în starea sa inițială într-un spațiu de galerie. Asta după ce, conform propriei declarații, petrecuse patru zile în acest pat în timpul fazei depresive a unei despărțiri și nu consumase decât alcool. Sticle goale de alcool, prezervative folosite și lenjerie murdară au fost adunate în jurul patului. Patul meu este o lucrare tipic provocatoare și personală a artistului. Când lucrarea a fost nominalizată la Turner Prize în 1999, a produs o dezbatere controversată în presa britanică.
Provocarea lucrării a culminat cu o acțiune a artiștilor de performanță japonezi Cai Yuan și Jian Jun Xi , care s-a angajat într-o luptă de perne în patul lui Emin în timpul expoziției. Munca Patul meu nu numai că a dat peste cap noțiunea convențională de operă de artă prin utilizarea materialelor de zi cu zi. De asemenea, a contestat noțiunea clasică de comportament „adecvat” a unei tinere femei în anii 1990 într-o manieră postmodernă.
3. Tracey Emin, Toți cei cu care m-am culcat vreodată 1963 – 1995 (o mie noua sute nouazeci si cinci)
Toți cei cu care m-am culcat vreodată 1963 – 1995 de Tracey Emin , 1995, prin Widewalls
Toți cei cu care m-am culcat vreodată 1963 – 1995 (1995) este o altă lucrare a artistei Tracey Emin. Lucrarea a constat într-un cort în care artista a publicat toate numele persoanelor cu care s-a culcat vreodată până în 1995, în sens sexual și, de asemenea, non-sexual. Un total de 102 nume au fost găsite în cort.
Artista și-a explicat munca în felul următor: Unele cu care m-am bătut în pat sau lângă un perete, altele cu care tocmai mă culcasem, ca bunica mea. Obișnuiam să mă întins în patul ei și să o ținem de mână. Obișnuiam să ascultăm radioul împreună și să ne adormim. Nu faci asta cu cineva pe care nu-l iubești și la care nu-ți pasă. Celebrul dealer de artă și galeristă Charles Saatchi a cumpărat lucrarea pe atunci. Când depozitul lui Saatchi a ars în 2004, opera de artă a fost distrusă împreună cu altele.
4. Michael Landy, Piaţă (1990)
Piaţă de Michael Landy , 1990, prin Thomas Dane Gallery, Londra
Instalația Market (1990) de artist Michael Landy , unul dintre tinerii artiști britanici, este o lucrare critică din punct de vedere social. Pentru opera de artă, Michael Landy a aranjat părți din tarabe tipice din piața londoneze cu iarbă artificială într-un spațiu expozițional. Cu instalația sa, artistul s-a referit la dispariția piețelor alimentare tipice londoneze și la o tradiție de vânzare și cumpărare individuală a produselor alimentare. Spațiul expozițional în care instalare a fost expusă inițial ilustrează încă o dată această referință tematică: Landy și-a expus opera Piaţă 1990 într-o veche fabrică de prăjituri. Deși și în acest caz expoziția de materiale cotidiene ca artă poate fi văzută ca critică de formă, această instalație a fost mult mai înțeleasă din partea publicului decât, de exemplu, lucrările de artă feministe ale artistei Tracey Emin.
5. Anya Gallaccio, Păstrează „frumusețea” (1991 – 2003)
Păstrează „frumusețea” de Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, Londra
Munca Conserva (frumusețe) de către artist Anya Gallaccio poartă, de asemenea, o abordare feministă și critic-emancipatoare. Sute de flori roșii frumoase țesute într-un covor de flori – așa a apărut instalația Anyei Gallaccio pentru prima ei expoziție la Galeria Karsten Schubert în anii 1990. Expunând obiectul său de instalare, artista a expus florile la decădere, făcând astfel aluzie explicită la tema vanitas din istoria artei. De-a lungul timpului, degradarea florilor a devenit atât vizibilă pentru vizitatorii galeriei, cât și perceptibilă pentru ei printr-un miros de mucegai. Lucrarea descrie o decădere temporală în timp real, așa cum Picturi renascentiste pe subiect nu putea decât să sugereze. Cu Conserva (frumusețe) , artista se referă și la decăderea umană și îi face pe spectatorii operei ei de artă să se gândească la propriul lor proces de decădere.
6. Angus Fairhurst, Pietà (prima versiune) (o mie nouă sute nouăzeci și șase)
Pietà (prima versiune) de Angus Fairhurst , 1996, via Tate, Londra
Chiar dacă tinerii artiști britanici au sunat în mod regulat limitele artei existente anterior cu arta lor, operele lor de artă nu au fost complet desprinse de arta tradițională. de la Anya Gallacio Conserva (frumusețe) a demonstrat deja acest lucru și a lui Angus Fairhurst Compasiune (1996) arată și acest lucru.
Pietatea este cunoscută ca un motiv religios clasic în istoria artei, care a fost folosit în lucrări de o mare varietate de artiști de-a lungul secolelor. Cu fotografia sa cu autodeclanșare, artistul Angus Fairhurst se joacă și el cu acest motiv. Gol ca Isus, însă, el nu stă întins în brațele sfintei mame, ci în poala unei gorile deghizate. În acest ansamblu, cablul vizibil al autodeclanșatorului acționează ca un semn tehnic de vivacitate, în timp ce ochii închiși ai artistului ar trebui să transmită lipsa de viață. Gorila este un motiv recurent în lucrările lui Fairhurst.
7. Jenny Saville, Plan (1993)
Plan de Jenny Saville , 1993, prin Art Market Monitor
Pictura Plan (1993) de artist Jenny Saville se mișcă într-un câmp de tensiune între tehnica clasică și imaginile moderne ale corpului. În pictura ei, Saville privește de sus la privitor și, aplicând linii topografice, își transformă corpul într-o hartă pe care privitorul o poate explora uitându-se la tablou. Ceea ce vede privitorul nu este în niciun caz lustruit și perfect așa cum mulți oameni sunt obișnuiți să vadă în pictură. În schimb, corpul din imagine prezintă forme moi și adâncituri. Colecționarul de artă Charles Saatchi a luat cunoștință de pictoriță în anii 1990, i-a cumpărat toate tablourile care au fost prezentate într-o expoziție la Edinburgh și apoi a luat-o cu un contract de 18 luni pentru a-i oferi posibilitatea de a picta noi tablouri.
8. Chris Ofili, Sfânta Fecioară Maria (o mie nouă sute nouăzeci și șase)
Sfânta Fecioară Maria de Chris Ofili , 1996, prin MoMA, New York
Chris Ofili munca lui Sfânta Fecioară Maria (1996) a fost una dintre cele mai controversate din așa-numita expoziție Sensations a Young British Artists din 1997. Este o reprezentare a Sfintei Fecioare Maria, o lucrare multimedia realizată din materiale destul de profane: sclipici, imagini din pop cultură și un sân format din bălegar de elefant. Vă puteți imagina: acesta din urmă a fost considerat ireverențios de mulți telespectatori și critici. Artistul Chris Ofili, pe de altă parte, a apărat integrarea acestui material în pictura sa spunând că bălegarul de elefant din Zimbabwe, unde Ofili a petrecut o vizită de studiu, reprezintă fertilitatea.
Rezumatul mișcării tinerilor artiști britanici
Păstrează „frumusețea” de Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, Londra
Neconvențional și provocator, dar și explicit politic – așa poate fi rezumată pe scurt munca Young British Artists (YBA). Această selecție de opt artiști arată clar că toți participanții la această mișcare artistică postmodernă au avut abordarea lor unică, și totuși există un consens între ei.