10 exemple incredibile de artă simbolistă europeană

Simbolismul este cel mai bine definit ca o atitudine mentală manifestată în literatură și arta vizuală, caracterizată prin motive și reprezentări ireale. Ideea de bază a fost că realitatea vizibilă și definibilă reprezintă doar primul plan al unei scheme universale. Exprimarea acestei scheme în artă nu a fost posibilă direct, ci doar prin sugestii și aluzii. Metaforele și alegoriile artei simboliste au arătat evenimentele imposibile în natură care ar putea fi trăite în vise, transă sau extaz. Rădăcinile acestei atitudini ajung mult înapoi în istorie și se extind prin diverse culturi. Romantismul purta deja trăsăturile artei simboliste, care a fost doar amplificată în lucrările prerafaeliților. S-a răspândit în arta lui Puvis de Chavannes și Gustave Moreau în Franța și Hans von Marees și Arnold Böcklin în Germania. Acești artiști, considerați adesea pionieri, au influențat mai târziu următoarea generație mai tânără de artiști.

1. Arnold Böcklin, Autoportret cu moartea jucând la lăutări , 1872

Important pentru simbolismul european ca artistul însuși, Autoportret cu moartea jucând la lăutări a fost pictat în 1872 de Arnold Böcklin . Este o imagine paradigmatică a artei simboliste. Autoportretul lui Böcklin poartă noua imagine și rolul artiștilor de la sfârșitul secolului al XIX-lea.

Artistul nu trebuie să fie un cetățean de succes, ci un erou, legitimat prin experiențe sau fantezii extraordinare. Elementul romantic al singurătății artistului și a faptului de a fi neînțeles a căpătat o conotație pozitivă în simbolism.

Contactul artistului cu experiențele de înstrăinare și greutăți, cunoașterea intimă a viselor și coșmarurilor și complexul Eros și Morții i-au oferit o nouă poziție în societate. În pictura lui Böcklin, Moartea cântându-și melodia este ascultată cu atenție de artistul care încearcă să adune inspirație pentru opera sa. Pe urmele lui, mulți artiști au explorat experiența morții ca sursă de inspirație pentru portretele lor. Pictori germani precum Hans Thoma, Oskar Zwinschter și Lovis Corinth au avut toți versiunile lor ale imaginii.

2. Franz von Stuck, Fără , c. 1908

Freud și dezvoltarea psihanalizei , mișcarea femeilor și lupta dintre sexe, așa cum se reflectă în literatura secolului al XIX-lea, au oferit un fundal pentru proiecțiile femeii în arta simbolistă. Aceste proiecții amintesc adesea termeni precum încurcarea, captarea în capcană și mâncatul de oameni. Aceste proiecții au atins apogeul la imaginea lui a Femeie fatală cu variații nesfârșite în arta simbolistă .

La sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, Franz von Stuck a pictat cel puțin unsprezece variații ale Fără . Figura palidă a unei femei ocupă cea mai mare parte a tabloului; capul și părul plin și întunecat stau în umbră. Un șarpe negru se înfășoară în jurul șoldurilor și abdomenului ei, ascunzând zona pubiană. După ce s-a încolăcit din vedere în spatele figurii, capul ei reapare cu gura ușor deschisă. Atât șarpele, cât și femeia se uită înapoi la privitorul (probabil de sex masculin), ademenind și pregătindu-se pentru distrugerea lui.

3. Odilon Redon, Plutică , 1885

The Plutică este o litografie realizată de Odilon Redon ca parte a unei serii intitulate Acasă la Goya . Cele șase litografii din această serie au fost inspirate de a lui Francisco Goya Capricii , a cărei temă era maltratarea irațională a ființelor umane unul față de celălalt, o odă la pesimismul lui Goya.

Sursa acestei creaturi este imaginația artistului, concepută mai degrabă conform intuiției artistului decât academic sau orice altă tradiție. Redon a preferat să lucreze doar în alb și negru (a folosit rar culoarea până după 1900) pentru că a considerat că se potrivea cel mai bine reprezentării nevizibilului. Culoarea a creat asocieri cu lumea vizibilă pentru majoritatea spectatorilor și a fost o lume nevăzută pe care o reprezenta Redon. Floarea de mlaștină iese dintr-un vid ambiguu din punct de vedere spațial și, ca multe dintre alte creaturi ale lui Redon, este un hibrid între o plantă și un om.

O altă sursă pentru creaturile lui Redon au fost lucrările naturaliștilor francezi, care, urmând lucrările lui Charles Darwin, au sugerat existența specii hibride dispărute de-a lungul istoriei . Interpretările contemporane ale fosilelor și zoologiei comparate au implicat existența mamiferelor care arătau și se comportau ca peștii și viermii care erau hermafrodiți.

4. Felicien Rops, Pornocrate , 1878

Felicien Rops, un ilustrator belgian, a adoptat dragostea simbolistă a macabrului. Talentul său excepțional era însă pentru subiectele pervers erotice și blasfemiatorii. În aceste domenii, s-a bucurat de o mare reputație și infamie. După cum era de așteptat, natura explicită a lucrării sale a provocat mari scandaluri.

pornocrate sau Femeie cu un porc , cea mai cunoscută lucrare a sa, a fost o pictură Rops realizată în 1878. A marcat punctul de cotitură către subiecte și expresii simboliste. Este o imagine a unei femei aproape goale, mănușile și ciorapii ei subliniind și mai mult goliciunea. Cu o legătură care îi acoperă ochii, femeia este condusă de un porc în lesă, asemănător unui câine. În aer sunt trei heruvimi , iar dedesubt este o friză care conține alegorii de sculptură, muzică, poezie și pictură.

În pornocrate , Rops a adus un omagiu stăpânirii îndemnurilor incontrolabile în timp ce batjocorește morala represivă și ipocrizia epocii moderne.

5. Gustave Moreau, Orfeu , 1865

Gustave Moreau este unul dintre primii artiști simboliști ale cărui lucrări au inspirat o nouă generație mai tânără de artiști francezi. În arta simbolistă, ca și în opera lui Moreau, o importanță considerabilă este acordată creativității; o persoană care poate crea ceva este văzută ca o ființă umană excepțională.

pictura lui Gustave Moreau Orfeu a influențat foarte mult redările simboliste ulterioare ale mitului. Înfățișează momentul victoriei după moartea tragică când fecioara tracă, ținând capul în brațe și contemplându-l în pace, a devenit conștientă de puterea ei.

Artiștii simboliști de la sfârșitul secolului al XIX-lea au găsit o expresie profundă a atitudinii lor estetice-religioase complexe în figura lui Orfeu . Capul lui Orfeu este aici o imagine a izolării eterne a artistului, neînțeles și martirizat și venerat abia după moartea sa. Moartea prin dezmembrare îl transformă pe Orfeu într-o victimă și un martir. În același timp, pregătește scena pentru victoria triumfătoare a transcendenței sale a morții cu puterea cântecului și a muzicii.

6. Puvis de Chavannes, Sărmanul Pescar , 1881

Puvis de Chavannes a fost un pictor francez considerat de obicei precursorul artei simboliste. Puvis era independent, lucrând rareori în tradiția academică și nici abordând evenimentele curente. Sărmanul Pescar , cea mai faimoasă lucrare a sa, a fost întâmpinată cu o mare ostilitate când a fost expusă la Salonul din 1881. Cu toate acestea, statul a cumpărat-o în 1887, iar prin anii 1890, a ajuns să fie considerată în general o capodopera a artei simboliste. Alți artiști l-au admirat foarte mult, inclusiv Gauguin, Seurat, Signac , Maillol și Nabis.

In timp ce Sărmanul pescar Titlul lui sugerează o temă în concordanță cu realismul social, calitatea generică a imaginii îi conferă o rezonanță mai largă. Fizicul subnutrit și poziția pasivă nu erau amenințătoare, iar capul plecat și mâinile împreunate sugerează supunere. Aspectul de Hristos al pescarului, însoțit de pruncul nud și tânăra mamă, evocă imaginea Sfintei Familii. Fără nimic spus în mod explicit, evocarea și sugestia picturii prezintă calitățile esențiale ale artei simboliste.

7. Jean Delville, Școala lui Platon , 1898

Jean Delville a fost un participant central în mișcarea de artă simbolistă din Franța și Belgia la începutul secolului al XX-lea. Opera sa monumentală, Școala lui Platon , a apărut pentru prima dată la 1898 Târgul de artă idealist la Bruxelles . Accentul picturii este figura cu barbă a lui Platon din centru, înconjurat de doisprezece bărbați nud într-un peisaj idilic. Platon este așezat pe o bancă de marmură sub un copac plin de ciorchini de flori de glicine. Ca și în cazul tuturor picturilor lui Delville, simbolismul său complex este descifrat în sursele ezoterice care informează o mare parte din opera sa.

Pictura se referă la scrierile lui Deliville despre teoria estetică și filosofia sa teosofică. Cartea lui Noua misiune a artei se referă frecvent la armonie și vibrație ca condiții esențiale pentru frumusețe. Misiunea artistului este de a crea lucrări care întruchipează valori numerice și forme geometrice într-un mod cât mai unificat, echilibrat și armonios posibil. Delville credea că prin armonii și „vibrații”, artistul face o punte între material și spiritual, dintre lumea naturală și cea supranaturală. Compoziția triunghiulară și modelele picturii, așezarea figurilor și gesturile lor sugerează toate ideile exprimate de Delville în cartea sa.

8. Giovanni Segantini, Mamele rele , 1894

Cunoscute cel mai bine pentru peisajele sale alpine, lucrările lui Giovanni Segantini demonstrează modul în care arta și ideile simboliste s-au răspândit în Europa și au ajuns chiar și în Italia. Între 1891 și 1896, artistul a pictat o serie de lucrări cu femeile respingând ceea ce era văzut ca destinul lor natural, maternitatea.

Pictat în 1894, Mamele rele este una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Segantini. În acest peisaj sterp, o femeie învelită în pânză neagră este legată în mod misterios de un copac gol de părul ei curgător. Formele sale răsucite sugerează păcatul și chinul ei, fără nicio speranță de mântuire.

Pictura a fost supusă unor interpretări diferite. Dovezile circumstanțiale oferă unele îndrumări în formarea cel puțin unei idei generale despre conținutul picturii. În anii 1890, un copil din zece a murit în copilărie, iar unul din șapte a murit de tuberculoză în copilărie. Întrucât mamele erau în primul rând responsabile pentru copiii lor, orice nenorocire care se întâmplase asupra lor era privită ca vina mamei. Mamele rele ale lui Segantini ar putea suferi pentru infracțiuni la fel de grave precum abuzul asupra copiilor sau tuberculoza. Artista o pedepsește pe mama rea ​​pentru iresponsabilitatea și neglijarea ei față de urmași.

9. James Ensor, Intrarea lui Hristos la Bruxelles în 1889 , 1889

Artistul belgian James Ensor a fost pasionatul măștilor printre artiștii simboliști. Și-a luat motivele din Carnavalul din Ostende și din magazinul de curiozități condus de mama lui. Normalul funcția măștii în arta simbolistă este inversată, deoarece servește la demascare. Tot ce este rău, rău intenționat, corupt, răutăcios și ridicol despre ființele umane este subliniat prin trăsăturile faciale exagerate ale măștilor. Pierderea identității personale conferă figurilor deghizate un aspect misterios, ciudat și ambiguu.

a lui Ensor Intrarea lui Hristos la Bruxelles în 1889 satirizează societatea contemporană. În mod misterios, opera nu a fost niciodată expusă în timpul vieții artistului. Aici, Ensor și-a imaginat un eveniment absurd: a doua venire a lui Hristos în timpul festivităților de Mardi Gras dinaintea Postului Mare de la Bruxelles. Titlul face aluzie la intrarea biblică a lui Hristos în Ierusalim. Ensor a văzut lumea contemporană ca pe o farsă de carnaval plină de cruzime și prostie. În această mulțime zgomotoasă de fețe mascate, Iisus nici nu apare în mod proeminent și nici nu este recunoscut de petrecăreți, dar pe podium este un banner care proclamă: „Trăiască Isus, Regele Bruxelles-ului”.

10. Edvard Munch, Viziune , 1892

Edvard Munch, precursorul expresionismului german, este renumit pentru metodele sale de lucru neconvenționale, experimentând procesul creativ și subiecte psihologice. Viziune , o lucrare timpurie a lui Munch, aparține sferei artei simboliste. Pentru Munch însuși, pictura a fost una dintre imaginile sale centrale din anii 1890. A fost prezentată în toate expozițiile sale semnificative între 1892 și 1898 și a fost proiectată ca imagine centrală a Friza Vieții .

Acest tablou, descris de istoricii de artă ca un „autoportret neconvențional”, reprezintă un cap uman deformat care plutește în apă. Alunecând liniştit deasupra este o lebădă albă, un motiv încărcat cu simbolism. Reprezintă o experiență vizionară care diferă de o viziune spirituală și o iluminare comună în arta simbolistă. Cu toate acestea, încă de la prima sa expoziție, simbolismul său a fost considerat atât confuz, cât și bogat. Lebada poartă o gamă largă de asocieri, de la moarte și erotism până la idealul artistic de neatins și suferința creativă centrală pentru arta lui Munch. Capul fără trup, în arta simbolistă în general, sugerează sufletul sau inteligența care se străduiește să se ridice din lumea corporală în unirea cu un spirit panteist.