5 opere de artă surprinzător de faimoase și unice din toate timpurile

Patul meu de Tracey Emin, 1998; cu Lobster Telephone de Salvador Dalí, 1938

De-a lungul istoriei, lumea artei a cunoscut numeroase schimbări atât în ​​mișcările artistice generale, cât și chiar în definiția însăși a artei. Artiști din întreaga lume au contestat noțiunile preconcepute despre ceea ce poate fi arta; obiecte de uz casnic, unelte și chiar animale moarte printre expozițiile recente. De la Salvador Dali la Marcel Duchamp, iată 5 lucrări de artă unice care au spart modelul pentru ceea ce poate fi arta.

Iată Top 5 opere de artă unice din toate timpurile

1. „Waste Not” a lui Song Dong (2005)

Expoziție Waste Not de Song Dong , 2009, prin MoMA, New York

Peste zece mii de obiecte umplu camera. The instalație de artă conține tot ce te-ai aștepta să găsești într-o casă obișnuită: pantofi, oale și tigăi, rame de pat, scaune, umbrele și televizoare, pentru a numi câteva. Asta pentru că această operă de artă unică are, literalmente, toate bunurile din casa unei persoane obișnuite. Și cine era persoana respectivă? Mama artistului. Creat de un artist conceptual chinez, „Waste Not” este o colecție de bunuri pe care mama sa le-a dobândit de-a lungul a cinci decenii. Unele dintre articole ar putea fi chiar descrise ca gunoi, pungi de plastic, bucăți de săpun, sticle de apă goale și tuburi de pastă de dinți toate incluse, în timp ce altele sunt obiecte profund personale și sentimentale, cum ar fi cadrul casei artistul s-a născut în.

Creată în 2005, această operă de artă unică a fost o colaborare între artistul, Song Dong, și mama lui, Zhao Xiangyuan, menită să facă față durerii cu care s-au confruntat după moartea tatălui lui Dong. După moartea soțului ei, tendința lui Zhao de a salva obiecte în numele frugalității a devenit rapid o obsesie a acumularii. Casa ei era plină până la refuz cu aceste obiecte, dintre care majoritatea nu erau deloc utile.

Detalii despre Waste Not de Song Dong , 2005, prin Public Delivery

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Când fiul ei i-a pus la îndoială acțiunile, ea a răspuns , Dacă umplu camera, lucrurile îmi amintesc de tatăl tău. Articolele sunt sortate, obiectele similare grupate împreună și stivuite meticulos în grămezi. Instalația este uluitoare, colecția masivă pe cât de frumoasă, pe atât de mare. Uimirea vizuală a piesei este depășită doar de cunoașterea că fiecare articol a fost achiziționat și salvat de Zhao.

Una dintre cele mai personale părți ale colecției a fost săpunul de rufe dăruit de Zhao fiului ei ca cadou de nuntă. Când Song Dong i-a spus mamei sale că nu are nevoie de săpun pentru că folosește o mașină de spălat, ea a decis să-i salveze în numele lui , un gest care i-a arătat lui Dong că pentru ea era mult mai mult decât săpun. Fiecare obiect poartă cu el o gamă complexă de emoții și semnificații, toate legate de o singură persoană.

Zhao a murit în 2009, la patru ani după finalizarea lucrării de artă. Chiar și după moartea ei, piesa ține cu ea durerea, durerea, grija și dragostea ei. În prezent este expusă în New York City la Muzeul de Artă Modernă.

2. „Lobster Telephone” al lui Salvador Dali și Edward James (1938)

Lobster Telephone de Salvador Dalí, 1938, via Tate, Londra

„Telefonul Homarului” este exact așa cum sună: un telefon rotativ negru cu un homar drept receptor. Creată în 1938, această opera de artă unică a fost realizată în întregime din oțel, ipsos, cauciuc, hârtie și rășină; o expoziție clasică a lui Salvador Dalí suprarealism . Opera de artă unică a fost realizată pentru Edward James, un colecționar de artă și poet englez. Telefonul era complet functionala , coada făcută pentru a se potrivi perfect peste receptor.

Homarii și telefoanele nu erau motive neobișnuite a lui Salvador Dali muncă. Un telefon apare într-un tablou pe care l-a creat în același an, intitulat „Lacul de munte”, iar homarii au fost folosiți într-o piesă multimedia numită „Visul lui Venus”. Cei doi au fost fotografiați împreună într-un desen Salvador Dalí publicat în revista „American Weekly” în 1935. Desenul arăta un bărbat îngrozit să se trezească cu un homar în mână după ce a întins mâna după telefon, idee care părea să fi rămas în Salvador. Mintea lui Dalí ani de zile după aceea.

Au fost create multe versiuni ale obiectului, unele prezentând homari vopsiți în alb iar alţii homari vopsiţi în roşu. În unele expoziții ale conceptului de la sfârșitul anilor 1930, a fost folosit un homar viu. Salvador Dalí părea asociază homarii cu erotismul , modelându-le peste organele genitale feminine în „Visul lui Venus” și intitulând afișarea luiexpoziția de homar viu „Telefon afrodisiac”. Opera de artă unică este acum expusă la Scottish National Gallery of Modern Art din Edinburgh.

3. „Patul meu” al lui Tracey Emin (1998)

Patul meu de Tracey Emin , 1998, via Tate, Londra

Un pat dezordonat cu cearșafuri aglomerate la capăt. Farfurii de hârtie, șervețele, haine murdare, pachete de țigări și sticle de vodcă lângă ele. Pentru unii, aceasta poate fi o scenă prea familiară, dar în 1998, un artist a afișat-o ca o operă de artă unică. Tracey Emin este o artistă britanică născută în 1963, cunoscută pentru munca ei profund personală, aproape confesională, folosind diverse medii pentru a-și împărtăși mesajul.

Artista a conceput ideea acestei opere de artă unică în timp ce stătea în patul ei în urma unei despărțiri proaste , realizând ce imagine agonizantă doar ceva la fel de elementar precum patul ei pictat din viața ei. În timp ce unii critici și iubitori de artă au lăudat-o pe Emin pentru vulnerabilitatea ei, ea a primit o mare reacție pentru „Patul meu”, unii susținând că a fost absorbit de sine, dezgustător sau chiar că nu a fost o adevărată artă. În ciuda criticilor dure, câțiva au vestit-o pe Emin și munca ei drept feministe îndrăznețe, susținând că piesa strălucește adevărul dureros păstrat în dormitoarele a milioane de femei din întreaga lume.

Emin ce diagnosticat cu cancer în primăvara anului 2020 și a suferit numeroase intervenții chirurgicale și tratamente în timpul verii. Chiar și în timp ce se luptă cu boala ei, Emin rămâne brutal de sinceră prin arta ei, după ce a discutat subiecte precum traume, viol și avort de-a lungul carierei și susține că cea mai bună lucrare a ei este încă pe drum.

4. „În avans cu brațul rupt” de Marcel Duchamp (1964)

În preajma brațului rupt de Marcel Duchamp, 1964 (a patra versiune), prin MoMA, New York

O lopată de zăpadă, compusă doar din lemn și fier, atârnând de tavan. Da, așa e. Marcel Duchamp a creat „In Advance of The Broken Arm” într-o serie de lucrări de artă unice de obiecte banale și practice. Cu o serie de lucrări ale sale, Duchamp a contestat ideea că artiștii trebuie să aibă o abilitate incredibilă sau că operele de artă trebuie chiar create direct de artist. a subliniat Marcel Duchamp intentia în spatele artei, actul de a pune în lumina reflectoarelor un articol, de a-l desemna ca artă și de a-l afișa pentru ca toți să-l vadă. Această atitudine se reflectă în multe opere de artă populare și unice ale vremii, cum ar fi cea a lui Andy Warhol „Cutii de supă Campbell’s” , o serie celebră de 32 de tablouri înfățișând supa de zi cu zi etichete pot. Piese ca a lui Warhol nu dați publicului de ales decât să se întrebe despre funcționarea interioară a minții artistului, iar lopata de zăpadă a lui Duchamp nu este diferită.

Vedere de instalare a Readymade la Paris și New York , 2019, prin MoMA, New York

Marcel Duchamp a luptat, de asemenea, împotriva ideii că frumusețea este o caracteristică necesară a artei, subminând multe idei comune despre însăși definiția artei. Un obiect obișnuit, a explicat Duchamp, ar putea fi ridicat la demnitatea unei opere de artă prin simpla alegere a artistului. În prima versiune a piesei creată în 1915, Marcel Duchamp a inclus sintagma From Duchamp la sfârșitul titlului, sugerând că opera de artă nu este realizată. de el, ci un concept care a venit din l.

Titlul piesei de artă unice se referă în mod comic la utilizarea lopată de zăpadă, ceea ce sugerează că, fără unealtă, cineva s-ar putea cădea și s-ar putea rupe brațul în timp ce încercați să îndepărtați zăpada. Opere de artă unice precum cea a lui Marcel Duchamp au avut un impact incontestabil asupra evoluției artei și asupra numeroaselor sale mișcări. Inspirațiile de la Marcel Duchamp și de la artiști similari lui pot fi văzute și în arta creată astăzi, la peste cincizeci de ani de la crearea filmului „În avansul brațului rupt. În prezent, piesa face parte din colecția Muzeului de Artă Modernă.

5. „Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva care trăiește” a lui Damien Hirst (1991)

Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva care trăiește de Damien Hirst , 1991, prin intermediul site-ului oficial al lui Damien Hirst

Folosind doar sticlă, oțel, formaldehidă, silicon și puțin monofilament, artist englez Damien Hirst a păstrat un rechin tigru mort într-o cutie albă și l-a expus ca artă. Animalul este suspendat într-o soluție de formaldehidă albăstruie, încadrată de oțel alb, cu coloane pe fiecare parte care împart cutia în treimi. Rechinul de treisprezece picioare se uită drept înainte, cu dinții descoperiți, gata să atace. Având o înălțime de peste șapte picioare, rezervorul cântărește în total douăzeci și trei de tone.

Afișat inițial în prima galerie Saatchi Gallery Tânăr artist britanic ’ din Londra, sculptura a atras o mare atenție din partea presei și a depășit granițele artei contemporane. Hirst a vrut mai mult decât imagini cu rechini, Nu am vrut doar o cutie luminoasă sau o pictură cu un rechin, a lămurit el, exprimând că își dorea ceva suficient de real încât să te sperie. Introducând privitorul într-o priveliște atât de alarmantă în mijlocul plimbării lor pașnice prin galerie, Hirst și-a forțat publicul să înfrunte inevitabilul. Încerci să eviți moartea, dar este un lucru atât de mare încât nu poți. Acesta este lucrul înspăimântător, nu-i așa? a spus artistul. Moartea este o temă comună în opera lui Hirst, inclusiv o serie de animale moarte oaie și vaci afisat in alte piese ale lui.

Imposibilitatea fizică a morții în mintea cuiva care trăiește de Damien Hirst , 1991, prin intermediul site-ului oficial al lui Damien Hirst

Chiar și cu un rechin direct în fața privitorului, fălcile sale poziționate perfect pentru a se pregăti pentru a mușca, înțelegând pe deplin moartea și permanența ei rămâne o provocare. Realitatea unui animal care amenință viața oamenilor, un animal care el însuși este mort, știind că rechinul a fost cândva în viață și că rămâne aproape perfect conservat, ne obligă să ne confruntăm cu propria mortalitate. Cu toate acestea, dacă piesa nu reușește să îndeplinească cu succes această sarcină sau nu, este dezbătut.

T el a scris New York Times în 2007 că dl. Hirst își propune adesea să prăjească mintea (și ratează mai mult decât lovește), dar o face prin crearea unor experiențe directe, adesea viscerale, dintre care rechinul rămâne cel mai remarcabil. În concordanță cu titlul piesei, rechinul este în același timp viața și moartea întruchipate într-un mod pe care nu îl înțelegi până când nu îl vezi, suspendat și tăcut, în rezervorul său.

Moștenirea operelor de artă unice

Patul meu de Tracey Emin, 1998, prin Tate, Londra

Opere de artă neobișnuite și ieșite din cutie, precum Tracey Emin și Song Dong, au avut un impact semnificativ asupra lumii artei. Contestând ideea a ceea ce este arta, acești artiști au deschis noi posibilități pentru artiștii de pretutindeni. În timp ce unii s-ar putea bate în joc artă contemporană , demonstrațiile impresionante de talent prezentate în muzee nu sunt tot ceea ce cuprinde termenul umbrelă de „artă”. Cei care critică arta contemporană afirmă adesea că piesele nu ar trebui expuse în muzee dacă o persoană cu o abilitate artistică medie ar putea replica piesa, dar această idee lasă încă întrebarea de ce pe masă.

Arta netradițională nu permite publicului să plece fără a lua în considerare mai întâi intențiile artistului din spatele fiecărei opere de artă. Mai mult decât orice, operele de artă unice aruncă în lumina reflectoarelor scopul pe care fiecare artist l-a avut în vedere, o mărturisire intimă a artistului către privitor care se extinde cu mult dincolo de materialele fizice folosite pentru a crea piesa.