12 lucrări de artă care trebuie văzute la Muzeul de Artă Modernă

Muzeul de Artă Modernă (MoMA) din New York City găzduiește poate cea mai cuprinzătoare și semnificativă colecție de artă modernă și contemporană din lume. În total, Muzeul de Artă Modernă deține aproape 200.000 de piese de artă individuale, numărul crescând în fiecare an. Deși doar o mică parte dintre acestea sunt afișate la un moment dat, există întotdeauna peste 1.000 de lucrări de artă minunate și celebre expuse la Muzeul de Artă Modernă. A vedea totul într-o singură călătorie este o sarcină descurajantă. Pentru a vă ajuta, aceasta este o listă de 12 piese de artă, aflate în prezent, pe care ar trebui să vă asigurați că le vedeți la Muzeul de Artă Modernă.

1. Un om eroic nobil (1950-51), de Barnett Newman

Un om eroic nobil de Barnett Newman , 1950-51, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Barnett Newman lui Un om eroic nobil este printre cele mai faimoase opere ale sale de artă. Pictura este masivă, măsurând aproape 8 picioare înălțime și mai mult de 17 picioare lungime. Stând în fața tabloului, cineva este învăluit de ponderea sublimă, existențială a lui Newman. Profunzimea picturilor lui Newman poate fi apreciată în acest fel doar atunci când le vizionați personal. Chiar și în mijlocul tumultului neîncetat al unui loc precum Muzeul de Artă Modernă, o tăcere răsunătoare se găsește în această pictură copleșitoare de încă; Un om eroic nobil are o gravitate proprie.

Două. Scara lui Jacob (1951), de Helen Frankenthaler

Scara lui Jacob de Helen Frankenthaler , 1957, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Unul dintre a lui Helen Frankenthaler cele mai vechi picturi, Scara lui Jacob a fost făcută cu ulei mai degrabă decât cu vopsea acrilică. Realizată folosind tehnica ei de înmuiere, în care vopsea diluată este aplicată pe o pânză neamorsată, această pictură în ulei de Frankenthaler nu este arhivă, ceea ce înseamnă că dă deja semne de degradare. A fi capabil să stai în fața uneia dintre aceste lucrări este o experiență specială, nu doar pentru frumusețea imagistică a lucrării, ci și pentru că piesa se destramă vizibil. Știind acest lucru, te simți pe deplin prezent cu aceste picturi. Există tristețe, într-un anumit sens, dar și familiaritate. Există o umanitate deosebită în aceste lucrări din cauza intervalului de timp în care există.

3. fără titlu, (1964), de Kazuo Shiraga

Fără titlu de Kazuo Shiraga , 1964, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Vă place acest articol?

Înscrieți-vă la buletinul nostru informativ săptămânal gratuitA te alatura!Se încarcă...A te alatura!Se încarcă...

Vă rugăm să vă verificați căsuța de e-mail pentru a vă activa abonamentul

Mulțumesc!

Această pictură este o adăugare relativ recentă la colecția Muzeului de Artă Modernă, fiind achiziționată în 2019. Cu toate acestea, este una dintre cele mai frumoase lucrări de abstractizare de la mijlocul secolului din întregul muzeu. Această piesă este un exemplu de Kazuo Shiraga Tehnica lui „pictura cu piciorul”, în care punea o pânză pe pământ, strângea vopsea pe ea, apoi își folosea picioarele pentru a o întinde pe suprafață, suspendându-se adesea de o frânghie pentru a se poziționa și a obține o varietate de semne. Cu acest proces neconvențional, Shiraga a reușit lucrări elegante de abstractizare ca aceasta. Acest tablou este încrezător, fiind compus în mare parte din două planuri de culoare îndrăznețe, roșii. În același timp, este subtil, deoarece o inspecție mai atentă dezvăluie variația și densitatea culorii și a semnelor în cadrul acestei mișcări centrale.

Patru. Măști care se confruntă cu moartea (1888), de James Ensor

Măști care se confruntă cu moartea de James Ensor , 1888, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Întâlni James Ensor , faimosul pictor al Belgiei. În această piesă de la Muzeul de Artă Modernă, figura morții privește privitorul, în timp ce un grup de personaje mascate în caricaturi se înghesuie în jur. Măști care se confruntă cu moartea a fost pictat în 1888, în primii ani ai transformării artistice a lui Ensor. De la începutul carierei sale de artist la sfârșitul anilor 1870 până la mijlocul anilor 1880, Ensor a lucrat într-o manieră mult mai modestă și tradițională. La sfârșitul anilor 1880, a început să producă lucrări ca aceasta, prezentând figuri bizare, mascate, redate în culori strălucitoare și saturate. Deși opera lui Ensor din această perioadă prefigurează expresionismul în anumite privințe, propriul său stil este prea singular pentru a se asocia pe deplin cu orice mișcare. Lucrarea matură a lui Ensor, caracterizată de grotesquerie, umor și morbiditate, este unică, minunată și ar trebui căutată cu fiecare ocazie.

5. Agatator de perete (1927), de Anni Albers

Agatator de perete de Anni Albers , 1927 (țesută în 1964), prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Această piesă textilă a fost țesută pentru a se potrivi cu un design realizat de Anni Albers în 1927. Deși designul original se află și în colecția Muzeului de Artă Modernă, nimic nu se compară cu a vedea viziunea lui Albers realizată cu adevărat sub forma unui agățat de perete finit. Deși elementele modelului sunt simple, Albers le aranjează cu o complexitate și un interes nesfârșite.

6. Pictura (1946), de Francis Bacon

Pictura de Francis Bacon , 1946, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Poatea lui Francis Baconcea mai faimoasă opere de artă și un punct culminant al colecției Muzeului de Artă Modernă, Pictura demonstrează o stăpânire a spațiului pictat. Bacon reunește mai multe referințe într-un întreg inseparabil; cadavrul unei vaci atârnă ca și cum ar fi răstignit peste o siluetă cu jumătate de cap, care pare să fuzioneze atât înapoi, spre colțurile întunecate ale spațiului, cât și înainte, într-o formă animală nedefinită. Pictura este o lucrare imposibil de densă. Cu cât se privește mai mult, o serie nesfârșită de noțiuni îngrozitoare par să iasă din interior.

7. Buburuză (1957), de Joan Mitchell

Buburuză de Joan Mitchell , 1957, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Joan Mitchell a fost un proeminent expresionist abstract din a doua generație. Ceea ce o deosebește pe ea și pe contemporanii ei de pictorii expresioniști abstracti anteriori este o abordare mai studiosă; loviturile viguroase de pensulă și picăturile de vopsea sunt aplicate strategic. Într-adevăr, practica picturii lui Mitchell nu a fost intuitivă sau reactivă în modul în care s-ar putea presupune. În schimb, ea folosește semnele vizuale și limbajul expresionismului abstract pentru a crea compoziții mai complicate, cu o minte estetică.

Buburuză demonstrează aptitudinea lui Mitchell pentru vopsea, prezentând o mare varietate de tehnici și aplicații ale materialului. Văzând această lucrare în persoană, este evidențiată complexitatea piesei; straturile de vopsea la diferite vâscozități creează momente frumoase de textură și culoare luminoasă. Comparați atingerea lui Mitchell cu celebrele opere de artă ale expresioniștilor abstracti din prima generație din Muzeul de Artă Modernă, ale unor pictori precum Jackson Pollock și Willem de Kooning, iar echilibrul compozițiilor ei va fi evidentă.

8. Egal (2015), de Richard Serra

Egal de Richard Serra , 2015, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Richard Serra Sculptura masivă a lui poate părea la început să domine spațiul înconjurător la Muzeul de Artă Modernă. În timp însă, Egal dezvoltă o prezență mai calmă. Deși blocurile nu sunt aranjate simetric, ele sunt, după cum sugerează titlul, egale ca mărime și, pe măsură ce cineva petrece timpul cu lucrarea, această egalitate se simte din ce în ce mai mult. Sculptura, spațiul său și publicul ei se stabilesc toate spre un echilibru inevitabil.

9. Femeie cu copil mort (1903), de Käthe Kollwitz

Femeie cu copil mort de Kathe Kollwitz , 1903, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Această gravă frumoasă de Käthe Kollwitz surprinde un moment de durere de neimaginat, în timp ce o mamă prinde trupul neînsuflețit al fiului ei. Kollwitz este adesea asociat cu expresionismul german , deși opera ei iese în evidență față de ceilalți în mișcare datorită desenului ei precis și dens. Aici, Kollwitz modelează fin chipul copilului mort pentru a sublinia liniștea lui rece, în contrast cu desenul mai liber și expresiv din corpul mamei, în timp ce aceasta este cuprinsă de angoasă.

10. Femeia I (1950-52), de Willem de Kooning

Femeia I de Willem de Kooning , 1950-52, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

La mijlocul secolului al XX-lea, opera lui Willem de Kooning a reprezentat o cale înainte pentru arta figurativă la apogeul abstracției. În pictura lui De Kooning, figurația și abstracția sunt echilibrate și amestecate cu rezultate minunate. De Kooning a declarat celebru că silueta nu este nimic decât dacă o răsuciți ca un miracol ciudat. Nicio lucrare de artă nu descrie mai bine această tensiune între figurație și abstracție decât Femeia I , una dintre cele mai faimoase opere de artă ale lui de Kooning. Figura iese violent, dintr-un fundal de culoare striată și strălucitoare, care nu se instalează niciodată. Existența figurii este o problemă dificilă, deoarece femeia titulară pare atât construită, sau scoasă din abstracție zgomotoasă, cât și consumată de ea. Această lucrare este una dintre cele mai izbitoare din colecția Muzeului de Artă Modernă, exprimând problemele centrale ale modernismului.

unsprezece. Strada Dresda (1908), de Ernest Ludwig Kirchner

Strada, Dresda de Ernest Ludwig Kirchner , 1908, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

În acest celebru exemplu de expresionism german, Ernst Ludwig Kirchner a făcut vizibile anxietăţile latente ale oraşului modern. Mulțimile care se populează Strada Dresda apar deodată ca o masă nediferențiată, precum și intens separate una de cealaltă. Toate figurile și-au evaporat personalitatea în stilul dur de pictură al lui Kirchner, devenind suprapuneri, matrice discordante de culori. Cu toate acestea, acești subiecți par, de asemenea, să fie absolut inconștienți unul de celălalt. Scena nu are nicio acțiune, nicio narațiune, nimic de prins sau de recunoscut. Ce fețe pot fi văzute printre mulțime sunt goale, poate vag batjocoritoare. Surprins atât de strălucit în această pictură este sentimentul distinct modern al alienării în masă.

12. The Palace at 4am (1932), Alberto Giacometti

Palatul la ora 4 a.m. de Alberto Giacometti , 1932, prin Muzeul de Artă Modernă, New York

Această sculptură este un exemplu de Alberto Giacometti Lucrarea timpurie, cu tendință suprarealistă. Potrivit lui Giacometti, această opera de artă a fost realizată exact așa cum a putut să o vizualizeze în mintea lui. Această apropiere de imaginația sa a rezultat într-o piesă care pare să nu aparțină lumii noastre și se luptă să se mențină. Structura este atât de ușoară și goală, încât se simte gata să se prăbușească. În comparație cu celelalte sculpturi ale lui Giacometti, în special cu opera sa matură (bazată pe suprasolicitarea materialelor), Palatul la ora 4 a.m. se simte aproape unic liniștit și precis. Totuși, surprinde sentimentul de fragilitate existențială care pătrunde atât de mult din opera lui Giacometti.