5 concluzii cheie din celebrul eseu despre stil al lui Susan Sontag

eseul lui Susan Sontag din 1965 Pe stil și-a conturat filozofia funcției stilului în artă și literatură. La mijlocul secolului al XX-lea, critica era dominată de cadre externe, cum ar fi analiza freudiană sau critica marxistă. Aceste mișcări au avut tendința de a gândi stilul ca fiind separat de sensul operei de artă. Eseul lui Sontag a respins acea metodă de critică și a devenit o lucrare de bază într-o mișcare numită post-critică, care evaluează operele de artă pe baza meritelor lor interne.

Cine a fost Susan Sontag?

Susan Sontag s-a născut Susan Rosenblatt la 16 ianuarie 1933. Copilăria ei izolată, livrescă a stârnit o curiozitate nesățioasă care a condus-o mai întâi la Universitatea din California, Berkeley, și apoi la Universitatea din Chicago, unde a studiat filozofia, literatura și politica. În 1950, pe când era încă student, Sontag a cunoscut și s-a căsătorit rapid (după doar zece zile) cu un profesor de sociologie pe nume Philip Rieff. Deja din zilele ei de licență, Sontag a privit în afara academiei către lumea literară înfloritoare. Ea s-a lansat în critici în ultimul an al diplomei de licență, când Revista Chicago și-a publicat recenzia despre romanul lui H. J. Kaplan Plenipotențiarii .

Deși va continua să obțină un master în literatură și filosofie engleză la Universitatea Harvard, creșterea fiului ei David, care s-a născut în 1952, a făcut dificilă dedicarea ei în totalitate activităților ei intelectuale. Căsnicia ei a fost, de asemenea, pe stânci și, deși Sontag și-a petrecut o mare parte din timp contribuind la cercetarea viitoarei cărți a soțului ei. Freud: Mintea moralistului , și ea căuta o ieșire.

În 1957, oportunitatea a sosit în sfârșit: Sontag a primit Asociația Americană a Universității Femeilor Fellowship de a studia în străinătate la St. Anne’s College de la Universitatea Oxford. Punându-și soțul la conducerea fiului lor mic, Sontag a pornit singură. Timpul plecat i-a oferit Sontag spațiu pentru a-și urmări propriile interese intelectuale și, după finalizarea divorțului, și libertatea ei personală. Din Anglia a călătorit la Paris, studiind la Sorbona timp de doi ani. Când sa întors în sfârșit la New York, în 1959, a găsit un oraș plin de energie creativă și, printre expresioniștii abstracti și poeții beatniki din Greenwich Village, a început să scrie. Mai jos sunt cinci concluzii cheie din eseul ei din 1965 Pe stil care conturează o nouă filozofie.

1. Fiecare opera de artă are un stil

Potrivit Sontag, atât criticii, cât și artiștii înțeleg greșit relația dintre stil și conținut, tratându-i adesea ca entități separate. Sontag a trasat ideea artiștilor care credeau că stilul era extern operelor lor de artă încă din Renaștere. Cu toate acestea, acest lucru continuă până în zilele noastre.

Sontag a articulat acest lucru cu lucrările autorului american Walt Whitman. Walt Whitman a pretins că înlătură stilul din scrisul său. În ediția din 1855 a celei mai faimoase lucrări ale sale Frunze de iarbă , Whitman a scris că marii poeți nu permit eleganță sau efect pentru a fi între ei la adevăr. Această metaforă, care compară stilul cu perdele care atârnă între cititor și adevăr, este o greșeală comună atât a artiștilor, cât și a criticilor. Pentru ca o operă de artă să fie autentică, credem noi, trebuie să fie fără niciun fel de artificii, iar stilul este văzut ca fiind artificial.

Sontag a descris ideea că o operă de artă poate fi fără stil ca una dintre cele mai tenace fantezii ale culturii moderne . Stilul sunt alegerile formale pe care un artist le face atunci când își redă opera și, din moment ce toți artiștii fac alegeri, toți artiștii au stil.

Whitman nu a reușit să aibă o formă de artă fără stil, poezia sa va fi considerată mai târziu un precursor al Mișcarea confesională , de exemplu. Acest lucru nu se datorează faptului că Whitman a eșuat în misiunea sa, ci pentru că misiunea sa a fost imposibil de îndeplinit de la început, deoarece nu există o operă de artă care să nu aibă un stil.

2. Stilizarea are loc atunci când stilul operei de artă este artificial

S-ar putea să vă întrebați, sunt unele opere de artă mai dependente de stil decât altele? Da. Sontag a descris fenomenele de stilizare ceea ce se întâmplă atunci când un artist se concentrează în mod intenționat pe producerea unui nou stil. Ea a identificat două momente în care acest lucru s-a întâmplat istoric: manierismul și Art Nouveau.

Manierism a fost o mișcare de artă de la sfârșitul secolului al XVI-lea și începutul secolului al XVII-lea al cărei nume provine din italianul. manieră , sens stil . Pentru ca ceva să fie făcut într-un stil manierist, sau la propriu stil elegant , a însemnat că a cultivat o estetică intenționat elegantă, artificială. Prin corpuri alungite și culori vibrante, artiști precum Giorgio Vasari și Paolo Veronese s-au îndepărtat intenționat de naturalismul întemeiat al înaltei Renașteri.

În mod similar, mișcarea Art Nouveau a fost format din artiști, arhitecți și designeri care au cultivat o anumită estetică. Indiferent de funcția practică a unui obiect, acesta ar fi decorat cu vârtejuri, flori și alte forme naturale. Artiști precum Charles Rennie Mackintosh și Victor Horta a creat modele care au fost stilizat din cauza studiului intens pe care l-au pus în cultivarea acestei estetici. Sontag a scris că, atunci când alți critici au întâlnit stilurile exagerate ale acestor mișcări, au dedus în mod eronat că mișcările cu o stilizare mai puțin evidentă nu aveau deloc stil. Cu toate acestea, aceasta a fost o greșeală, deoarece toate operele de artă au stil, unele sunt doar mai cultivate artificial decât altele.

3. Stilurile devin aparente doar atunci când apare un stil nou

Potrivit Sontag, artiștii sunt rareori conștienți de un stil pe măsură ce acesta este creat. În mod similar, criticii care se uită la opere de artă și literatură contemporană vor înțelege rareori stilul unei opere și sunt predispuși să se refere în mod eronat la aceasta ca fiind lipsită de stil. Cum, atunci, începem să recunoaștem un stil?

Sontag a susținut că un stil existent este înțeles doar din retrospectivă, după ce a fost înlocuit cu un nou stil dominant. Artiștii încep să lucreze înțelegând stilul înaintașilor lor ca pe ceva de care să scape. Alegerile făcute de predecesorii lor par incorecte, chiar artificiale, iar noua generație urmărește un stil care pare mai autentic și fara stil lor. Procedând astfel, fac noi alegeri formale și estetice, dezvoltând un nou stil. Sontag a identificat în mod specific cubismul ca un exemplu al acestei apariții naturale a stilului.

Criticii articulează stilul vechi în scrisul lor despre modul în care noii artiști depășesc limitele, articulând astfel care erau de fapt limitele stilului mai vechi. Acest tipar s-a repetat la nesfârșit în timpul secolului al XX-lea, pe măsură ce artiștii au contestat constant deciziile artistice ale înaintașilor lor, dând naștere paradei nesfârșite a mișcărilor artistice care au definit modernism .

4. Operele de artă nu sunt declarații, sunt experiențe

Sontag credea că una dintre cele mai mari greșeli pe care le poate face un spectator atunci când se apropie de o nouă operă de artă este să încerce să ignore stilul acesteia în favoarea înțelegerii afirmației pe care încearcă să o facă. Mulți vizitatori de muzee din întreaga lume s-au întrebat dar ce inseamna? Această întrebare nu este în întregime irelevantă, dar este nerezolvată.

Pentru Sontag, arta este o experiență, nu doar conținutul sau mesajul lucrării. Ea a scris: Arta nu este doar despre ceva; este ceva . Sontag a oferit exemplul romanului lui Lev Tolstoi Anna Karenina . Anna Karenina poate fi un comentariu asupra relațiilor, dar dacă încercăm să ne rezumam la un mesaj de bază precum declarația relațiile romantice sunt complexe , nu am experimentat cu adevărat romanul. A experimenta romanul nu înseamnă doar a-i experimenta mesajul, ci și forma și stilul său.

Sontag a comparat operele de artă cu seducția: ca spectatori, trebuie să fim participanți dispuși. Dacă încercăm în mod constant să ignorăm stilul și să urmărim un nucleu interior de sens, vom înțelege greșit lucrarea. Pe de altă parte, dacă ne permitem să experimentăm opera de artă formal și estetic, vom înțelege mai bine semnificația acesteia.

5. Susan Sontag a gândit că stilul a fost principalul lucru de luat în considerare

Cum ar trebui, atunci, să abordăm o operă de artă sau literatură ca public? Sontag a avut o mână de sugestii, precum și câteva avertismente. Sontag a descris o problemă centrală a telespectatorilor care confundă operele de artă cu declarațiile etice. După cum a articulat ea, arta nu este un fenomen moral, este un fenomen estetic. Dacă ne gândim la un tablou, de exemplu, nu ar trebui să-l judecăm în funcție de faptul dacă considerăm că scena descrisă pe vază este un lucru bun sau un lucru rău.

Sontag a folosit un exemplu de vază grecească, pe care o putem extinde. Vaza îl înfățișează pe războinicul grec Neoptolemos atacându-l pe Priam, regele Troiei, căutând refugiu la altarul lui Zeus. Vaza nu este mai mult sau mai puțin frumoasă dacă condamnăm acțiunile lui Neoptolemos dacă credem că crima este greșită. A face acest lucru ar însemna a judeca opera de artă ca un fenomen moral. În schimb, ar trebui să-i evaluăm calitățile estetice sau, cu alte cuvinte, stilul.

În timp ce unii critici cred în mod eronat că o operă de artă este un conținut învelit într-o pătură de stil, Sontag a articulat că conținutul a fost doar pretextul pentru a ne invita într-o experiență stilistică estetică. Stilul este principalul lucru la care se gândește un artist atunci când creează o operă de artă și lucrul principal pe care noi, ca public, îl înțelegem atunci când discutăm despre opera unui artist. Sontag le-a reamintit cititorilor că acest lucru poate fi aplicat în altă parte: obiectelor de zi cu zi, vorbirii și chiar comportamentului. Viziunea ei despre stil are potențialul de a ne transforma înțelegerea întregii lumi din jurul nostru dacă ne obișnuim să analizăm cum vorbesc lucrurile, mai degrabă decât ceea ce spun.