5 caracteristici care au definit mișcarea de artă rococo

Partea franceză a mișcării de artă rococo a reprezentat doar o fracțiune din ceea ce avea de oferit rococo în ansamblu. De la satiră și domesticitate la religie, există mult mai mult în această mișcare decât ceea ce v-ar face să credeți lucrările pufoase, salace și pastorale ale lui Fragonard sau Boucher. Rococoul a fost mai mult decât simple afaceri fără sens și viețile elegante ale aristocrației. Este mult mai stratificat decât s-ar putea crede!

1. Domesticitatea și banalul în rococo Art

Păstorul Milostiv , de François Boucher, 1736-1739, imagine scanată din Arta europeană din secolul al XIX-lea: ediția a treia

Despre ce este atât de fascinant Jean-Baptiste-Simeon Chardin este că se simte ca o prefață timpurie la Mișcare realistă . Există o moliciune picturilor sale care încă dă un aer de căldură pe care aristocrația ar dori să-l vadă din arta cu oameni din clasa de jos ca subiect. Cu toate acestea, lipsa ornamentației și a detaliilor dramatice o face să pară cea mai puțin rococo care va fi discutată, în special de către Rococo francez standardele.

Ceea ce era cel mai cunoscută arta rococo franceză era frivolitatea și romantizarea vieții de zi cu zi, dar rareori era tratată în același mod banal ca Chardin. La celălalt capăt al spectrului era Francois Boucher, care a excelat în romantizarea tărâmului cotidian și făcându-l palpabil și atractiv pentru cei bogați și înstăriți. Munca lui Păstorul Milostiv este un exemplu perfect. În ciuda faptului că Chardin era francez, a mers într-o direcție complet diferită cu munca sa.

Graţie de Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1740, prin intermediul site-ului web al colecțiilor Luvru

A lui Graţie concentrat pe domesticitatea clasei burgheze, ca multe dintre lucrările sale, care au atras aristocrația. Această lucrare destul de banală și modestă era atât de diferită de ceea ce era tipic în timpul rococo-ului francez, încât aristocrația nu a putut să nu fie interesată. Înfățișează o mamă care își încurajează copiii să-și spună rugăciunea zilnică în timpul prânzului și dezvăluie o modestie față de A treia proprietate viața de familie care era admirabilă.

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

În acest timp, nu a existat nicio documentare despre cei săraci, prin artă, deoarece nu era un subiect considerat potrivit pentru ochii celor bogați și înstăriți; așa că, când au văzut pentru prima oară acest tablou, au presupus că era o familie de țărani, în loc de o familie de clasă muncitoare destul de bună. Majoritatea clasei superioare au trăit vieți de ignoranță și asumare, în acest sens.

Graţie (În apropiere) de Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1740, prin intermediul site-ului web al colecțiilor Luvru

Este și mai evident în această lucrare că Chardin are o înclinație pentru realism și atenție la detalii atunci când se uită la detaliul simplu al aburului adăugat peste mâncare. Acest sentiment de realism îl face pe spectator să creadă că Chardin a fost acolo și a văzut această familie cu ochii lui. El a reușit să arate cu grijă o reprezentare exactă a vieții domestice mondene. Există, de asemenea, ghiveciul în dreapta jos, strălucirea ușoară pe margine și pătarea te pot ajuta să simți că observi o scenă și nu o imagine.

Natura moartă cu balon de sticlă și fructe de Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1728, prin Galeria de Artă de Stat din Karlsruhe

Un alt aspect surprinzător al lucrărilor rococo ale lui Chardin a fost faptul că reflectau natură moartă olandeză tablouri. A lui Natura moartă cu balon de sticlă și fructe este o altă piesă care stabilește și mai mult atenția lui imensă la detalii. De la crestele fructelor până la reflectarea lor în balon, Chardin s-a asigurat că documentează fiecare detaliu cu pensula. Ceva care ar fi putut fi ratat cu ușurință, cum ar fi reflexia distorsionată a portocalei în cupa de argint, a fost redat cu experiență. În timp ce arta tipică rococo franceză este orientată spre detalii, nu a fost niciodată pentru subiecte atât de banale, iar Chardin a dezvăluit un alt mod în care rococo ar putea fi reprezentat.

2. Imagini religioase și frescuri epice

Imaculata Concepție de Giovanni Battista Tiepolo , 1767-1769, via Muzeul Prado, Madrid

Când te uiți la arta rococo franceză, de obicei nu se acordă această atenție iconografiei și imaginilor religioase, cu excepția cazului în care are orice de a face cu zeii greci si romani. Cu toate acestea, imaginile creștine și catolice nu au predominat deloc. Sigur că oamenii mergeau la biserică și puteau aprecia o frescă bună în orice zi, dar în timpul liber, evlavia era cea mai mică dintre preocupările lor, pentru că era prea multă distracție!

Acest lucru ar putea fi văzut ca ironic pentru că aveți piese de genul Imaculata Concepție de artistul italian rococo Giovanni Battista Tiepolo . Pornind de la presupunerea că era catolic, la fel ca majoritatea cohortelor sale venețiene, nu ar trebui să fie surprinzător că a luat în serios imaginile religioase și a apreciat lucrările lui. Epocile de artă clasică și înaltă Renaștere , care apare foarte mult în munca lui.

Instituția Rozariului de Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, imagine scanată din Arta europeană din secolul al XIX-lea: ediția a treia

A lui Instituția Rozariului este un amestec minunat de artă rococo și clasice. Are senzația de ușoară și aerisită care se așteaptă de la Rococo, spre deosebire de munca sa anterioară în timpul fazei sale de experimentare și tenebrism. Schimbarea poate fi pusă pe seama fascinației sale pentru lucrările lui Paolo Veronese văzut la Palatul Undine. Această frescă de tavan a comemorat apariția practicilor devoționale în Biserica Catolică, de la rugăciune la meditații, care au fost ajutate de rozariu. Fresca dă iluzia de a privi în sus în cerul liber, dincolo de tărâmul timpuriu. El folosește fără probleme iluzie optica pe tot parcursul picturii.

Instituția Rozariului (În apropiere) de Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, imagine scanată din Arta europeană din secolul al XIX-lea: ediția a treia

Există atât de multe detalii în această operă de artă, deoarece comunică instituția reală a rozariului ca o poveste epică. În vârful scărilor se află Sfântul Dominic care dă mătănii celor care doresc să scape de durerea și păcatul tărâmului pământesc și să fie primiți în ceruri prin practica religioasă și credință. Dedesubt, dacă te uiți îndeaproape în partea de jos, există o mână ștearsă, cu aspect fantomatic, care iese din întuneric parcă ar urca și ea la ceruri.

Acest lucru este evident datorită Fecioarei Maria și a Pruncului Hristos care plutesc deasupra lui în tărâmul cerului cu îngeri. Iluzia fundului care se revarsă din frescă leagă pictura de privitori prin faptul că ne atinge tărâmul și adaugă interes. Datorită tehnicii sale, arta însăși devine o metaforă vizuală; ne ghidează ochii pentru a vedea transportul sufletului care este condus de religie de pe pământ la cer.

Instituția Rozariului (Primul plan II) de Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, imagine scanată din Arta europeană din secolul al XIX-lea: ediția a treia

În cele din urmă, există teoria că această frescă a fost menită să fie propagandă religioasă. Această opera de artă este un răspuns la Contrareformei Bisericii. Folosirea imaginilor ademenitoare și trompe-l’œil a fost astfel încât biserica catolică să poată aduce mai mulți oameni înapoi din sistemul de credințe protestante care a fost rezultatul Reformei. În credința protestantă, există credința că nu este nevoie de imagini în credință la fel de romantică ca în credința catolică. În această privință, se poate spune că Biserica a avut mâna de sus pentru că din cauza curiozității umane exista mai mult o mângâiere în cunoscut decât în ​​necunoscut. Folosirea lucrării sale în acest fel îl aliniază mai mult pe Tiepolo cu idealurile convinse ale lui William Hogarth, care însemna trimiterea de mesaje prin artă în loc să apeleze doar la capriciile aristocrației.

Apoteoza monarhiei spaniole de Giovanni Battista Tiepolo , anii 1760, prin The Metropolitan Museum of Art, New York

Apoteoza monarhiei spaniole este mai mult ceea ce te-ai aștepta să vezi din imaginile religioase ale mișcării de artă rococo, dar chiar și atunci, natura epică a acesteia schimbă greutatea frescei. Să vezi ocazional o Venus modesta nu este același lucru cu să vezi că monarhia ta este echivalată cu zeii. Frescele lui Tiepolo au contribuit la reîntărirea stăpânirii Bisericii Catolice și a puterii învățăturilor lui Dumnezeu. Nu numai că, el a ajutat la înălțarea aristocraților în loc să-i distreze și să-i lingușească.

3. Teatrismul cotidian în rococo francez

Ouă sparte de Jean-Baptiste Greuze , 1756, prin Muzeul Metropolitan de Artă, New York

La fel ca Chardin, vedem străluciri ale cotidianului în arta lui Jean-Baptiste Greuze. Cu toate acestea, spre deosebire de Chardin, Greuze dramatizează viețile oamenilor obișnuiți în loc să-i înfățișeze în mod casual. Există mai mult teatru care se așteaptă de la mișcarea de artă rococo. Picturile sale au mai mult o senzație neoclasică decât lucrările lui Chardin, dând credibilitate modului în care oamenii înstăriți au avut un interes pentru viața clasei de mijloc în cel mai superficial dintre moduri.

Nobilimea dorea să fie distrată, mai presus de toate. Nu a contat acuratețea, ceea ce a contat era povestea și atracția estetică, motiv pentru care lucrările lui William Hogarth derutat și insultat pe mulți. a lui Greuze Ouă sparte este despre indignarea unei familii față de pierderea virginității fiicei lor. O metaforă este, așadar, transmisă prin ouăle sparte împrăștiate, pe care aristocrații le-au găsit distracție în scandalul său. Greuze încă a făcut apel la drama pe care bogații o iubeau despre rococoul francez.

Blestemul Tatălui – Fiul nerecunoscător de Jean-Baptiste Greuze , 1777, prin site-ul Colecțiilor Luvru

Blestemul Tatălui – Fiul nerecunoscător este un alt exemplu excelent al scenelor scandaloase pe care aristocrația a prosperat. În acest tablou, fiul dorește să-și lase în urmă familia pentru a se alătura armatei, în timp ce întreaga sa familie se opune. Din acest tablou emană furie, frustrare și frică. Există, de asemenea, distracție dacă priviți în extrema dreaptă, unde prietenul fiului arată distrat de absurditatea momentului. Mișcările dramatice pe care le creează Greuze amintesc de neoclasic și Stil baroc lucrări care distrează în mod similar la nivel superficial și alegoric. Creând acest efect, Greuze a reușit să ridice viața clasei de jos.

4. Portret inovator și subiect

Alegoriile celor patru continente: personificarea Americii de Rosalba Carriera , înainte de 1720, prin The Cooper Hewitt Collection

Ce setează a lui Rosalba Carriera lucru în afară de De La Tours și așa, este subtilitatea ei delicată când a fost vorba de modul în care a amestecat culorile și atenția la detalii, fără a-și idealiza complet subiectele. A ei Alegorii ale celor patru continente seria este un bun exemplu în acest sens. Operele ei de artă sunt un echilibru între forme realiste și ideale, spre deosebire de multe lucrări rococo franceze care caută să transmită doar forma ideală. De asemenea, ea și-a propus să folosească mici detalii în pastelurile ei pentru a da o privire asupra subiectului ei, în loc să dea totul departe, așa cum tindeau să facă multe piese rococo. Este evident că a folosit o paletă restrânsă pentru a atinge acest nivel de echilibru și unitate în lucrările individuale.

Alegoriile celor patru continente: personificarea Africii de Rosalba Carriera , înainte de 1720, prin site-ul The Smithsonian

Spre deosebire de mulți pictori de dinaintea ei, Carriera nu a avut nicio reținere în a picta întâmplător subiecte străine. Se pare că ori de câte ori a fost înfățișat un străin a fost pentru că era pe moarte, era răufăcător, sărăcit sau sexualizat, dar Carriera le-a oferit spectatorilor ei ceva diferit. Asta nu înseamnă asta toate artiştii au rămas însă în aceste cutii. Portretul lui Jean-Baptiste Belley de Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson este un bun exemplu de pictare respectuoasă a unui subiect străin. Dar la celălalt capăt, îl ai pe al lui Revolta din Cairo , care este război și moarte și ticăloșirea oamenilor străini. Carriera a contribuit la aspectele mai subtile ale rococo în loc de dramatism și amenajări minimale, inspirând probabil oameni ca Chardin cu felul în care și-a portretizat subiectele într-un mod mai simplu decât colegii ei.

5. Judecata și cinismul în rococo art

Inainte de de William Hogarth , 1736, prin Muzeul Metropolitan de Artă din New York

William Hogarth, regele rococo al amărăciunii și al satirei, este un exemplu excelent a ceea ce oamenii nu gândiți-vă când se gândesc la arta rococo. Nu există bibelouri, nu există un strat de zahăr, doar adevărul brut al vieții în clasa superioară. Când ni se furnizează imagini cu femei de William Hogarth, acestea fie sunt mizerabile, fie sunt prezentate într-o stare de manie. El înfățișează femeile într-un mod în care nu sunt niciodată fericite sau, dacă sunt, este, în esență, calmul dinaintea furtunii. Această distracție nu seamănă deloc cu lucrările lui Jean-Honore Fragonard . Nu este romantism, ci doar disconfortul unei femei și dorința unui bărbat de a-și satisface impulsurile sexuale, indiferent de cum se simte femeia. În Inainte de, lipsa de entuziasm a femeii este și mai evidentă din cartea despre pietatea în vanitatea ei.

După de William Hogarth , 1736, prin The Metropolitan Museum of Art, New York

Cealaltă gravură a lui Hogarth, numită corespunzător După este partea a doua a Inainte de . Există o lipsă de condimente și puf în afacerea care este considerată tipică mișcării de artă rococo. Nu pare că femeia s-a bucurat, doar bărbatul se saturase, ridicându-și pantalonii în grabă să plece. A luiutilizarea semnăturii câineluitransmite instabilitatea relației lor, în primul rând Inainte de cu lătratul sălbatic la cei doi, către câinele cu fața în altă parte în această lucrare, cu o acceptare liniștită, dar dezamăgită. Nu este deloc surprinzător faptul că punctul central al interpretării lui Hogarth asupra rococo-ului este, în esență, să schimbe totul, de la rococo francez. Era hotărât să schimbe ceea ce ar trebui să fie mișcarea de artă rococo, în toate operele sale de artă cinice.