25 de tablouri celebre: capodopere curate în muzee

tablouri celebre

Montagne Saint-Victoire de Paul Cézanne (1887), Vânătorii în zăpadă de Pieter Bruegel (1565), Vedere la Toledo de El Greco (1596), Caii albaștri de Franz Marc (1911).



Învățăm despre picturi celebre, capodopere, de când suntem destul de tineri. Chiar și la această vârstă, putem aprecia ceva din frumusețea produsă de formă și culoare. Pe măsură ce explorăm muzee și galerii, ne dobândim propriul gust pentru frumusețe, aprecierea culturală și propria noastră considerație a ceea ce este o capodopera. Destul de des, explorările noastre ne readuc la o capodopera canonică pe care acum o putem aprecia într-o nouă lumină, o nouă stare de spirit; numai după ce ne-am extins cunoștințele despre ceea ce face ca un tablou să fie magistral.

Iată 25 dintre cele mai faimoase tablouri din muzee

25. Plângerea lui Hristos De Giotto

plângerea lui Hristos Giotto

Plângerea lui Hristos de Giotto, 1305, Fresca, în Capela Scrovegni, Padova





a lui Giotto Plângerea ne arată o scenă frumos coregrafiată de plângeri în jurul trupului lui Hristos, oglindită de îngerii care se aruncă în agonie sus în cerurile albastre. Această scenă este preluată din frescele lui Giotto realizate la capela arenei din Padova, Italia. Giotto, aici, rupea cu o tradiție stabilită a picturii, bizantinul , și inaugurând zorii lui Renasterea . Folosirea peisajului, zidul de piatră, duce privirea în jos către Hristos și chipul îndurerat al Maicii Maria.

Giotto Îl încadrează pe Hristos prin două figuri voluminoase care ne-au întors spatele, o ispravă compozițională originală pentru acea vreme, și au oferit această scenă divină ca pe ceva foarte uman. Ne putem conecta cu cei îndoliați datorită acestui realism intuitiv pe care Giotto l-a adus în frescă. Giotto instigă un nou limbaj vizual pentru a exprima scene cu semnificație religioasă.



24. Grădina Desfătărilor Pământești , Detaliu de la Iad De Hieronymus Bosch

grădina deliciilor pământești hieronymus bosch

Grădina deliciilor pământești (Detaliu: Iadul) de Hieronymus Bosch , 1503-15, via Muzeul Prado, Madrid

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

al lui Hieronymus Bosch Grădina deliciilor pământești este un triptic care arată progresul de la Paradis la Iad. Picturile pentru fiecare secțiune sunt mari și pline de dispozitive minunate, uimitoare și imaginative, pe care istoricii de artă le-au pus nedumerit. După cum se vede din acest detaliu, pânza este plină de enigme și de un val de scene care copleșesc privitorul. Abilitatea lui Bosch de a-și reda viziunea fantastică entuziasmează și șochează privitorul. Pânza lui suprarealistă este acoperită cu figuri ciudate care atrag privitorul.

Hilaritatea și teroarea Iadului sunt aproape impenetrabile pentru capacitatea privitorului de a crea simțuri, dar, cu toate acestea, emoțiile noastre sunt evocate de parcă am înțeles. Știm că vedem Iadul în toată sângele lui și este îngrozitor în toate sensurile cuvântului. Bosch a reușit să transmită teroare, repulsie și uimire prin incoerență.

23. Ultima cina De Jacopo Tintoretto

jacopo tintoretto ultima cina

Ultima cina de Jacopo Tintoretto, 1592, în Biserica San Giorgio Maggiore, Veneția



a lui Tintoretto Ultima cina arată o preocupare minunată pentru efectele luminii într-un interior slab luminat. Tintoretto schimbă perspectiva obișnuită a Ultima cina pentru a crea o compoziție interesantă. Ne-am putea gândi Leonardo da Vinci faimoasa redare a lui cu utilizarea perspectivei liniare. Aici, suntem ghidați de luminile luminii: umbra aruncată de pe gâtul unei slujitoare ne conduce ochii direct către Isus Hristos.

Minunați, aeriși, îngerii ies la iveală ca fumul care se ridică pentru a acoperi camera. Este o pânză plină de mișcare. Tintoretto a infuzat pânza cu o frumusețe atrăgătoare, una care este aranjată prin jocul luminii. Tintoretto primește privitorul într-o scenă în care lumina lui Hristos ne consumă și ne informează viziunea.



22. Vânătorii în zăpadă De Pieter Bruegel

vânătorii din spectacol pieter bruegel

Vânătorii în zăpadă de Pieter Bruegel , 1565, via Kunsthistorisches Museum Viena

Bruegel lui Vânătorii în zăpadă se retrage mult dincolo de sat sub stâncile înalte acoperite în zăpadă. Bruegel a creat ambiguitate în jurul sentimentului cald de întoarcere acasă și a lipsei de hrană cu care vânătorii par să se fi întors. Patinatorii îndepărtați se bucură de ceea ce le-a oferit iarna, în timp ce vânătorii, în prim plan, împreună cu câinii lor de vânătoare slăbiți, s-au confruntat cu ravagiile iernii.



Tabloul evocă această facultate de narațiune la privitor; le cere să înțeleagă dinamica vieții satului. Cu toate acestea, Bruegel nu a lăsat acest element să domine estetica unui sat din sălbăticia rece. Albul zăpezii acoperă scena cu corbi singuratici cocoțați pe copacii fără frunze. Întinderea largă a iernii este înfruntată de oamenii din sat care îngrijesc o flacără.

douăzeci și unu. Vedere din Toledo De El Greco

el greco toledo

Vedere la Toledo de El Greco , 1596, prin The Met Museum, New York



El Greco's pictura uluitoare de pe Toledo este izbitor înaintea timpului său. Norii uriași se cățără peste oraș, difuzând întunericul peste mediul înconjurător. De asemenea, creează un fundal pentru clădirile care stau rigid în comparație cu tufișurile periate din prim-plan. Râul începe chiar sub ochiul nostru în colțul din dreapta și îl urmăm pe pod. Nu se vede nicio persoană, doar clădirile austere, asemănătoare cu marmură, ghemuite pe deal.

Aceasta este o vedere mai emblematică decât o vedere realistă a orașului. El Greco pare să ne ofere o reprezentare simbolică a relației noastre cu divinul, așa cum este văzută prin natură; norii copleșitori și peisajul rural curgător. Simțim că norii sunt aproape de a dezlănțui o furtună, un presentiment care deja face orașul târându-se, în josul dealului. Acest tablou exprimă frumos semnificația simbolică dintre oraș, așa cum este făcut de om, și puterea Divinului.

douăzeci. Triumful lui Bacchus De Diego Velazquez

triumful lui bacchus diego valezquez

Triumful lui Bacchus de Diego Velazquez, 1628, via Museo del Prado, Madrid

În acest tablou, Velazquez a îmbinat figura clasică a lui Bacchus cu petrecătorul spaniol contemporan. Ceea ce face ca acest tablou să fie interesant este modul în care artistul se joacă cu atenția privitorului. Ca zeu Bacchus Privește în altă parte, cei doi bărbați zâmbesc cu bună știință către privitor, fericiți că participă la acest rit bahic. De fapt, acești doi bărbați ne amintesc de oameni pe care i-am putea vedea în orice pub local.

Contrastul lui Velazquez între figura clasică și plebei este puternic și amuzant. Bacchus își îndepărtează privirea în timp ce încununează un om de rând cu frunza de laur; darul vinului și al relaxării este pentru toată lumea. Privirile celor doi bărbați par să invite, par să zâmbească și să spună, ești la fel ca mine.

19. Cosmarul De Henry Fuseli

henry fuseli coşmarul

Cosmarul de Henry Fuseli , 1781, prin Institutul de Arte din Detroit

Teroarea unui coșmar este adesea însoțită de o greutate asupra corpului; stresul pe care un vis l-a impus minții și corpului. Imaginea lui Fuseli reușește da un limbaj vizual chinului și caracterului de neînțeles al coșmarului . Un gremlin stă pe burta femeii, paralizând-o. Este ceasul vrăjitorilor. O iapă neagră își bagă capul prin perdele cu ochi opaci. Fuseli oferă privitorului o experiență vizuală miraculoasă a cadrului irațional al unui coșmar.

Rochia moale a doamnei este întinsă de gremlinul care stă, răbdător și de nerecunoscut în căutarea sa. Se întoarce să-l privească pe privitor cu o privire ciudată, de parcă i-ar reproșa privitorului că i-a tulburat misiunea. ale lui Fuseli Coșmar demonstrează o extraordinară ispravă de imaginație în abordarea acestui subiect și în aducerea de viață a ceva ce am prefera să păstrăm în spatele cortinei.

18. Newton De William Blake

newton william blake

Newton de William Blake , 1805, via Tate, Londra

Blake avea un stil individualizat care s-a îndepărtat de Neoclasic / Romantism a zilei sale. Imaginile lui Blake sunt lucrate cu simbolism și simplitate atrăgătoare. Acesta este ceea ce face picturile sale atât de captivante. În Newton , Blake reușește să arate de ce a simțit un dispreț față de marele om de știință. Newton măsoară un obiect asemănător unui scroll în loc să fie conștient de culoarea din spatele lui; este cocoșat, măsoară, în loc să trăiască și să observe frumusețea naturii pe care nu o poate măsura.

Folosirea de către Blake a nudului clasic într-un mediu insondabil (unii comentatori cred că se află pe fundul mării) este o modalitate de a reprezenta această idee simbolică. Blake are forme delicat paralele pentru a ne avertiza să nu întoarcem spatele șansei și misterului vieții. Degetele lui Newton întinse ca busola; șoldurile și spatele i se rostogolesc ca sulul; sulul pe care îl măsoară pare să curgă din propriul său corp, lipsit de culoare sau de intrigi.

17. Moartea lui Sardanapalus De Eugene Delacroix

moartea lui sardanapalus delacroix

Moartea lui Sardanapalus de Eugene Delacroix , 1827, via Luvru, Paris

Delacroix lui Moartea lui Sardanapalus creează un ritm spectaculos în această pictură prin utilizarea culorii. Roșul bogat începe în colțul din stânga sus și se revarsă în jos în diagonală. Delacroix a folosit această culoare bogată pentru a paralela violența care populează scena. Cadavrele sunt întinse, un bărbat trage de un cal îmbrăcat bogat, bijuterii generoase se înghesuie în prim-plan, toate plutind pe acest râu roșu.

Delacroix nu a lăsat mult spațiu nesupravegheat; l-a aglomerat cu mișcare și draperii pentru a imita starea de spirit a picturii. Privitorul este absorbit de subiect până ajunge la Sardanapalus omonim, înclinat, spectând calm pe pat. El se află în contrast puternic cu evenimentele din prim-plan. Este omul care se va sinucide după ce toate plăcerile i-au fost distruse. Acest moment surprins de Delacroix este în același timp chinuitor și ademenitor.

16. Furtuna de zăpadă – Barcă cu aburi de pe gura unui port De J.M.W. Strungar

jmw turner barca cu abur porturi gura

Furtuna de zăpadă – Barcă cu aburi de pe gura unui port de J.M.W. Strungar , 1842, via Tate, Londra

Strungar s-a dovedit a fi înaintea timpului său cu această redare impresionistă a unei furtuni de zăpadă. Spre deosebire de contemporanii săi, el încerca să picteze impresia, emoțional și vizual, a ceea ce se simțea într-o furtună de zăpadă. Acest lucru l-a determinat să dea pionierul unei forme timpurii de abstractizare . Turbioarea culorii monocromatice învăluie privitorul, în timp ce o scurtă vedere de claritate persistă doar precar în mijlocul pânzei.

Există o poveste, considerată acum a fi apocrifă, că Turner a fost legat de catargul unei nave în timpul unei furtuni pentru a experimenta violența naturii. Se poate vedea de ce s-ar fi putut crede acest lucru. Redarea lui Turner este intuitivă și dramatică, pulsand de energie și subsumând. Este o compoziție genială care arată incapacitatea omului de a rezista la extremele naturii.

cincisprezece. Magpie De Claude Monet

claude monet magpie

Magpie de Claude Monet , 1868, via Musee D’Orsay, Paris

Mulți a reușit să surprindă o scenă de liniște acoperită de zăpadă în acest tablou faimos. Doar câteva case pot fi văzute printre crengile încărcate de zăpadă; câțiva pași apar înaintea porții. Orizontul este ascuns de zăpada care acoperă pământul, făcându-l cu greu vizibil de unde începe cerul. Scena lui Monet este o impresie frumoasă care reușește să conote sentimentele unei plimbări solitare într-o zi strălucitoare de iarnă.

Magpie se cocoță pe gard, singura formă explicită de viață din tablou. Nu există niciun motiv pentru care Monet a pictat asta în afară de faptul că l-a mișcat. Această scenă a naturii ne poate mișca datorită unui simț estetic inerent care se mișcă în interiorul nostru. Monet nu are nevoie să caute o semnificație simbolică mai înaltă, deoarece totul este chiar în fața lui.

14. Aleea Plopilor De Alfred Sisley

aleea plopilor alfred Sisley

Aleea Plopilor de Alfred Sisley , 1890, via, Musee D’Orsay, Paris

Această redare delicată a unei alei de plopi în această pictură celebră ademenește privitorul prin utilizarea liniilor ortogonale. Sisley pare să ne invite pe bulevard printre copacii zăpadați de lumină. Două siluete iau drumul, uitatoare de această minunată stradă pe care Sisley ne-a pus-o la dispoziție. Culoarea bogată emanată de lumină se întunecă treptat spre punctul de dispariție.

Un râu curge spre stânga și câteva case se văd mai departe în depărtare. Sisley a pictat această scenă minunată, udă de lumină, de ușurință meditativă. Nu există nicio grabă, nu există mulțimi frenetice de energie, ci o plimbare relaxantă pe un bulevard de copaci. Umbrele devin lungi, sugerând că ziua se apropie de sfârșit, poate pentru o perioadă de reflecție liniștită. Sisley și-a comandat pânza cu mici pensule delicate, iar culorile par să se îmbine unele cu altele, creând o lume bogată de frumusețe liniștită.

13. Montagne Saint-Victoire cu un pin mare De Paul Cézanne

munte sfânt victorie paul cezanne

Montagne Saint-Victoire cu un pin mare de Paul Cézanne , 1887, prin Institutul de Artă Courtauld, Londra

Cezanne a descris minunat această scenă prin construirea câmpurilor de culoare pentru a crea o pictură de o profunzime incredibilă. Cézanne a petrecut mult timp încercând să înțeleagă mediul în care a pictat și încercând să înțeleagă cum să picteze ceea ce a perceput. Putem distinge formele de sub munte ca câmpuri și case, dar la o inspecție mai atentă, elementele fiecăruia par să se amestece și să se ciocnească.

Este o parte din frumoasa estetică a lui Cézanne, care dă impresia formelor care ies la vedere, ca atunci când ne procesăm mediul în timp ce privim. Concentrarea noastră se întinde pentru a lua întregul, dar este capabil să detalieze specificul, în schimb vedem impresii vagi și amestecul de culori în jurul nostru.

12. Câmp de grâu cu corbi De Vincent Van Gogh

câmp de grâu cu corbi vincent van gogh

Câmp de grâu cu corbi de Vincent van Gogh , 1890, prin Muzeul Van Gogh, Amsterdam

Van Gogh a pictat o scenă îngrozitoare. Ciorii din acest tablou faimos, doar două sau trei mișcări de pensulă, fie pleacă, fie se întorc pe câmpul de grâu. Negrul nopții pare să cuprindă încet albastrul zilei; o potecă se îndepărtează de vedere. Stilul de pictură al lui Van Gogh reușește să afecteze atât de bine forma încât știm la ce ne uităm, în timp ce, în același timp, culorile par să exprime mai mult decât implică.

Utilizarea puternică a culorii de către Van Gogh și metoda sa de a picta lucrează împreună pentru a produce o pictură încărcată emoțional. Întunericul care se infiltrează prin cerul albastru ne spune despre un dezastru iminent; corbii sunt ca o anxietate înfloritoare. Rezonanța emoțională puternică a lui Van Gogh cu subiectul său creează acest lucru atrăgător expresionism care transformă un peisaj natural într-unul emoțional.

unsprezece. Peisajul Tahitian De Paul Gauguin

peisajul tahitian paul gauguin

Peisajul Tahitian de Paul Gauguin , 1891, prin Institutul de Artă din Minneapolis

Gauguin Faimoasa pictură a lui aduce o nouă vitalitate artei de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Există o melodie minunată creată de culoarea bogată. Gauguin a reușit căldura dintr-o schemă de colorare anti-realistă și, în acest sens, pictura este mai realistă pentru această atingere experimentală. Silueta singuratică poartă niște provizii în timp ce un câine așteaptă lângă drum. Câmpul galben este presărat cu o gradație bogată de verde și portocaliu. Culorile scot soarele pentru privitor.

Gauguin se simțise sătul de Franța și călătorise în Tahiti pentru a-și revigora plăcerea pentru pictură și pentru a-și reaprinde capacitatea de exprimare. Putem vedea aici, în această scenă vibrantă de peisaj, că Gauguin a oferit o alternativă la pictura naturală, pictând în acest mod expresiv. Peisajul nu este doar plăcut din punct de vedere estetic prin această nouă metodă, dar imaginea începe să acționeze ca simbol al unei expresivitati libere, nestingherită de o influență controlată. naturalism .

10. Norul roz, Antibes De Paul Signac

norul roz antibes paul signac

Norul roz, Antibes de Paul Signac , 1916, prin intermediul Muzeului de Arte Frumoase din Boston

Signac Stilul lui seamănă cu un mozaic în culorile sale subtil amestecate. Este o abstractizare aproape perfectă din natură, în timp ce aparține în același timp acelei dispoziții impresioniste care știe că această imagine plăcută nu va mai exista niciodată. Norul lui Signac este un mesager al soarelui; reține lumina și o răspândește peste pânză într-un afișaj minunat. Singura vela este micșorată de dimensiune, plutind ușor în reflexia ei.

ale lui Signac punctilist tehnica plasează zone minuscule de culoare una lângă alta pentru a paralela gradațiile de culoare pe care le vedem în natură; modul în care creierul nostru procesează efectul luminii și al culorii. Signac îngheață acest moment în timp pentru a-l restabili ca amintire naturală pe care o putem avea despre o velă singură.

9. Separare De Edvard Munch

pictura de separare munch

Separare de Edvard Munch , 1896, prin Muzeul Munch, Oslo

Munch a avut o capacitate pătrunzătoare de a exprima drama internă nu numai a neliniștii individuale, ci și a pasiunilor care există între doi indivizi. În Separare , bărbatul se prăbușește strângându-și inima care pare să fi revărsat peste mâna lui - trebuie să o țină pe loc pentru a rămâne în viață. Simbolul femeii se transformă acum în mediul înconjurător devenind o parte a plajei și a cerului. Acest tablou faimos este o metaforă minunată a modului în care amintirea iubirii persistă în lumea fizică.

Stilul de pictură al lui Munch subliniază emoția interioară și modul în care această emoție interioară reacționează cu lumea din jurul nostru. Nu este necesar ca Munch să studieze precizia în culoare sau formă pentru ca el să arate ceea ce își dorește. El a pictat în culori bloc, oferind privitorului aceste figuri evidente. Înțelegem o mare parte din bărbat doar prin câteva detalii ale feței; este mai mult culoarea. Aplicarea oarecum „nepăsătoare” a vopselei se adaugă acestui sentiment direct și puternic de separare.

8. Improvizație 28 (a doua versiune) De Wassily Kandinsky

improvizație 28 wassily kandinsky

Improvizație 28 (a doua versiune) de Wassily Kandinsky , 1912, prin Muzeul Guggenheim, New York

Kandinsky Abstracțiile lui au fost foarte influente în secolul al XX-lea. Ea a arătat o calitate estetică că pictura nu trebuie să aibă un obiect pentru a evoca emoție și meditație. Titlul lui Kandinsky pentru acest tablou faimos, Improvizaţie, le amintește spectatorilor săi de o anumită muzicalitate pe care încearcă să o imite prin culoare și linii. Kandinsky trebuie să fi fost conștient de formarea simțurilor inerente din care constă percepția. În Improvizație 28, putem distinge fețe, ochi, peisaje, case fără niciun spațiu coerent. De fapt, formele pe care le vedem sunt doar linii și culori despre care presupunem că sunt aceste lucruri familiare.

Kandinsky îi cere spectatorului să aprecieze compoziția așa cum se apreciază o piesă muzicală. Este modul în care se simte o mișcare armonică printr-o piesă, contrastele secțiunilor și dinamica sunetului. Putem găsi frumusețea și în linie și culoare fără vreun „sens” sau obiect coerent.

7. Marii cai albaștri De Franz Marc

cai albastri franz marc

Marii cai albaștri de Franz Marc , 1911, prin Walker Art Center, Minneapolis

Franz Marc compoziția lui este o cascadă de forme. Moliciunea cu care a compus caii si se oglindeste in mediu creeaza o armonie demna de muzica. Marc câștigă mult, dar colorarea lui anti-realistă. Caii albaștri sunt senini, maiestuoși, aproape cerești. Capetele lor de pășunat evocă un sentiment de ușurință și confort, de masă și împreună. Juxtapunerea culorilor primare întâlnește privitorul într-o expresivitate reconfortantă.

Franz Marc a reușit să exprime liniștea naturii fără naturalism. Copacii de fildeș curg prin pânză. Nimic din această imagine nu pare șocant sau tăiat. Totul curge în această culoare senzuală creând o unitate de formă. Această scenă simplă a cailor care pasc a fost transformată într-o apreciere armonioasă a naturii prin utilizarea culorii de către Marc în această pictură faimoasă.

6. Călătoria anxioasă De Giorgio De Chirico

călătoria neliniștită giorgio de chirico

Călătoria anxioasă de Giorgio de Chirico , 1913, via MoMA, New York

Chirico Compoziția claustrofobă a lui ne deranjează perspectiva ca o minte anxioasă care își acordă prea multă atenție. Cu toate acestea, golul din acest tablou faimos, în ciuda faptului că pânza este plină de forme, este remarcabil în efectul său. De Chirico este bine cunoscut pentru stilul său enigmatic și aici putem vedea de ce. Trenul scoate fum în spatele unui zid scurt de cărămidă, parcă nerăbdător. Puterea și vederea trenului sunt de rău augur, amintind privitorului de o fiară în cușcă.

De Chirico a fost o sursă de influență pentru suprarealistilor care a simțit că el este predecesorul lor în capacitatea sa de a portretiza stările interioare ale minții. Colonadele lui umbrite sunt pline de mister, presimțire și singurătate. Ordinea pânzei este strictă și restrictivă. Cu formele arhitecturale, de Chirico a reușit să evoce ceva din sinele interior.

5. Dinamismul unui biciclist De Umberto Boccioni

boccioni dinamismul unui biciclist

Dinamismul unui biciclist de Umberto Boccioni, 1913, în Colecția Peggy Guggenheim, Veneția

a lui Boccioni Futurist pictura este lauda mișcării și vitezei. Există ceva glorios în ciclistul care a fost abstras într-o serie de forme. La fel ca cubist metoda, Boccioni se joacă cu modul în care percepem o formă atunci când aceasta este în mișcare. Este vorba de a sparge formele stricte ale spațiului rațional pentru a intra într-un spațiu nou în care formele au fost destabilizate și minunate.

Boccioni Culoarea lui se adaugă acestui sentiment de viteză; creează o estetică din mișcare. Albastrul din dreapta sus curge rapid în centru, unde este compensat de galbenul auriu. Albastrul este preluat în continuare de chipul bărbatului, recunoscut doar după liniile generale. Albul emană din galbenul pulsatoriu, violet și albastru, ca un tren care își aruncă fumul, deși sunt doar roți. Ciclistul lui Boccioni este hotărât și frumos, oferindu-ne o nouă apreciere vizuală a vitezei.

Patru. Îndrăgostiți De René Magritte

indragostitii rene magritte

Iubitii de René Magritte , 1928, via MoMA, New York

Magritte a fost un maestru al ludicei și calcă pe urmele lui de Chirico pentru ambiguitatea și rezonanțe enigmatice. În acest tablou celebru, Magritte ne ademenește cu un tablou ciudat cu două figuri, îndrăgostiții, sărutându-se. Nu se ating niciodată pentru că capetele lor sunt înfășurate în cearșafuri albe. Ce putem face din asta? Nu trebuie să facem nimic din asta, deși mintea este obișnuită să facă asta - este vorba despre incapacitatea ca doi indivizi să nu se vadă niciodată cu adevărat, să se înțeleagă?

Stilul de pictură extrem de realist al lui Magritte creează o oportunitate perfectă de a perturba acest realism prin utilizarea enigmei. Imaginea lui Magritte este plină de umor. Sărutul, care pare a fi atât de pasional, cade la fel de afectat. Există o încredere în ambii îndrăgostiți care face cearșafurile albe cu atât mai absurde. Lui Magritte îi plăceau ghicitoarele psihologiei și filosofiei și avea o abilitate uluitoare de a reproduce astfel de ghicitori pe o pânză.

3. Guernica De Pablo Picasso

guernica pablo picasso

Guernica de Pablo Picasso , 1937, via Muzeul Centrului Național de Artă Reina Sofia, Madrid

Picasso interpretarea bombardamentului din 1936 al Guernica este un simbol puternic al distrugerii. Picasso și-a dat seama că naturalismul nu ar fi descris experiența terorii la fel de eficient ca metoda sa cubistă. Pânza ne pare haotică și greu de interpretat; utilizarea monocromatismului, a formelor libere, parțiale și a distorsiunii figurii. Formele sunt aplatizate și fragmentate în interiorul acestei clădiri.

Realitatea distrugerii a distrus un mod de reprezentare. Picasso crede că orice fel de naturalism ar pune rațiune și artificialitate în pânză, ceea ce ar vicia sensul și puterea pentru Picasso. Bombardarea și distrugerea reprezintă fragmentarea formelor, inducând haos.

Două. Metamorfoza Narcisului De Salvador Dali

dali metamorfoza narcisa

Metamorfoza Narcisului de Salvador Dali , 1937, via Tate, Londra

Meditația lui Dalí asupra Mitul Narcisului este o imagine minunat de precisă, dar evazivă. Dalí este interesat de modul în care percepem și ce facem din percepțiile noastre. Putem vedea folosirea de către Dalí a dublei luări, în care percepem un obiect ca altceva înainte de a realiza ce este. Deși, pentru Dalí și pentru suprarealistilor , s-ar întreba care percepție este „reală” și ce ne spune inconștientul nostru; cum ne amăgim pe noi înșine.

Stilul de pictură al lui Dalí, pe care l-ar numi „fotografie color pictată manual”, cuprinde atât realitatea, cât și amăgirea. Figura de piatră a Narcisului se transformă în mâna care ține oul, care înflorește narcisa. Dalí pune în contrast trecerea timpului cu percepția, reală sau înșelătoare, pentru a oferi o nouă explorare vizuală a mitului Narcisului – mitul având atât de mult de-a face cu percepția. Este vorba despre modul în care ne percepem pe noi înșine și cum ne percep ceilalți.

1. Nighthawks De Edward Hopper

institutul de artă Hopper Nighthawks

Nighthawks de Edward Hopper , 1942, prin Institutul de Artă din Chicago

Hopper Faimoasa pictură a lui de aici amintește de de Chirico în sensul său de singurătate evocat de arhitectură. Hopper, însă, a optat pentru realism pentru a realiza acest efect. Fereastra mare afișează câțiva oameni noaptea sub lumina artificială, iar strada de afară se simte rece, goală și fără sunet. Cei doi bărbați de la bar par să se oglindească unul pe altul, o femeie în roșu pare goală, iar un bătrân se îngrijește de bar.

Există un sentiment incontestabil de stagnare. Atât de mult încât neliniștește privitorul. Hopper a ridicat bara de timp pentru a reprezenta ceva convingător despre viața umană; despre singurătate și singurătate; despre așteptare; despre cum ne petrecem timpul în noaptea solitară. Realismul lui Hopper aduce această casă cu forță. Viziunea limitată, parcă surprinsă în timp ce cineva trece, pare să sublinieze această îndepărtare a individualității.

Curiozitatea tablourilor celebre

Când explorăm picturi celebre, căutăm propriul nostru simț estetic și modul în care acesta reflectă propria noastră înțelegere a noastră și a lumii. Ni se arată adesea picturi celebre care au fost văzute, într-un context cultural mai larg, pentru a evoca sentimente de frumusețe și experiență la care ne putem raporta cu toții. Cu toate acestea, aceste picturi uneori nu se apropie de propriile noastre sentimente despre lume. Trebuie să ne întreprindem propria noastră educație neoficială a picturii pentru a găsi și a aprecia propriul nostru limbaj vizual.